«Кафедра Дизайн УЧЕБНО-МЕТОДИЧЕСКИЙ КОМПЛЕКС ДИСЦИПЛИНЫ ИСТОРИЯ ИНТЕРЬЕРА Основной образовательной программы по специальности 070603. 65 Искусство интерьера Благовещенск 2012 УМКД разработан доцентом кафедры Дизайн ...»

Многоярусные пагоды в дзенских монастырях уступили место одно этажным павильонам - реликвариям, а в период Муромати исчезли также колокольные башни и храмы - кондо. В соответствии с эстетическими концепциями «саби»и «ваби» храмовые интерьеры отличались большой простотой отделки.

Культовые интерьеры периода Муромати характеризуются наибольшей стилистической близостью с дворцовым зодчеством. Нередко в роли главного храма дзенских монастырей выступал дом настоятеля ходзё», а один и тот же павильон мог служить и храмом, и местом проведения чайной церемонии. Заключенная в дзэнской эстетике идея единства человека и природы оказала влияние на развитие композиционных приемов связи интерьера и природного окружения, разработку новых типов садов мхов и садов камней, которые создавались при монастырях с расчетом их восприятия из интерьера или с открытой террасы.

3. Жилые и дворцовые интерьеры. В основе средневекового светского зодчества Японии лежит тип феодального жилого комплекса, сложившегося в период Хейан. Этот комплекс обычно состоял из главного хозяйского дома («синдэн»), расположенного в центре, симметрично примыкавших к нему галерей, соединявших его с боковыми флигелями и построек для жен, приближенных и слуг, находившихся позади синдэна. Перед домом располагался песчаный двор, переходящий с южной стороны в пейзажный сад.

Павильон синдэн представлял собой однозальное пространство, не имеющее постоянных перегородок и подразделяемое на отдельные зоны для отдыха и различных занятий при помощи ширм и занавесей. Граница между интерьером и внешней средой также не была жестко фиксирована, так как некоