«СЕМЕНОВА МАРИЯ АЛЕКСАНДРОВНА ЭСТЕТИКА АКВАРЕЛЬНОЙ ЖИВОПИСИ В ПОДГОТОВКЕ БУДУЩИХ ПЕДАГОГОВ-ХУДОЖНИКОВ Специальность 13.00.02 – теория и методика обучения и воспитания (изобразительное искусство) Диссертация на соискание ...»

Знание свойств нервной системы имеет также большое значение при осуществлении индивидуального подхода, учитывание слабости и силы, инертности, лабильности нервной системы помогает в обучении живописи, в становлении студентов, которое проходит у каждого индивидуально. У студентов со слабой организацией нервной деятельности начальный этап выполнения работы над акварельным этюдом, начало работы, выбор мотива, поиск композиционного решения происходит медленно и неуверенно. Они тяжело переживают неудачи в работе, что часто тормозит восприятии новой информации и принятие решений, однако у этих студентов наблюдается повышенная чувствительность, что дает возможность педагогу быстро и своевременно отвлекать их из этого состояния. Студенты с высокой и сильной нервной возбудимостью, этюд начинают легко и быстро, стараясь передать свое отношение к натуре, часто очень эмоциональное, с такими студентами преподавателю легче проводить процесс обучения живописи, но часто они бывают очень быстрыми и не успевают дослушать до конца важную в работе информацию.

Проблема развития способностей студента в результате творческой деятельности, как и самореализация его личности в творчестве и профессиональной деятельности, является актуальной и несет свое решение, на наш взгляд, в выработке индивидуального подхода к каждому студенту.

Индивидуальный подход в обучении живописи использовали и используют в своей работе многие отечественные и зарубежные педагоги. В нашем исследовании мы приводим пример педагогической деятельности шведского педагога-художника И. Иттена. На примере его педагогической деятельности прекрасно видна роль индивидуального подхода в обучении изобразительному искусству.

И. Иттен особое внимание уделял индивидуальности и темпераменту ученика, сравнивает внешний вид студентов и их работы, описывая, таким образом, влияние внешности и темперамента на живопись и графику художника.

Вот несколько примеров его анализа: «мои занятия в Вене посещала весьма одаренная студентка. Ее рисунки и акварели были лишены четких линий и словно завуалированы серыми полутонами; все это точно соответствовало ее внешности.

У нее был очень характерным тип внешности. Она была хрупкой, маленькой, робкой и вежливой. Ее глаза напоминали лунный камень, а кожа была бледной до полупрозрачности. Она носила волосы распущенными и иногда, когда она работала, они падали ей на лицо, как вуаль» [86, с.134]. По мнению педагога, существует изначальная взаимосвязь между конструкцией человека и художественными формами, которые он создает. Эти наблюдения помогают увидеть в работах студентов субъективные начала в передаче колорита и форм предметов. Субъективный характер в работе над композицией может проявляться по-разному, в колорите произведения, в пропорциях, в характере линий, в контрастах светлого и темного. В нашем исследовании мы также соглашаемся с И. Иттеном в том, что изначальные природные силы, которые предопределяют облик человека, психические и духовные особенности личности, способны творчески отражаться и в его произведениях. «Все, что человек делает, становится зеркальным отражением заложенной в нем способности трактовать форму согласно своему «я». Если он искренен» [86, с.135]. Наши личные педагогические наблюдения во многом совпадают с наблюдениями И. Иттена.

Многие студенты отражают свое подобие в работах, особенно на начальных этапах обучения. Примеров можно дать множество. Студентка, с крупными, яркими чертами лица, черными глазами и волосами, создавала яркие контрастные композиции подобные своей яркой внешности. Робкий студент пишет акварелью боязливо, еле касаясь поверхности бумаги, работает медленно и некачественно и в конце получается акварельный натюрморт – портрет автора тихони. Существует юмористическое высказывание у художников «художник даже когда рисует чайник, все равно создает свой портрет». В аудитории рядом работают студенты разных темпераментов, все они выполняют данное преподавателем задание, пишут натюрморт, только результат получается разный, один берет цвет широко и сочно, воспринимая целостность композиции, другой работает по частям, а затем соединяет все кусочки работы в единое целое. Подход к работе, характер исполнения живописного этюда, безусловно, зависят от темперамента автора.

Примером этому также может служить стихотворение Б. Окуджавы «Каждый пишет, как он дышит Каждый слышит, как он дышит так и пишет не стараясь угодить, так природа захотела, для чего не наше дело, для чего не нам судить».

Выше приведенные примеры говорят о том, что в обучении акварельной живописи к каждому ученику студенту преподаватель должен подбирать свой индивидуальный подход, как ключик, для развития заложенных в ученике природных задатков в живописи, поощрять и активизировать их. Среди художников И.Иттен различает следующие основные типы; духовно – экспрессивный, материально – импрессивный, интеллектуально – конструктивный. Художники материально – импрессивного типа не вносят экспрессивных дополнений в работу они наблюдают за многообразием природы и реалистичного ее изображают. Их работы показывают результат точного зрительного наблюдения за натурой с передачей всех малейших деталей.

Художники интеллектуально – конструктивного типа познают конструкцию предмета и пытаются разобрать и изобразить его геометрическим путем.

Художники духовно – экспрессивного типа работают под воздействием интуиции и не обращают внимание на конструкцию формы, для них важна гармония цветовых отношений в живописи.

Конечно, существуют определенные типы художественных склонностей и опытный преподаватель должен их определять и направлять работу студента в нужное русло, преодолевая слабые стороны и развивая сильные.

В индивидуальном содействии становлению специалистов изучение объективных законов цвета и формы помогает студентам поверить в собственные силы и развивает творческое дарование каждого, заложенное в нем природой.

«Развитие непосредственной наблюдательности, непосредственного чувства и мышления…если поощрять студентов вернуться к заложенным в них природой творческим началам, это освободит их от нормативности, возникающей в процессе чисто механического обучения, это является основной целью любого преподавания» [86, с.135]. В этом можно согласиться и не согласиться с И.

Иттеном, так как, развивая наблюдательность и мышление, мы учим студентов думать, творить образами. Следовательно, процесс обучения не может быть чисто механическим, так как, выполняя самые простые задания, работая этюдами, над композицией натюрморта, портрета, пейзажа, каждый студент вносит помимо профессиональных навыков, полученных на занятиях акварельной живописью свое собственное неповторимое «я».

Изобразительное искусство, на наш взгляд, представляет труд, в котором для достижения положительного результата студентам необходимо направлять все свои силы, духовные, физические целенаправленно на работу, учебу, творчество.

Обращение к восточной философии, медитации, применение дыхательных упражнений, помогает выработать умение настраиваться на работу. И. Иттен начинал утренние занятия с умственного и физического настроя учеников на интенсивную работу в освоении изобразительного искусства, с упражнений на расслабление, концентрацию внимания, задержку дыхания и др. Тренировка тела человека, в данном случае как инструмента духовного и физического развития очень важна для творческой личности. Его занятия по созданию художественного образа основывались на его теории контрастов; большого и маленького, широкого – узкого, прозрачного – непрозрачного, горизонтального – вертикального, неподвижного – движущегося и др.

Развитие умения мыслить, наблюдать, сравнивать, как и развитие умения настраиваться на работу важны для становления педагога-художника и должны быть применимы в учебной деятельности.

Формирование профессионализма будущих педагогов-художников связано с изучением своеобразия творческого процесса в акварельной живописи, неотъемлемой и важной психологической частью которого является игра.

Вместе с тем, не являясь игрой по своей специфической сущности, искусство, конечно, также может иметь игровой аспект, который обуславливает психологическую подготовку к творческой деятельности. Процесс работы с акварелью дает разрядку психической напряженности, является средством, как художественного наслаждения.

Изучение акварели и обучение ее приемам является важным аспектом в преподавании живописи. Прочувствовав и освоив технику акварельной живописи, будущие педагоги-художники на совсем ином уровне смогут преподнести ее своим воспитанникам, увлечь и заинтересовать ребят, привить любовь к искусству акварели. Акварельная живопись самая сложная техника в изобразительном искусстве и, следовательно, процесс ее освоения, основанный на своеобразии творческого процесса акварельной живописи, игровом аспекте, проходит более интересно и дает лучшие результаты в профессиональном обучении.

Философско-эстетическая проблема игры и ее связь с искусством была поставлена в XVIII веке И. Кантом и Ф. Шиллером. Игра, олицетворяющая свободную деятельность, рассматривалась ими как родственная художественной деятельности. Искусство И. Кант описывал как «видимость, которой дух играет»

через искусство открывается истина, приходит наслаждение и, следовательно, эстетически развивается человек, занимающийся искусством. Эстетическое суждение он считал свободной игрой познавательных способностей. Занимаясь искусством человек, познает окружающий мир, учится преобразовывать, стилизовать, обобщать, искать композиционные и колористические решения ради создания художественного образа. Ф. Шиллер в игре также видит истоки искусства и творчества. Ф. Шиллер придает большое значение роли искусства, подготавливает к профессиональному становлению. Эту мысль мы видим в «Письмах об эстетическом воспитании человека». Ф. Шиллер, рассуждая о вопросах искусства и культуры, вводит два понятия: «игра» и «эстетическая видимость». Игра, в понимании Ф. Шиллера, особая деятельность человека, отличающаяся определенной свободой в отличие от утилитарной деятельности. В игре все силы человека действуют согласованно, и искусство в качестве игровой Противопоставляя игру и утилитарность, философ утверждает, что для эстетической деятельности, общество отводит лишь маленький островок, для радостной и свободной деятельности человека, занимающегося искусством. Образ искусства, это идеализация а не простое воспроизведение жизни. Красота является объектом побуждения к игре и областью, где раскрывается свобода.

«Человек играет только тогда, когда он в полном значении слова человек, и он бывает вполне человеком лишь тогда когда играет» [227, с.331]. Продуктом игры является «видимость». «Эстетическая видимость» отказывается от притязаний на реальность, она самостоятельна. Когда человек обнаруживает побуждение к игре, в нем начинает развиваться побуждение к воссозданию. Рассуждения Ф. Шиллера говорят о том, что художественный образ не является ни действительностью, ни истиной. Образ философ связывает с чувственностью и идеями. Ф. Шиллер подчеркивает активность творческого субъекта. «Дух, наслаждающийся видимостью радуется уже не тому что он воспринимает, а тому, что он воспроизводит» [227, с.374].

Говоря об эстетическом воспитании, Ф. Шиллер говорит о воспитании гармонично развитого человека, обладающего разными талантами.

Предполагается формирование всесторонне развитой личности в процессе игры, которая помогает раскрытию сущностных сил человека его эстетическому совершенствованию.

Все вышеперечисленное относится и к искусству акварельной живописи.

Игровой аспект акварельной живописи формирует гармонически развитую личность, вызывая эстетическое удовольствие духовной игрой чувств студента в эстетическом процессе изучения и восприятия акварели. Игровой аспект искусства акварельной живописи, заключается в своеобразии творческого процесса при работе с акварелью, это и увлажнение бумаги, и поведение краски, растекающейся по сырой поверхности, ожидание и получение быстрого результата, использование дополнительных материалов, смешанной техники.

Будущий педагог-художник в своей профессиональной деятельности занят вопросами обучения и воспитания, которые наилучшим образом, по нашему мнению, происходят посредством игры. Игра сопровождает человека на протяжении жизни, с младенчества до взрослого состояния, меняя свой статус и становясь все более и более серьезным увлечением. Игра является определенной школой в общении между людьми. Ролевая игра между людьми постепенно переходит в игру условную с установленными правилами, которая происходит по степени вырастания человека, а затем в другие виды деятельности – «деловые деятельности, игра делится с ними спецификой игрового начала. Тесная связь искусства и игры существует потому, что сама игра представляет собой эстетическое явление. Рассмотрим понятие детской игры. Игра основная деятельность ребенка, помогающая ему в последующем развитии. В игре он обретает жизненный опыт для существования в обществе, развивает духовные и физические силы и способности, которые необходимы ему в дальнейшей деятельности. По мнению Л.С. Выготского «В игре ребенок создает мнимую ситуацию», развивает творческое воображение (Л.С. Выготский 1930 г.). Ребенок одновременно верит и не верит в игровое действие и его реальность, которое совершает свободно, получая удовольствие от процесса игры. Поэтому акварельной живописи, преподнесенный как игра, происходит более эффективно.

Например, студентам, выходившим на педагогическую практику в школу или изостудию дополнительного образования, мы предлагали провести следующее занятие, знакомящее учащихся с искусством акварели, а именно провести мастеркласс, по акварельной живописи продемонстрировав акварельную технику a la prima по предварительно увлажненному листу бумаги. Показ сопровождался рассказом о материале акварели, демонстрацией своих творческих работ в акварельной технике и репродукций мастеров изобразительного искусства. Урок начинался со слов «давайте поиграем в художников», поучимся смешивать цвета, посмотрим, как будет вести себя краска, какие необыкновенные и красивые цвета получатся. Далее мы показывали последовательность выполнения акварельного этюда по предварительно увлажненному листу бумаги, давали методические рекомендации в работе с акварелью, как правильно намочить лист бумаги, как справиться с растекающейся краской по влажной поверхности. Многие дети зачарованно следили за действиями педагога, некоторым не терпелось сразу попробовать свои силы на листе бумаги и естественно педагог-художник, открывая тайны искусства, воспринимается учащимися как волшебник, приоткрывающий дверь в мир красоты, удивительных цветов и новых интересных открытий в живописи.

Увлажнение бумаги, игра в смешение цветов, управление потоками краски и воды, свойственны своеобразию творческого процесса в акварели и являются элементами, относящимися как к построению живописного произведения, так и игрой с цветом, формой, воображением.

В процессе игры происходит свободное раскрытие сущностных сил человека, и он утверждает себя в качестве творца эстетической реальности.

Однако искусство не должно полностью превращаться в игру, так как искусство является результатом серьезного труда и кропотливой работы, когда стремление в достижении поставленной творческой цели полностью подчиняет себе творца.

Постижение своеобразия творческого процесса в акварельной живописи сказывается в дальнейшем художественно-творческом становлении студентов, на их дипломных и творческих работах. Результатом освоения изобразительной грамоты является профессиональное становление педагога-художника.

В становлении и развитии личности и ее творческой активности, искусство акварельной живописи обладает большими возможностями в воспитании духовных и нравственных аспектов будущих учителей изобразительного искусства. Стремление к самореализации, саморазвитию, самообразованию в учебной деятельности.

В настоящее время в условиях перехода на Болонскую систему в образовании все сложнее обеспечить высокий уровень развития творческой самореализации студентов в различных видах деятельности, включая живопись, применяя для этой цели только традиционные методы обучения. Самореализация личности понимается нами как, полное выявление личностью своих индивидуальных и профессиональных возможностей в творчестве и педагогике.

Одним из возможных путей решения проблемы является создание творческой среды на занятиях живописью, личностно-ориентированное обучение, основанное на индивидуальном подходе, включающем в себя обеспечение вариативного содержания учебного материала, внедрение индивидуальной формы организации учебной деятельности, предоставление студенту возможности выбора заданий, корректировка тем преподавателем.

Происходящие в обществе социальные, экономические преобразования, объясняют тенденции к поиску новых подходов к психолого-педагогическому обеспечению учебно-воспитательного процесса для высшей школы. Таким образом, целью высшего художественно-педагогического образования, является поиск новых образовательных технологий и переработка основ, поиск нового информативного содержания, сохранение и переработка всего положительного в обучении изобразительному искусству прошлых поколений, способствующих творческому становлению, развитию познавательной активности будущих педагогов изобразительного искусства.

Для достижения высокого качества обучения в акварельной живописи необходим постоянный контроль и требовательность преподавателя к методическим вопросам, личный пример, основанный на показе методической последовательности в работе акварелью, проведение мастер-классов по акварели для студентов. Применение на занятиях педагогических установок, таких как, установка на поиск и создание художественного образа в живописной работе, педагогическая установка на необходимость в завершении каждого акварельного этюда, обсуждение и анализ студенческих этюдов, изображаемых объектов, показ репродукционного ряда мастеров изобразительного искусства, показ видеоматериалов по живописи, уроков в on-line режиме, организация обязательной дополнительной работы по живописи в виде домашних этюдов.

Обеспечение качества высшего образования в современном вузе носит характер перехода на новый уровень образовательных технологий в обучении. Это отражается в выдаче информации, в активном использовании компьютеров, ноутбуков, электронных средств в обучении, в развитии у студентов умения работать дистанционно, поддерживая связь с педагогом через интернет во внеурочное время, развитие умения работать самостоятельно, заниматься самообразованием. Игровой аспект в изучении своеобразия акварельной живописи, дружная творческая атмосфера на занятиях и в коллективе, посещение выставок и музеев, проведение выставок студенческих работ, участие студентов в студентов. Создание творческой среды на занятиях и индивидуальный подход к увлеченность предметом живопись и способствует профессиональному становлению будущих специалистов, формированию их художественных и педагогических способностей.

На базе теоретических знаний о роли художественной педагогики в творческом развитии будущих педагогов-художников познаются закономерности эстетического самосовершенствования личности, формируется мировоззрение будущих специалистов, наиболее полно проявляется их субъективное и личностное отношение к миру. Творческое становление педагога-художника происходит благодаря последовательной и четкой организации эстетического воспитания, развитию в студентах необходимости эстетически правильно оценивать жизнь и эстетически живо чувствовать. Работа акварелью в этом плане, интересна и окружающей действительности, являясь одной из наиболее эмоциональноувлекательных форм изучения изобразительного искусства, в частности искусства живописи. Студенты работают акварелью на занятиях, на пленэрной практике, в процессе создания домашних учебных и дипломных работ, творческих заданий.

На наш взгляд, в формировании художественно-образного мышления наиболее уместен по быстроте исполнения и в передаче образности, акварельный метод a la prima, живопись в один прием без последующих существенных изменений живописного произведения акварелью. Освоение данного метода работы акварелью помогает в дальнейшем изучению других приемов и методов акварельной живописи.

Характерные свойства акварели такие как, способность растекаться по предварительно увлажненному листу, позволяют импровизировать в акварельной живописи методом a la prima. Формирование художественно-образного мышления студентов происходит в процессе импровизации, особенностями которой являются озарение, мгновенное осмысление идеи, выбор пути ее реализации, мгновенный анализ результата.

творческого развития восприятие, изучение явлений и творческая деятельность взаимосвязаны. Усвоение художественных знаний и практических умений, должно происходить неразрывно, параллельно и одновременно связано с получением новых знаний научных и практических, при взаимном дополнении друг друга, обогащаясь новыми техническими и эстетическими возможностями в искусстве, развивая творческие способности студентов.

Проблема развития гармонически развитой личности педагога-художника рассматривается на материалах философско-эстетических концепций формирования мировоззрения специалиста. Процесс формирования мировоззрения мы видим в выработке системы взглядов на объективный мир и место человека в нем, на отношение будущего педагога-художника к окружающему и самому себе. Знание эстетики сказывается на художественнотворческой деятельности педагога-художника, оно способствует сознательному отношению к творчеству, сочетающем в себе дар и навык профессионализма. В педагогическом аспекте эстетика является воспитателем истинного восприятия искусства. Параллельно с системой взглядов происходит формирование основных жизненных позиций, убеждений, идеалов и принципов познания и деятельности в искусстве и живописи. Ценностные ориентиры, полученные в процессе обучения изобразительному искусству, формируют специалиста. Любовь к прекрасному окрыляет человека, одухотворяет его жизнь, наполняет ее глубиной, смыслом и содержанием.

В индивидуально-творческом содействии становлению будущего педагогахудожника, как творческой личности большое значение имеет создание творческой среды, в которой оказывается студент. Творческая среда должна присутствовать во всем процессе обучения студента на учебных занятиях аудиторных и внеаудиторных, в самостоятельной домашней работе и на пленэре. От присутствия или отсутствия организации творческой среды зависит степень работоспособности студента, психологическая совместимость с преподавателем, желание учиться, узнавать и постигать новое. Индивидуально-творческое содействие становлению педагога-художника мы рассматриваем как развитие духовности будущего специалиста, формирования нравственных, интеллектуальных, эстетических взглядов студента его интересов в процессе активной учебной и творческой деятельности. И именно художественнотворческая активность в обучении становится основой развития в постижении изобразительного искусства, в воспитании, образовании личности будущего педагога-художника и оказывает помощь в самообразовании и самосовершенствовании. Приобретение положительной мотивации к процессу обучения связано со стимулированием студентов в изучение и усвоение изобразительной грамоты и с накоплением творческого опыта. Немаловажную роль в индивидуально-творческом содействии становлению педагоговхудожников следует отвести личному примеру в воспитании и обучении. Личный пример педагога, мы рассматриваем как метод воспитания, как передачу накопленного опыта. Для достижения высокого качества образования в акварельной живописи необходим постоянный контроль и требовательность преподавателя к методическим вопросам, личный пример, основанный на показе методических приемов и последовательности в работе акварелью, проведение для студентов мастер-классов по акварельной живописи. Разработке педагогических установок, помогающих в профессиональном развитии, в развитии мышления, таких как, установка в работе на поиск и воплощение художественного образа, педагогическая установка на обязательное завершение каждой работы в тренировке умения добиваться поставленных художественных целей, педагогическая установка на проведение анализа изображаемых объектов, студенческих работ.

Также индивидуально-творческий подход осуществляется в создании творческой среды и единой благоприятной атмосферы на занятиях по акварельной живописи в результате показа репродукционного ряда мастеров изобразительного искусства, показа видеоматериалов по живописи, уроков в on-line режиме, включения музыкальных фрагментов в обучение, организация обязательной дополнительной работы по живописи в виде домашних этюдов.

Обеспечение качества высшего образования в современном вузе носит характер перехода на новый уровень образовательных технологий в обучении. Это отражается в выдаче информации, в активном использовании компьютеров, ноутбуков, электронных средств в обучении, в развитии у студентов умения работать дистанционно, поддерживая связь с педагогом через интернет во внеурочное время, развитие умения работать самостоятельно, заниматься самообразованием. Игровой аспект в изучении своеобразия акварельной живописи, дружная творческая атмосфера на занятиях и в коллективе, посещение выставок и музеев, проведение выставок студенческих работ, участие студентов в конкурсах способствуют формированию творческой активности в работе студентов.

разнообразных свойств и особенностей натуры в живописи передается посредством цвета и цветовых оттенков. Цвет – одно из самых важных средств в создании художественного образа. Изучение цвета развивает образное мышление будущих педагогов-художников, так как цвет является элементом композиции и при его помощи художники решают композиционные задачи цвето-образной передачи в произведении. Не только распределение света и цвета в картине, но и произведения, помогает ярче создать в нем нужное эмоциональное настроение, задуманное автором. Сила воздействия цвета на чувства художника и зрителя, заключающаяся в способности разных цветов по-разному воздействовать на настроение играют в акварельной живописи огромную роль. Поиск цветообраза в акварельной живописи в этюдах, выполненных с натуры, изучение живописных традиций, символики цвета, создание цветовых формальных композиций и иллюстраций к поэтическим текстам положительно влияет на формирование художественно-образного мышления студентов. Мы считаем, что будущие педагоги-художники должны хорошо знать и уметь применять на практике и цветовой круг, и законы оптического суммирования цветов. Знание законов цветоведения и колористики обогащает практическую работу художника и педагога, помогает научно объяснять ученикам законы смешения цветов.

Изучаемые техники и технологические приемы работы с цветом в акварельной живописи, законы смешения цветов и психофизическое воздействие цвета на человека способствуют формированию профессиональных качеств будущих художников-педагогов, развивают духовный и эстетический потенциал личности учителя изобразительного искусства.

Глава 2. Система организации педагогических условий в преподавании акварельной живописи, способствующая становлению 2.1. Историко-педагогический анализ разнообразия эстетических приемов акварельной живописи в творческом опыте мастеров изобразительного искусства состоит в передаче опыта, навыков, образования, просвещения. Познавательная информация, содержащаяся в искусстве, огромна.

Изобразительное искусство существенно пополняет сведения об окружающем мире, перенося человека в мир чувств и эмоций, отраженных при помощи творчества. Сопряжение личного жизненного опыта с опытом других людей, служит средством самопознания личности и познания мира через искусство.

Искусство пробуждает в студентах художников, учит видеть мир через призму художественных образов. Студенты художественных факультетов изучают акварельную живопись в процессе аудиторных занятий и на пленэрной практике.

Мир природы, воспринятый и прочувствованный сквозь художественно обогащенное сознание, возникает как эстетическая ценность. Изучение природы в период прохождения пленэрной практики является наиболее сложным и интересным в обучении студентов акварельной живописи. Исторический анализ эстетики акварельной живописи в творчестве известных художников предстает перед нами в качестве педагогического материала, способного дать необходимую информацию о методах работы акварелью на пленэре, в учебных мастерских, в творческой самостоятельной деятельности.

Историко-педагогический анализ развития акварельной живописи на изобразительного искусства, оставили огромное наследие пленэрной живописи, в котором акварель занимает ведущее место в передаче первого, наиболее яркого впечатления от натуры.

Акварель функциональна, очень удобна в использовании. «Акварель – жанр приятный и удобный: приятный тем, что доставляет немного хлопот, не пачкает и все необходимое помещается в ящике размером шесть на четыре дюйма, что удобно в путешествии. Добавьте к этому ящику альбом со стопкой листов, и вы спокойно можете исследовать леса и горы» [114, с.125].

Искусство акварели известно с давних времен. В Китае расцвет водяной техники, идентичной акварели, приходится на VIII век, время правление династии Тан. Поиск художественного образа велся средствами художественной стилизации, композиционной целостности и глубокой сосредоточенности на объекте изображения, китайские художники в основу своей живописи, положили стремление к передаче совершенства природы. Главное в китайском искусстве – это образность, мифологизация природы, умение останавливать мгновение, любоваться простыми вещами и видеть большее через малое и наоборот. Так, рассматривая ветку дерева, художник рассуждает и о вселенной, и о природе, и о своих личных чувствах и переживаниях. Китайские акварели символичны, за каждым изображением стоит определенный смысл. Хризантемы говорят нам об осени, цветущая ветка сакуры о приходе весны, бамбук символизирует зиму, а орхидеи лето. Китайская акварель неразрывно связана с живописью тушью и каллиграфией. Изображения животных, птиц пейзажей, людей, художники дополняют литературными текстами, иероглифическими писаниями, в которых заключалось образное истолкование произведения, стихотворная форма, помогающая восприятию акварели. Жанр пейзажа, как способ познания природы, характерен для мировоззрения этой страны. Китайское искусство созерцательно, только долгое наблюдение может так отточить изображение, отбросив все лишнее. Китайский художник с мастерством передает самую суть изображаемого, его художественный образ. Пейзаж в китайском искусстве называется «шаньшуй» и обозначает «горы-воды», соответственно название отражает наиболее часто распространенный сюжет в пейзаже. Китайские живописцы писали свои произведения на шелке и на мягкой рисовой бумаге, появившейся в Европе значительно позже.

Замечательные акварели создавал крупнейший художник эпохи Возрождения Альбрехт Дюрер в конце XIV века. Это были пейзажи, в которых он предвосхитил достижения акварелистов, живших несколькими столетиями позже.

Акварели А. Дюрера поражают прозрачностью, свежестью, чистотой красок.

Становясь популярной техникой, акварель достигает своей популярности в изображении этюдов растений, животных, в развитии искусства пейзажа, в быстрых путевых зарисовках. В Италии, как и в других странах, акварель осуществляет свой путь от графической техники бистра, разведенного водой до введения цвета, разнообразных цветовых оттенков в создании разных красочных пигментов. Имена художников, таких как Тапиро-и-Баро, М. Фортуни, Ф. Гварди, составляют гордость развития акварели в Италии. Ф. Гварди тонко передавал атмосферу и очарование образа Венеции, он писал ее дворцы, арки, мосты и каналы. Художник М. Фортуни с необыкновенной легкостью в акварели выполнял пейзажи, уделяя большое внимание рефлексам в живописи и колористическому строю произведения. В его акварелях раскрывается мозаичный метод письма. Художник много путешествовал и, оказавшись в Марокко, был поражен красотой национального колорита. Он создает многочисленные этюды марокканской экзотики на пленэре с натуры, эти этюды дошли до наших дней.

Тапиро-и-Баро также свободно владел мозаичной манерой акварельной живописи, его небольшие работы поражают игрой радужных цветов, светотеневыми и цветовыми контрастами.

Начало развития голландской акварели приходится на XVII век. Самый известный художник, работающий в разных живописных техниках (акварель, бистр, тушь, масляная живопись) Рембрандт Харменс ван Рейн. В его пленэрных пейзажах прослеживается драматическая сторона в художественно-образном решении природы, световые контрасты, бурное небо, его пейзажи образны и передают высокое эмоциональное напряжение. Любимая техника Рембрандта – перо и тушь, также он умело работал и в акварельной манере, соединяя два цвета, коричневый теплый тон бистра и холодноватый тон туши.

В Англии XVIII в веке возникает пейзажный парк и английские художники стали изображать его в своих акварелях. Т. Гейнсборо создавал топографические пейзажи и виды городов, его пейзажи пользовались огромной популярностью. В английском пейзаже преобладала классическая живопись. Акварели Т. Гертина отличались индивидуальностью и художественной смелостью для того времени, он одним из первых художников-аквалеристов стал применять в работе тонированную бумагу, для достижения нужного колористического решения в живописи. Например, акварель «Долина Эйре» написана на серой тонированной бумаге, что отвечает общему настроению английского пейзажа, придавая ему особое цветовое благородство.

Расцвет акварели в странах Европы приходится на XVIII век. Акварель своей красотой привлекла особое внимание живописцев-романтиков. Многие из них предпочли акварельную живопись масляной. Так произошло в Англии на рубеже XVIII и XIX веков. Самым знаменитым мастером акварели в Англии был У.

Тернер, открывший огромные возможности этой техники в создании романтических образов природы. Фантастические состояния природы живут в акварелях У. Тернера, дышат, полны движения и красоты.

Акварели Уильяма Тернера, являются образцом эстетики акварельной живописи, они стали новаторскими и для английской школы акварели. Художник переосмыслил роль цвета и цветовой среды в живописи. Его работы поражают динамикой, неповторимостью цветовых нюансов. У. Тернер писал с натуры и в студии, много путешествовал, использовал варианты быстрого и многослойного акварельного письма. Общепризнанными вершинами его акварельного творчества являются «Ярмутский рейд» 1842 г. и «Венеция. Большой канал. Салют» 1840 г.

«Акварели Тернера отразились на становлении живописи импрессионистов и в 1871 г. К. Моне и К. Писсаро, побывавшие в Лондоне, были изумлены феерическими красками Тернера» [145, с.33] Французскую акварель XIX века с характерным для нее взлетом пленэрной живописи представляет Э. Делакруа. Художник много путешествовал и всегда брал с собой в путь акварель, выполняя огромное количество этюдов с натуры и по памяти. Так появились альбомы акварельных этюдов и зарисовок по Тунису и Алжиру. Э. Делакруа старался точно передать колорит и характер изображаемого, вводил в акварельную живопись графические штриховые мазки тонкой кистью яркими и насыщенными цветами, соединяя акварельный этюд и быструю зарисовку цветом. Н.Я. Маслов пишет: «Заметки Э. Делакруа о живописи явились важным событием в становлении методики и теории развития пленэрной реалистичной живописи» [137, с.12].

Высота пленэрной живописи раскрылась в творчестве французских художников импрессионистов. Импрессионисты К. Моне, Э. Мане, А. Сислей, К.

Писсаро, О. Ренуар и другие сосредоточили свое художественное видение на мимолетном и быстро меняющемся впечатлении от предметов, погруженных в воздух. Поиски импрессионистов в живописных приемах особенно близки эстетики акварели. Особенно много внимания в своем творчестве уделили акварели П. Сезанн и П. Синьяк. Они полагали, что очарование акварели определяется ее свежестью и поэтому она должна быть создана за один сеанс сразу и без дальнейших изменений. Художник П. Сезанн старается передать конструкцию предметов в акварели, переводя их в геометрические тела, таким образом, решая проблемы передачи движения в живописи и пространственные проблемы. Им написана великолепная серия портретов и автопортретов, цветочных натюрмортов, пейзажей Прованса с изображением вида, открывающегося из окон его студии. П. Синьяк развивал в своем творчестве принципиально новую живописную систему – пуантилизм или живопись «точками», основанную на технике импрессионизма, придерживаясь оптических законов в смешении цветов. Живопись при помощи раздельных маленьких мазочков или точек кистью, чистым цветом краски, которые изменяются, сливаясь на расстоянии. Он создал звучные и красивые пейзажи с изображением моря и кораблей, великолепную серию натюрмортов с цветами.

Появление акварели в России произошло в конце XVIII века. Акварель в течение XIX века обретала и развивалась в своей собственной специфике, ставясь одной из самых красивых и любимых для многих художников техникой живописи.

складывались его основные жанры: пейзаж, портрет, историческая композиция. В композиционном решении листа чувствуется огромное влияние живописи, заключающееся в стремлении максимально приблизить графическое произведение к живописной картине, это прослеживается во всех трактовках жанров искусства. Так С.Ф. Щедрин, по подобию работы над произведением масляной живописи с характерными планами, выстраивает свой декоративный пейзаж и в акварели. Он активно вводит в акварель гуашь и белила, добиваясь, таким образом, ощущения плотности корпусной живописи. Напротив создатель лирического настроения в городском пейзаже Ф.Я. Алексеев, иначе понимает эстетические свойства акварели. Прозрачность в его акварельных работах происходит от архитектурных рисунков, широко распространенных в то время.

Тонкая подсветка архитектуры акварелью делает живопись эстетически привлекательной. Цвет играл в ней роль тоновой подсветки, поверх которой художник наносил изящный рисунок пером. Ученик Ф.Я. Алексеева М.Н.

Воробьев создал школу «видописцев». В своих акварелях он добивался реалистической достоверности в передаче пространства пейзажа. Во второй половине XVIII века яркой фигурой в акварельном искусстве был И.А. Ерменев, создавший серию акварельных произведений с изображениями простых людей, нищих и крестьян. Его работы отличаются образной выразительностью персонажей, острой наблюдательностью, простотой и отражают демократическое начало в русской живописи.

В России взлет акварельной живописи связан с именем К.П. Брюллова.

Художник применял разнообразную технику, писал лессировками и в один слой, клал краску в два-три слоя по сухой поверхности бумаги, тонкой кистью многократно прописывал детали. К.П. Брюллова называют классическим художником русской акварели. Его акварели отличаются художественной образностью и тончайшим живописным мастерством. В них гармонично сочетается умение прекрасного рисовальщика и тонкость чувств и цветовых нюансов живописца. Написанные с натуры на открытом пространстве пленэра пейзажи К.П. Брюллова, за время творческих путешествий по Италии, говорят о высоком уровне владения акварелью. Художник придавал большое значение подготовительному рисунку под акварель, определяя в нем весь ход выполнения акварели. Еще в рисунке он старался передать глубину решаемого пространства, часто прокрывал штрихом тени, потом прокладывал красочный слой прозрачный цветом. Для усиления цвета и достижения передачи материальности формы или воздушности пространства художник иногда использовал белила.

Анализируя эстетические приемы акварели в первой половине XIX века, мы также наблюдаем расцвет искусства акварельного портрета. В живописи портрета акварелью К.П. Брюллов достиг определенной художественной высоты.

Он писал большие парадные акварельные портреты и маленькие камерные портреты. В портретах художник пользовался приемом многослойной прозрачной живописи лессировками. Вел работу поверх основного моделирующего живописного тона, создавая единый колорит в акварельном произведении.

Акварель К.П. Брюллова отличается тонкостью исполнения, жизненностью и гармонией колористического построения живописного произведения. Расцвет русской портретной акварельной живописи в основном связан с именами К.П.

Брюллова и П.Ф. Соколова. Художника П.Ф. Соколова, посвятившего акварельному портрету, все свое творчество можно называть одним из основателей жанра. В акварелях маленького размера, почти в миниатюре П.Ф.

Соколова варьируются разные приемы акварельной живописи, включающие тщательную проработку лица и рук мелкими штрихами-точками кисти и более широкое свободное письмо акварельными цветовыми заливками фона на дальнем плане. Самые лучшие его портреты были написаны в 20-30-е г.г., художник писал чистой акварелью без добавления примеси гуашевых белил, создавая в акварельных портретах ощущение чистоты, прозрачности и интенсивности цвета.

Русская акварельная школа может гордиться и именем художника А.А.

Иванова. Он был воспитан на преклонении перед значительностью сюжетной исторической картины, поэтому А.А. Иванов в своем творчестве избегал жанровых сюжетов. Но те немногие акварели, сохранившиеся в музеях и частных коллекциях, он создал в Италии, они показывают зрителю ценные грани таланта мастера. В его жанровом акварельном этюде «Жених, выбирающий серьги для невесты», создается ощущение благородства простого человека, отраженное при помощи акварели. В композиционном решении акварельного листа мы ощущаем руку большого мастера картины. А по звучности цвета и чистоте его произведения являются настоящими шедеврами русской акварели.

В области эстетических приемов акварельной живописи А.А. Иванов превзошел своих современников, он ушел далеко вперед от них в постановке живописных задач. Это чувствуется особенно в его пейзажах, когда художник старается передать все цветовое и световое многообразие пленэрной живописи акварелью. Например, этюд «Итальянский пейзаж», акварель написана совершенно свободно, а lа prima, быстро, в один живописный прием. Художник пишет сразу акварелью открытым чистым цветом, работает без предварительного рисунка карандашом. Он передает необыкновенную красоту световоздушной среды природы, создает пейзаж-настроение, в котором исчезающие мягкие границы цветовых пятен, акварельные разводы мягко переходящие один в другой.

В своих акварелях, решая задачи пленэрной живописи, художник обгонял свою эпоху. «Даже импрессионисты, появившиеся через три десятка лет после Иванова, далеко не всегда решали задачи пленэра так же блестяще, как в своих этюдах это делает Иванов. Этюды Иванова по своему реализму в передаче пространства, воздуха, цвета и света, как в акварельной, так и в масляной живописи своей техникой далеко опережают подобные работы всех западноевропейских и русских современников» [145, с.76].

Всю свою жизнь А.А. Иванов думал об искусстве, облагораживающем человека, о высоких и философских его аспектах. Его художественные поиски закончились созданием знаменитого «библейского цикла». Акварельные листы, по замыслу автора, были задуманы как варианты подготовительных эскизов для монументальной росписи общественного здания. Перед глазами зрителей должна была проходить вся история человечества. Росписи не были осуществлены, но для поколений осталась великолепная серия акварелей «библейского цикла».

Этюды написаны акварелью с применением гуаши и белил. А.А. Иванов часто рисует на цветной (серой или коричневатой) бумаге. Отказываясь от прокладочного тона в живописи, использует тонированную бумагу, причем тонирует ее самостоятельно. В цветовом отношении эскизы росписей различны, они решены то на интенсивных и ярких цветах, то на приглушенных полутонах, в эстетической необходимости от их эмоционального и художественно-образного решения. Подвижная линия контура, живая линия свободного перьевого рисунка, нанесенного поверх акварели, отражают силу мысли и чувств, малейшую душевную трепетность движений художника. Цвет и линия, главные художественные средства, становятся у А.А. Иванова носителями огромной энергии, живописной экспрессии. Он прекрасно работал над этюдами на пленэре, учился живописи у самой природы – это было определенным художественным новаторством, так как, следуя академическим традициям, художники писали свои произведения и подготовительные этюды к ним исключительно в студиях. П.П.

Чистяков считал, что: «Иванов поставил человека на солнце и начал изучать все разнообразие природного освещения. Иванов отошел от условного освещения, что было обязательным для художников Возрождения. Они избегали солнечного света» [54, с.56].

Успешно работал в акварели П.А. Федотов один из крупнейших представителей критического реализма 40-х годов XIX века. В его акварели органично соединяются два начала: живописное и графическое. Знакомство с произведениями П.А. Федотова повлияло на художественное становление П.М.

Шмелькова – одного из талантливейших художников-сатириков, незаслуженно сейчас забытого. Писал П.М. Шмельков в основном в технике акварельной живописи. Его художественные образы носили гротескно-сатирический характер.

Художник писал акварелью по качественно исполненному подготовительному рисунку. Часто П.М. Шмельков уже по выполненной акварели уточнял и моделировал форму, где необходимо, прорабатывал нужные места при помощи итальянского карандаша, использовал смешанную технику.

В решении больших социальных проблем, следующее поколение художников забывает про акварель, считая ее не значительной в решении художественных задач. Художники посвящают свое творчество масляной живописи, которая обретает ведущее направление во второй половине XIX века.

Акварель совсем исчезает и не используется художниками, и лишь в творчестве В. И. Сурикова происходит новый взлет этой красивейшей и труднейшей техники живописи.

В акварелях В.И. Сурикова мы встречаемся с портретом, жанром, но чаще всего с пейзажем, выполненным с натуры. Русские художники совершенствовали свое искусство в Италии. Акварели итальянского периода его творчества, построены на тонких переходах и переливах серых, голубоватых, зеленоватых, сиреневых тонов. Художник, мастерски передавая окутанную влажным воздухом архитектуру и природу Италии, опирается в работе на взаимодействие цвета и света. В его поздних акварелях начала 1900-х годов присутствует несмешанный, чистый цвет акварели, который интенсивно звучит в полную свою силу на акварельных этюдах. Используя метод а 1а рrima, В.И. Суриков добивается великолепной свежести и передает чувственную эмоциональность в акварельной живописи, тех эстетических качеств живописи, которые получат широкое развитие в акварельной живописи уже в ХХ веке.

Необычайный по своей эмоциональности и образности, взлет акварельного мастерства, связан с творчеством М.А. Врубеля. Это самый лучший художникакварелист своей художественной эпохи. Он был учеником П.П. Чистякова. Как художник М.А. Врубель вкладывает свою душу в акварель. Понимая и отражая в своих произведениях прозрачность и светоносность живописи, тонкость цветовых нюансов, богатство рефлексов, он трактует специфику эстетических приемов в акварельной живописи. М.А. Врубель в своих акварелях всегда ясно ощущает структуру формы и ее пластическую характеристику, построенные на мозаике цветовых граней и переходов. Как в черных, так и в многоцветных этюдах М.А.

Врубель с виртуозной техникой акварельной живописи, отражает цветовую и тональную строну натуры. Акварели М.А. Врубеля поражают глубоким анализом формы, россыпями бликов, движением, обилием тончайших тоновых и цветовых переходов, особой филигранной техникой образной живописи.

Огромный вклад в историю развития русской акварельной живописи внесли художники творческого объединения «Мир искусства». Это А.П.

Остроумова-Лебедева, А.Н. Бенуа, З.Е. Серебрякова, Л.С. Бакст, М.В.

Добужинский, Е.Е. Лансере, К.А. Сомов, В.Э. Борисов-Мусатов, Б.М. Кустодиев.

Художники группы «Мир искусства» с разными творческими судьбами, с самыми противоположными устремлениями в искусстве, составляли это творческое объединение, связанное временем воедино. В их произведениях мы видим, с одной стороны – художники обращаются к искусству прошлых лет, отказываются от социальной тематики в живописи и графике, а с другой – в произведениях присутствует активное желание работать во всех областях, наполнить быт искусством. Очень разные творческие индивидуальности художников объединяли высокий профессиональный уровень в искусстве, мастерство, глубина знаний и художественная эрудиция, основанные на общем стремлении к поискам современного художественного языка.

Для творчества художников группы «Мир искусства» характерно соединение графики и живописи. Таким образом, в их произведениях возникает уникальная графическая живопись на бумаге или в картине, созданной в смешанной технике.

Причем смешение техник (угля или пастели с акварелью, туши с акварелью, акварели с гуашью или темперой) усложняет задачу искусствоведов по четкому разграничению графики и живописи этого времени.

Для акварельной живописи ХХ века характерной становится большая свобода технических и эстетических приемов выполнения произведения искусства. Художники пишут чистым цветом, смело выполняя рисунок кистью по бумаге, без предварительной карандашной подготовки или наоборот обращаются к строгой классической школе или смешивают воедино и придумывают свои, новые эстетические приемы работы в акварельной живописи.

А.Н. Бенуа – художник большого вкуса, являлся основателем и духовным лидером группы «Мир искусства». Его акварельные пейзажи выполнены в благородном и сдержанном по цвету колорите. А.Н. Бенуа работает над серией пейзажей в акварели горячо любимого Петродворца, населяя его фигурами из прошлых веков. Ведущим лейтмотивом в творческом наследии А.Н. Бенуа и Е.Е.

Лансере проходит тема их любимого города, Петербурга, его парков, окрестностей. Художники сумели передать характерную атмосферу города петровской эпохи, с тончайшим ощущением времени. Акварельные листы художников, посвященные Версалю, проникнуты торжественностью и классическим спокойствием XVIII века. Для большинства художников объединения «Мир искусства» было свойственно мастерство в умении вызывать к жизни искусство прошлых столетий. Именно поэтому, многие из художников любили театр, работали в нем, создавали декорации к спектаклям, эскизы костюмов.

В своем первозданном виде акварель остается в основе творчества двух художников А.П. Остроумовой-Лебедевой и К.А. Сомова. А.П. ОстроумоваЛебедева – признанный художник городского пейзажа. Ее акварели благородны по цвету и сдержанны по колориту. В классической строгости форм и четкости композиционного строя решения пейзажей, мы ощущаем руку мастера акварели.

Художница много путешествовала и всегда с нею была любимая акварель.

Основной темой ее творчества был городской пейзаж, парки, аллеи, каналы. В своих акварелях ей хорошо удавалось передавать многообразие каждого города, его атмосферу и колорит. Акварельные этюды К.А. Сомова относятся к произведениям маленького размера, с тонким и лирическим ощущением состояний природы, театральными персонажами и общей театрализацией жизни, игрой в образы. Мы встречаем в его творчестве акварельные портреты, пейзажи, наполненные духом театра и игры сюжеты итальянской комедии дель-арте. Тему городского пейзажа совсем по-иному раскрывает М.В. Добужинский. Художника привлекает современный напряженный город, в несколько трагическом аспекте.

Город М.В. Добужинского безрадостного серого цвета предстает перед зрителем скоплением тесных доходных домов, каменных колодцев, которые наступают, окружают и подавляют маленького человека, героя его произведений.

Мастер пастели и акварели В.Э. Борисов-Мусатов работал над большими художественно-образными композициями, наполненными музыкальными ритмами. Его работы, написанные в блеклых тонах в стиле старинных гобеленов, погружают зрителя в мир хрупких женских образов, окутанных серой дымкой.

Среди лучших мастеров советской школы акварельной живописи можно назвать такие имена: из старшего поколения Н.Н. Купреянова, С.В. Герасимова, А.В. Фонвизина, Л.А. Бруни, а из художников советского времени Ю.П.

Пименова и А.А. Дейнеку. Для современных эстетических приемов акварели характерно свободное широкое письмо заливками, живописными переходами от больших цветовых пятен к мазкам. Хотя у каждого профессионального художника-акварелиста вырабатываются свои собственные эстетические приемы и методы работы в этой сложной и красивой технике живописи.

Акварели Л.А. Бруни, написаны без карандашной подготовки, широко, размашистым мазком, закрывая картинную плоскость. Художник любуется простыми вещами и сюжетами. Благодаря свежести цвета и его чистоте они сохранили непосредственность впечатления в натурных этюдах. Акварели А.А.

Дейнеки продуманы по цветовому решению и композиции. По силе и эмоционально-образного решения, композиционного построения не уступают живописным картинам художника. Создавая в акварели подобие картинности, А.А. Дейнека сохраняет и использует специфические эстетически характерные возможности акварели с ее силой и чистой свежестью тона. В его акварелях звучат любимые им контрастные сочетания интенсивного цвета, который он активно использует в живописи. Большую серию акварелей А.А. Дейнека привез из поездки во Францию и Италию в 1937 году. Особенно дорог ему мотив городского пейзажа, в нем художник любуется жизнью современного человека.

Жанровые сценки из жизни – это акварели Ю.П. Пименова, в которых происходит соединение бытовых сценок с пейзажем или с натюрмортом. Ю.П.

Пименов также много и плодотворно работал на пленэре акварелью. Его композиции написаны кистью легко и свободно. В них присутствует звучание умеренного и спокойного цвета, отсутствуют яркость в контрастах, основная роль отводится белому фону бумаги, часто незаполненной, звучащей белизной.

Непревзойденным мастером акварельной живописи заслуженно считается А.В. Фонвизин. Его работы отличаются тонкой и нежной цветовой гаммой.

Кистью А.В. Фонвизин владел с артистичностью. На поверхности бумаги сочно, смело, легко расцветали необыкновенные цветочные натюрморты, цирковые композиции, портреты-образы. А.В. Фонвизин, начал работать акварелью в лет, он создал очень красивые с эстетической точки зрения, поэтичные серии живописных акварелей: «Цветочные натюрморты», «Женские портреты», «Цирк», «Портреты детей», серии пейзажей. Его акварели очень музыкальные, живые, одухотворенные и непосредственные по красоте, художественной индивидуальности и мастерству.

изобразительного искусства, чье творчество сформировалось к началу 1930 г., уже тогда увенчалось рядом первоклассных произведений, отражающий пафос эпохи социализма. Советская и зарубежная критика говорила о художнике как о смелом новаторе. Глубокое чувство современности органично увязывалось в его творческом мировосприятии с вдумчивым освоением традиций прошлого.

Монументальность часто сопутствует внешне статичному образу.

Проявляется она в самых различных видах, благодаря атрибуту труда, непосредственно в акварелях «Метростроевка со сверлом», «Работница с напильником». Жизнеутверждающий подъем, бодрящая гармоническая слаженность, звучные композиционные и цветовые ритмы образов А.Н.

Самохвалова делают их очень музыкальными. Причем в особом, специфическом плане. «Музыкальность – свойство редкое в изобразительном искусстве. Она была доступна лишь немногим из современных А.Н. Самохвалову художникам. К.С.

Петров-Водкин, П.В. Кузнецов, Н.М. Чернышев. Но если у Петрова-Водкина «музыка» симфоническая, у Кузнецова – инструментально – камерная, у Чернышева – песенная, то вслушиваясь в звучание самохваловских образов, хочется сравнить их с молодой советской песней» [74, с.30].

Глубокое изучение истории развития акварельной живописи, разнообразных творческих методов и технических приемов работы акварелью положительно влияет на формирование художественно-образного мышления студентов, дает опыт, необходимый для дальнейшего творчества педагога и художника.

2.2. Пленэр в системе профессиональной подготовки студентов художественных факультетов педагогических вузов Процесс художественного образования и эстетического воспитания студентов невозможен без развития художественно-творческих способностей.

Рассмотрим роль пленэра в формировании художественно-творческих способностей и образного мышления будущих педагогов-художников на занятиях акварельной живописью в условиях пленэрной практики.

Живопись на пленэре появилась в середине XIX века, повлияв на развитие всего изобразительного искусства. Но уже с XVII века художники чувствовали и пытались передать в своих полотнах среду воздушной атмосферы. Живопись на открытом воздухе, передающая непосредственный контакт с этой средой, называется пленэрной. Пейзаж был излюбленным жанром импрессионистов.

Художники К. Моне, К. Писсаро, А. Сислей, О. Ренуар стремились как можно больше писать с натуры, но и работая в студии создавали произведения наполненные солнечным светом и воздухом. Художники-импрессионисты непосредственной работе с натуры. В их творчестве появился новый тип картиныэтюда, заключающийся в выполнении картины с начала и до конца под открытым небом. Этюды с натуры писали многие художники и до них, но все они, включая художников барбизонской школы, в дальнейшем выполняли по этюдам картины в мастерской. Принцип работы в два этапа заключался в следующем: этюд для художника, затем картина для публики. Считалось, природа несовершенна и художник должен довести ее до совершенства, прежде чем представить свою работу зрителю. Творческий процесс виделся как отточенный до мельчайших деталей и согласованный с законами красоты и гармонии художественный образ.

Импрессионизм во французской живописи, раскрывшийся в 70-е годы XIX столетия, преподнес художественную ценность восприятия окружающего мира, эстетическое направление в пейзажной живописи. Пейзаж становится самостоятельным жанром живописного искусства, способным отразить философские, эстетические концепции, эмоциональные взгляды и чувства художника. С появлением пейзажной живописи в картине изменилось и освещение, становясь уникальным и влияя на колорит произведения. До появления живописи на пленэре роль освещения в картине была условной.

Импрессионисты начали писать струящийся, мерцающий солнечный свет, внося новые представления о характере живописного произведения, о колорите в живописи. Также их интересуют эффекты дымки, тумана, сырой погоды, всех состояний природы, при которых воздух насыщается влагой, а мокрые поверхности предметов отражают близлежащие цвета. Это дает возможность передавать ощущение пленэра, воздуха, наполняющего пространство картинной плоскости.

В настоящее время педагог-художник, работающий на пленэре, использует в своем творчестве огромный пленэрный опыт изобразительного искусства, применяя широкий научный, теоретический, практический, методический материал, связанный с художественной деятельностью.

Пленэр, как вид учебно-исследовательской практики, развивает представления будущего педагога-художника о красоте природы, воспитывает любовь, развивает эстетическое восприятие окружающего мира. Глубокое изучение акварельной живописи на пленэрной практике значительно повышает творческий опыт художника. Творческой работе на пленэре сопутствуют композиционные поиски, выполнение множества натурных этюдов, набросков, зарисовок.

Живописные задачи на пленэре состоят в изучении студентами природы, световоздушной среды, также определяются поиском подходящего материала для будущих творческих и дипломных композиций. Подмеченный художником, тронувший душу сюжет часто в будущем рождается в большой картине, перерастает в серию живописных и графических работ, дипломную работу.

Важно использование в последующей работе над картиной верно взятых неповторимых состояний природы, освещения мотива, деталей пейзажа, композиционных находок и многого другого, что тронуло душу художника.

Многие современные художники предпочитают пленэрную живопись работе в мастерской. Работа на пленэре сложна и многообразна. Пленэр характеризуется свежестью и быстротой исполнения этюда, передачей живых, быстрых впечатлений от натуры. Пленэр является частью творчества любого художника, и начинающего и профессионального. Значение пленэра очень важно в формировании будущего педагога-художника.

Способы работы на пленэре связаны с графическим и живописным отображением окружающего мира. Рисование включает в себя набросок, зарисовку, длительный рисунок. В свою очередь живописные этюды делятся на живописный набросок, краткосрочный этюд и длительный этюд.

Длительный рисунок подразумевает анализирование изображаемого сюжета.

Работу по выполнению длительного рисунка можно вести поэтапно:

4. Работа над объемом формы, передача светотени. Детализация.

5. Завершение работы. Обобщение и выделение главного.

На пленэре работа над длительным рисунком ведется примерно два часа и более, в зависимости от формата работы и степени проработки деталей.

Зарисовка представляет собой краткосрочный рисунок, в котором надо передать главные и характерные черты мотива. Время выполнения зарисовки от 15 минут до 1 часа.

Набросок представляет собой быстрый рисунок графическими материалами.

Время выполнения наброска от 1 до 10 минут. В наброске художник старается запечатлеть самые яркие детали и характер изображаемого.

При выполнении длительного живописного этюда с натуры, важно изобразить природный мотив во всем многообразии цветовых нюансов и колористических оттенков. Решить поставленные композиционные задачи, передать состояние природы, пространственных построений и форм, необходимой детализации. Работа над длительным живописным этюдом ведется последовательно:

пропорциональных соотношений в этюде. Выполнение подготовительного рисунка для живописи.

Ведение работы от общего к частному.

3. Пространственное построение, работа над объемом и формой.

4. Проработка деталей в общем цветовом решении.

Время работы над длительным живописным этюдом может варьироваться от 2-х часов.

Для передачи быстро меняющихся состояний природы, чтобы сохранить возникающие от мотива чувства и впечатления, пишутся краткосрочные этюды.

В краткосрочном живописном этюде решаются основные живописные задачи по определению колорита, тональных и цветовых отношений, передачи первого впечатления от состояния природы. Детальная проработка формы не требуется.

Выбор формата для краткосрочного этюда очень важен, так как, большой формат будет неудобным в передаче быстро меняющихся состояний природы.

Время исполнения краткосрочного живописного этюда варьируется от 20 минут до 1часа 30 минут.

Живописные наброски и быстрые, краткосрочные этюды очень похожи.

Разница состоит в степени обобщений, скорости исполнения этюда. Время выполнения живописного наброска приблизительно от 5 до 15 минут.

Для полноценного освоения студентами всего объема заданий мы рекомендуем вести работу по следующим темам пленэрной практики.

Изображение растительного мира.

Живопись и рисование на пленэре следует начинать с изображения растительного мира. Глубокое изучение конструкции и формы растений, цветов, кустарников, деревьев и других элементов флоры помогает в дальнейшем качественной работе над созданием художественного образа в пейзаже. Полезно начинать работу на пленэре с набросков, зарисовок, этюдов растений.

Сначала на листе находят композиционное изображение растения, общие пропорциональные отношения, намечается конструкция, ищут пластическое решение формы, ее выразительность. Далее находят расположение растения в пространстве. Затем прорабатываются детали формы.

Для зарисовок растений используют следующие живописные и графические материалы: карандаш, перо, тушь, кисть, фломастер, пастель, акварель. Бумагу для работы можно использовать белую и тонированную.

Для живописи с натуры лучше всего подходят и интересны в написании акварелью цветочные композиции, они эстетически красивы и привлекательны для художника, имеют яркую образную выразительность и индивидуальность.

Начинать работу над живописным этюдом, мы рекомендуем с несложных растений. Например, с живописного этюда отдельного цветка. В следующем этюде можно усложнить задание и написать группу цветов, затем несложный натюрморт с полевыми цветами или кусочек поля с разными растениями.

Наиболее благоприятный материал для живописных этюдов растений – это акварель. Рекомендуется использование различной техники исполнения акварельного этюда – мозаичное письмо, заливка, лессировка, a la prima и др.

Помимо акварели для изображения растений можно применять и другие художественные материалы акрил, гуашь, смешанную технику, темперу, масло.

Для каждого живописного и графического материала нужно заранее подготовить подходящую основу (бумагу белую и тонированную, картон, холст).

Работа над пейзажем.

многоплановость, разнообразие форм, величин, цветов, постоянная смена освещения. Возникает сложность в передаче атмосферных явлений. Основным в работе над пейзажем является выбор изобразительного мотива, выбор композиции пейзажа. Сюжеты простые по своей сути находятся вокруг нас, их надо только увидеть и они могут принести вдохновение композиционным поискам в написании прекрасного этюда. Примером этому служит пейзажное творчество русских художников А.К. Саврасова, И.И. Левитана, В.Д. Поленова, И.И. Шишкина, А.И. Куинджи, М.В. Нестерова, К.А. Коровина, К.Ф. Юона и других замечательных художников, оставивших свой след в пейзажной живописи.

Главное для начинающего художника разобраться в своих впечатлениях от пейзажа, найти в нем самое интересное, главное, выбрать нужные детали и подчинить их целому.

Для лучшего поиска композиции можно применять специальные рамки, выполненные из бумаги или, ладони рук и пальцы, сложенные в форме рамки.

Обозрение натуры через выбранный формат, облегчает работу по выбору композиции пейзажа. При выполнении композиции студентам нужно обращать внимание на пропорции в пейзаже. В работе над пейзажем следует применять знания линейной и воздушной перспективы, для поиска композиции пространства в акварели, добиваться выразительного решения отдельных моментов в пейзаже в соответствии с художественным замыслом.

Поиск композиции этюда пейзажа нужно начинать с работы над большими отношениями: небо – земля. Освещение в природе выражено небом, которое в свою очередь дает рефлекс на землю. Состояние природы, разные времена года, части суток, солнечный или лунный свет, ветер – все это оказывает огромное влияние на образ природы. Природные явления, влияя на общее состояние пейзажа, вызывают у нас ответные чувства – радость, печаль, тревогу, страх и др.

Пейзаж способен пробудить у зрителя горячее чувство любви к родной стороне.

Он играет большую роль в формировании патриотизма и помогает в нравственном и эстетическом воспитании будущего педагога-художника. Для определения колористического состояния мотива, определения общего тонального состояния этюда, подходит метод художника Н.П. Крымова. В определении тонального отношения в живописи он применял зажженную спичку, приравнивая пламя к белому цвету освещенной стены. Природу нельзя просто копировать, срисовывать. Работа над пейзажем требует от художника взволнованного, поэтического отношения к действительности.

На пленэре целесообразно использовать небольшие форматы бумаги склейки, для акварели, холсты, картон для работ, выполненных масляными красками. Наиболее удобен формат 20 на 30 см. и 30 на 40 см. Основные задачи

таких этюдов – определение больших масс, неба, земли и дальнего плана, поиск колористического состояния в этюде. По мере приобретения живописного опыта время работы над этюдом можно увеличить, изменив объем задач и формат картины. Лучшими живописными материалами для пленэрной живописи пейзажа являются акварель, масло, темпера, акрил.

Изображение городского пейзажа.

Изображение городского пейзажа требует от студентов глубокой и всесторонней подготовки. Работа над этюдами городского пейзажа требует от студентов умения изображать дома, транспорт, улицы в соответствии с законами перспективы; умения в передаче многообразия света и цветовой палитры города, масштабности предметов. В работе над городским пейзажем важно увидеть характерное и привести изображение к цельности и единству. Задачи учебноисследовательской практики в городе и рекомендации по их решению те же, что и при выполнении пейзажных этюдов в деревне, сельской местности. Специфика городского пейзажа требует обратить особое внимание к композиционным вопросам построения изображения. Это относится к композиции рисунка и этюда.

Изображение предполагает композиционный поиск, который нужно вести в двух направлениях. Первое – это поиск целостной и законченной композиции, художественно-образное решение городского пейзажа. На втором направлении работа над фрагментами пейзажа его деталей для изучения формы и использования ее в дальнейшей творческой композиции. Художественнообразное решение в работе получается при помощи новизны, яркости восприятия, эстетического преобразования окружающего мира и применением в работе практических навыков, теоретических знаний в построении изображения.

Для решения композиционного замысла в городском пейзаже (современный пейзаж), в котором часто преобладают похожие невыразительные элементы, студентам следует найти композиционный центр в пейзаже, необходимый ритм, симметрию и асимметрию, опираться в работе на закон контрастов.

При работе над городским пейзажем важно обращать внимание и подмечать, как интересно сочетаются формы и объемы, цвет, материал, масштабность архитектуры, люди, транспорт. Как вписываются в архитектурные композиции растения и деревья, как смотрятся здания по отношению к небу в различное время дня и при разных погодных условиях.

Изображение парков с использованием в композициях архитектуры, парковой скульптуры, стаффажных фигур.

Художник должен всегда вести поиск нового в мотиве и в средствах его выражения. Совершенствование живописного и графического мастерства студентов является основной задачей пленэрной практики. Изображение пейзажа с присутствием в композициях парковой архитектуры и стаффажа – более сложная тема в изображении пейзажа.

Ограниченное пространство парковых ансамблей их камерность, характерная особенность мотивов. Это очень привлекает художников и также осложняет поиск композиции. Поэтому следует искать какое-либо продолжение для взгляда и строить планы последовательно, постепенно вводя зрителя в пространство изображаемого пейзажа. Органичное соединение архитектуры и скульптуры с растительным миром парка достигается в результате серьезных усилий по работе с ландшафтом, и поэтому важной задачей художника является поиск и передача гармонии парка в своих композиционных этюдах.

Включение стаффажа в композицию пейзажа играет важную роль в одушевлении изображаемого. Под стаффажем мы подразумеваем изображение фигур людей, животных, птиц, предметов, наполняющих композицию жизнью.

Для живописи и изображения фигуры человека необходимы знания конструктивного и пластического построения человека и предварительная студийная работа над портретом и фигурой. Важнейшей задачей при изображении человека на пленэре является его колористическое и пластическое единство с пейзажем. Стаффаж дополняет композицию и делает ее наполненной жизнью.

Умение находить интересные мотивы, создавать творческий образ пейзажа, вести поиск нового в мотиве и средствах его выражения – важнейшая учебная и творческая задача.

Натюрморт на пленэре.

окружающего мира в условиях переменчивого естественного освещения одна из важнейших задач в формировании художественного мастерства студентов.

Художник должен подмечать в окружающей жизни интересные группировки предметов. Это могут быть только что собранные грибы, ягоды, овощи, свежая рыба. Часто подмеченная в жизни группировка предметов служит в дальнейшем толчком для творческого поиска, организации натуры. Особенно поэтично звучит натюрморт связанный с пейзажем. Богатейший материал для композиционных решений натюрморта дадут наблюдения и зарисовки при уборке урожая фруктов, посещении рынка, цветочных магазинов. Яркими примерами естественных натюрмортов служат произведения П. Сезанна, К.Коровина, И.Э. Грабаря, А.А.

Пластова и др.

Поиск композиционного решения является первым этапом работы над натюрмортом. От успешности выполнения композиции зависит и остальной ход работы. Специфика постановки натюрморта на пленэре отличается от постановки студийного натюрморта. Так как композиционные задачи натюрморт на пленэре творческие, и являются художественно-образным выражением художника. При выполнении натюрморта на пленэре нужно выполнить разные композиционные варианты натюрморта, сделать предварительные краткосрочные этюды акварелью, собрать необходимый поисковый материал к будущей постановке.

Важное внимание необходимо уделить роли света при живописной работе над натюрмортом. Следует помнить, что натюрморт находится в определенной световоздушной среде, в которой важны взаимоотношения между небом и землей, выступающими в качестве фона и создающими эмоциональную окраску работе.

Иногда в натюрморт вводят живых существ, птиц, животных, насекомых. Это вносит в изображение натюрморта жизненность и художественную образность.

Изображение представителей животного мира на пленэре.

Изображения животных, органично включенных в композицию пейзажа, часто встречается в живописи. Изучение животного мира, его связь с пейзажем – одна из задач учебно-исследовательской практики.

Для изображения представителей животного мира, необходима предварительная подготовка, направленная на ознакомление с анатомическим строением животных. При изображении животных, следует узнать о них как можно больше, поэтому, полезно использовать соответствующую литературу по зоологии, рисунки старых мастеров.

Начать рисовать и писать живую натуру лучше всего с серии набросков. В набросках важно передавать пространственную пластику формы и характер изображаемого. Так как животные постоянно двигаются и специально позировать не могут, некоторые части натуры для детальной проработки можно зарисовать отдельно, располагая на одном листе несколько изображений. Полезно параллельно с зарисовкой выполнять рисунок анатомии. После выполнения быстрых набросков и этюдов, переходят к более подробным длительным зарисовкам графическими мягкими материалами.

Интересно выполнять живописные этюды птиц и животных. Их яркая характерная окраска дает возможность декоративного решения формы при помощи цветного пятна. Начинать живопись лучше с акварельных быстрых набросков-этюдов кистью. Можно выполнять наброски без предварительного построения карандашом, работая только кистью. Работа по изучению формы дает уверенность в материале живописи и является переходом к более длительным живописным этюдам, тщательной проработке и детализации.

Передача освещенности натуры при живописном изображении животных требует особого внимания. Моделировка формы животного или птицы цветом успешно решается при верно взятых отношениях тени и света. Материалы для работы: акварель, тушь, гуашь, масло, темпера, акрил. Акварель самый удобный материал и наиболее быстрый в передаче характера и пластики представителей животного мира.

Изображение человека на пленэре.

Дальнейшее постижение художественного мастерства в изображении человека на открытом воздухе и влияние различных условий освещения на его изображение развивает художественно-образное мышление будущих педагоговхудожников. При выполнении построения человека на пленэре следует уделить особое внимание пластическому решению постановки. Используя знание пластической анатомии и способы моделировки формы тоном и цветом, следует направить свои усилия на изучение характера изображаемых моделей, их психологических особенностей. Для изображения человека на пленэре можно использовать графические и живописные техники, разнообразные материалы:

карандаш, уголь, сангину, соус, акварель, гуашь, темперу, масло, акрил.

Важнейшей задачей при изображении человека в условиях пленэра считается поиск и взаимодействие с пейзажной средой. Это связано с передачей состояния всего мотива, его освещения. Солнечный свет оказывает существенное влияние на цветовую окрашенность натуры, изменяя ее собственный, локальный цвет. В зависимости от времени дня свет солнца может окрашивать натуру в розовато-желтые, оранжево-красноватые, красновато-малиновые и другие оттенки. В свою очередь цвет тени под действием рефлексов от неба и зелени травы и листьев будет окрашиваться в голубоватые и зеленоватые холодные цвета. Художественное восприятие изображаемой модели зависит от влияния освещения. Необходимо начинать с постановок, в которых присутствует определенное, направленное состояние света. Например, мягкий свет через облака, слабый солнечный свет. Усложнение постановки ведется в сторону увеличения влияния рефлексов в живописи. Необходимо также помнить, что влияние рефлексов на модель на пленэре очень велико. В процессе работы рефлекс все время надо сравнивать со светом и тенью. Писать его лучше по сырой краске сразу вместе с тенью, мягко вписывая в форму. Это касается работы красками всех видов. Размеры этюдов изображения человека на пленэре должны быть небольшого формата. Это связано с тем, что освещение в природе быстро меняется и закончить этюд большого размера за один сеанс трудно. Работать на пленэре лучше всего под солнцезащитным зонтом, это поможет избежать ошибок при поборе цветов на палитре.

Работа акварелью на пленэре является одной из эффективных форм обучения живописи. Пленэр в широком смысле представляет собой выполнение живописных и графических произведений с натуры на открытом воздухе. Все художники работают на пленэре, а для некоторых из них пленэр становится основой творчества. На пленэре происходит эстетическое осмысление окружающей действительности, пополнение знаний о природе, поиск идей для творчества, накопление «изобразительного багажа», набросков, зарисовок, этюдов, интересных жизненных рисунков, которые в дальнейшем послужат материалом для создания творческих композиций.

Работа акварелью на пленэре интересна и многообразна. Акварель незаменима в передаче стремительно меняющихся состояний природы, сильных и ярких впечатлений от натуры. Она прекрасно передаёт разнообразие цветов окружающего мира, прозрачный цвет неба, облаков, радуги, последний луч солнца, цвет заката, рассвета и многое другое, на что обратит внимание ищущий взгляд живописца.

Акварель очень сложная техника и она открывается не сразу, каждому техническому приему в работе акварелью надо учиться. В изобразительном искусстве акварель считается трудной техникой из-за невозможности исправления ошибок. Акварелью можно писать либо мастерски, но для этого нужен определенный изобразительный и художественный опыт, либо методически грамотно, постепенно вырабатывая свою собственную неповторимую манеру акварельного письма.

В результате изучения специфических возможностей работы акварелью в процессе аудиторных учебных занятий, на пленэрной практике, в процессе самостоятельной работы созревают замыслы композиций, появляется творческий импульс, вдохновение для создания живописных произведений.

Творческий подход к созданию живописного акварельного произведения на пленэре основывается на возникновении художественных образов из впечатлений, полученных от общения с натурой.

На начальных этапах формирования художественно-образного мышления у студентов художественных факультетов педагогических вузов, на наш взгляд наиболее эффективен акварельный метод a la prima. Техника живописи методом a la prima очень быстрая и подходит для работы на пленэре, для передачи быстро меняющихся состояний природы. Таким образом, процесс обучения студентов становиться более эффективным.

Акварель вырабатывает художественную смелость, твердость руки, тонкость чувств в ощущении прекрасного. Акварелист должен обладать развитым чувством цвета, знать особенности красок и правила их смешения, возможности различных сортов бумаги, которая играет роль света и должна быть максимально белой.

Акварельная живопись на пленэре является важнейшей составляющей в творческом становлении будущих педагогов-художников.

существенные различия, и студенты, начиная работать на пленэре, оказываются неподготовленными к работе.

Несомненную пользу при овладении мастерством акварельной живописи на пленэре принесут акварельные этюды a la prima по предварительно увлажненному листу бумаги или по-сырому.

Глубокое изучение природы в процессе выполнения акварельных этюдов развивает духовный мир студентов, образовывает, обогащает эстетически.

И. Кант практиковал эстетически осмысленный подход к природе и придавал этому огромное значение. «Я утверждаю, что питать непосредственный интерес к красоте природы (а не только обладать вкусом, чтобы судить о ней) всегда есть признак доброй души». Этот интерес к красоте природы интеллектуален, радует не только форма предмета природы, но и сам факт его существования. И. Кант предупреждал: «Грядущие века все больше будут удаляться от природы». В те времена было еще совершенно неясно, что это значит. В наши дни взгляд И. Канта на окружающую среду как на гармоническое, художественное целое приобрел мировоззренческое значение. Природа – своего рода произведение искусства. Как нельзя вторгаться в жизнь художественного организма, так нельзя нарушать гармонию природы, сложившееся в ней целесообразное равновесие. «Формула философской системы Канта – истина, добро и красота, взятые в их единстве, замкнутые на человеке, его культурном творчестве, которое направляет художественная интуиция» [55, с.184].

Пленэр играет важную роль в системе подготовки педагога-художника. Работа на пленэре развивает способности специалиста, эстетические представления о природе и окружающем мире.

Выполнение этюдов акварелью, быстрых набросков, зарисовок мягкими материалами, живописных и графических работ в смешанной технике имеет огромное значение, как для начинающего, так и для опытного живописца. Из них складывается определенный запас зрительных впечатлений, знаний, образов, эмоций, интересных натурных находок, и накапливается изобразительный материал, необходимый для дальнейшего творчества – как педагогического, так и художественного.

2.3. Традиции и новаторство в обучении акварельной живописи студентов художественных факультетов педагогических вузов Современному педагогу необходимо художественное развитие определенного уровня, чтобы после прохождения курса обучения в вузе он мог позиционировать себя как художник. Поэтому важность умения работы в разнообразных техниках живописи является обязательным условием для будущего профессионального развития и становления в педагогическом и художественном мастерстве специалиста.

Разнообразные эстетические методы и приемы акварельной живописи трудно описать общепринятыми и традиционными техниками: по предварительно увлажненному листу бумаги или по-сырому, ведение работы по сухому листу, выполнение акварели при помощи лессировок. Акварель это больше чем техника живописи – это передача состояния души художника, и, несомненно, каждый мастер, владеющий акварелью, привносит что-то новое в эту удивительную технику. За именем каждого большого мастера художника, работающего в этой сложной технике, остался его личный, художественный, эстетический метод акварельной живописи. Существует метод работы акварелью И.И. Левитана, М.А.

Врубеля, Э. Делакруа, А.А. Иванова, К.П. Брюллова, П. Синьяка, А.В. Фонвизина и других мастеров акварельной живописи. Понять эстетические возможности акварельной живописи помогают признанные произведения художников, работающих в этой технике изобразительного искусства.

В изображении пейзажа педагог-художник должен обладать большим мастерством акварельной живописи, которое он может обрести только в непосредственном творческом общении с природой. В живописи пейзажа акварелью рисунок и цвет связаны, помогают и дополняют друг друга. Для выполнения полноценного этюда нужно работать цветовым пятном, заливками, и уметь рисовать кистью тонкие элементы пейзажа, растения, ветки деревьев, чувствовать специфику и материал акварели. Для передачи своей творческой идеи в поиске художественного образа, художник может выбирать тот или иной художественный метод необходимый в его работе и пользоваться эстетическими приемами работы акварелью мастеров живописи.

Мастер пейзажной живописи И.И. Левитан великолепно владел акварелью.

Его акварели «Туман», «Осень» написаны в сдержанном колорите. Они точно создают образ осени и отражают художественное впечатление автора от родной природы. В этих акварельных этюдах Левитан писал по предварительно увлажненному листу бумаги, по сырому листу, по мере высыхания бумаги прописывал детали, соединяя живопись по сухому листу и сырому листу бумаги.

Он мастерски умел писать широкими заливками, при этом нужный цвет сразу брал в необходимую силу тона. Работая акварелью по методу Левитана, можно научиться тонко, чувствовать образную сторону природы, писать пейзажсостояние.

В творчестве А.А. Иванова мы видим новые приемы акварельного письма, особенно в пейзажах, которые художник самостоятельно открывал, обладая острой наблюдательностью. Приемы выгодно отличались смешением цветовых пятен, большей свободой в движении акварели. Художник высоко ценил природные качества акварели и использовал их в своей работе. Изучая акварели мастера по произведениям в музеях, книжным репродукциям, можно проанализировать метод его работы, кладку красок, пятна, света и теней, создающих основу пространственного построения листа. Первые прокладки цветом художник старался наносить голубоватыми или серыми красками, по принципу ведения работы в теплых и холодных тонах, далее работал над темными местами и переходил к светлым местам, в которых мог оставлять белую бумагу.

К.П. Брюллов в основу своего творческого подхода к акварели пользовался разными эстетическими методами и приемами. Один из них заключался на использовании подмалевка, выполненного в холодном цвете, которым художник прописывал хороший подготовительный рисунок, точно моделируя формы предметов. Затем художник при помощи охры прописывал всю акварель, придавая ей уже теплый колорит. К.П. Брюллов также великолепно умел работать методом лессировок, используя постепенное наслоение прозрачных красочных слоев по сухой поверхности предыдущих прописок. Живописная работа методом лессировок начинается с создания светлых прописок и постепенно идет к более темным и насыщенным цветовым тонам. В исполнении Брюллова акварельный метод работы лессировки кажется живым и не пересушенным, что очень важно в живописи.

Э. Делакруа в живописи акварелью отвергал традиционные приемы письма.

Он создавал свои собственные приемы, считая, что «художник должен лепить краской, как лепит скульптор глиной» [3, с.59] как считал художник, в акварели невозможны исправления, в ней надо работать наверняка и сразу. Э. Делакруа большое внимание уделял колориту и композиции, этюды он писал за один сеанс, свободными цветовыми пятнами.

П. Сезанн и П. Синьяк художники импрессионисты полагали также, что акварель обязана выполняться в один сеанс, последующие поправки привносят в нее сухость и непрозрачность. Акварельный метод работы этих художников был связан с живописью ярким и чистым спектральным цветом, причем белая бумага могла просвечиваться между маленькими акварельными мазками, создавая ощущение вибрации воздуха в картине. Рисунок мог быть видимым и оставаться для выразительности формы в пространстве листа.

Английский художник У. Тернер в своем творческом опыте сочетал разнообразные противоположные эстетические приемы акварели. Он в совершенстве владел акварельной живописью и ее спецификой. Также он много экспериментировал с акварелью, использовал в работе элементы монотипии или отпечатка цвета, снимал краску хлебным мякишем, вводил в акварель мел, пчелиный воск, для выделения светлых мест и проставления акцентов применял выскабливание краски. Акварели У. Тернера написаны свободно, широко, но также и отличаются тонкой проработкой элементов и деталей натуры.

«Сохранилось свидетельство человека, присутствовавшего при написании акварели «Сцена на море». Сначала Тернер обильно смочил бумагу жидкой краской, а затем принялся неистово тереть, царапать, скрести, превратив рисунок в настоящий хаос. Через несколько часов акварель была полностью закончена. На глазах у зрителей постепенно начало появляться изображение корабля со всеми мельчайшими подробностями» [145, с.31].

Метод живописи многослойной акварели – это живопись с общим предварительным, моделирующим тоном, предварительно прокладываемым, в выполнении подмалевка. Многослойную живопись акварелью применяли в своих работах П.П. Чистяков, И.Е. Репин В.И. Суриков, М.А. Врубель и многие другие художники.

М.А. Врубель любил в работе строгую последовательность. Он сначала выполнял очень подробный рисунок, прорисовывая все плоскости и объемы изображаемых предметов. Далее работал над подмалевком слабо не ярким цветом, оставляя не закрашенными блики. Потом прорабатывал постепенно с чередованием светлых и темных мест, переходя к ранее не прокрытым цветом местам. Их М.А. Врубель дописывал позднее, после высыхания бумаги. В процессе творческого выполнения акварельная работа приобретала по красоте некоторое подобие мозаичной живописи. Используя акварельный метод М.А.

Врубеля можно научиться анализировать форму и пространство, разбирая предметы по многообразию цветов.

Существенный вклад в разнообразие эстетических возможностей акварельной живописи разработали художники группы «Мир искусства». В работах мастеров этого творческого объединения графика и акварель объединяются. Живопись преподносится как драгоценность. Активно Использование эстетических моментов смешанной техники предполагает огромный диапазон для самовыражения и развития у студентов художественнообразного мышления, творческих способностей.

Эстетический метод работы А.В. Фонвизина основывается на особой чувственной и трепетной, свойственной только ему манере в акварельной живописи. Сын художника Сергей Фонвизин вспоминает и пишет следующее о работе отца: «Отец брал в руку сразу штук двадцать самых разных кистей и стремительно писал, выхватывая из горсти одну за другой. Архитектор Руднев, автор высотки МГУ, позируя ему для портрета, сравнивал его с оркестром:

«Артур Фонвизин играет на своих кистях, как на инструментах» [118, с.11].

А.В. Фонвизин писал по сухой бумаге, наносил подготовительный рисунок сразу тонкой кистью, это видно из незаконченных работ акварелиста.

Определенное «фонвизинское» мерцание живописи обреталось в результате живописи мазками, разнообразной толщины в полную силу цвета, как этого требовала натура и художественная идея автора. Художник смело управлял акварельными заливками цвета, нужные места прорабатывал еще раз по уже сухой бумаге. К бумаге под акварель он относился с большим уважением, ценил ее и иногда, некоторые места белой бумаги в его этюдах оставались незакрашенными.

В современном развитии акварельного искусства следует уделить особое внимание акварельной живописи и исследованиям в области акварели замечательного художника-педагога А.М. Михайлова. В своих работах он пользовался методом a la prima, по предварительно увлажненному листу бумаги.

Работа над акварельным этюдом проводилась быстро, без предварительного карандашного рисунка, яркими и глубокими заливками цвета. Главное в его акварелях – это передача первого наиболее яркого и чувственного впечатление от природы, ее состояния.

Художника А.В. Кокорина мы видим одним из ярких современников в акварели. Ценность его эстетических методов работы акварелью основывается на живописи с натуры, на личностном общении с природой. Он не любил и не принимал доработки по памяти, в мастерской этюда, начатого с натуры. Огромное внимание уделял композиционному решению, зарисовывал все понравившиеся сюжеты в набросках. Особую красоту его акварелям придавала работа щетинной кистью по тонким сортам бумаги. Жесткая кисть привносила в акварельный этюд бархатистую поверхность в фактуре. В своей творческой работе художник обычно смешивал два акварельных метода по сухому листу и по сырому листу, часто в дополнение наносил поверх акварели трепетную чувственную линию черной тушью. Самые известные и очень красивые произведения художника – это пленэрные акварели А.В. Кокорина, написанные в поездках по Европе, и этюды горячо любимых старинных русских городов. Путешествия давали художнику вдохновение в творчестве.

Педагог, как художник, в своем творческом и профессиональном становлении и развитии обязан опираться на ценностный опыт прошлого, наработанный и переосмысленный поколениями творцов, который полезен и необходим для расширения кругозора в искусстве. Знакомство студентов с эстетическими приемами работы мастеров изобразительного искусства, изучение техники, традиций и новаторства в акварели, методов и приемов в акварели эффективно помогает в формировании и развитии собственного художественного стиля в живописи, творческого пути, в поиске индивидуальной художественной выразительности.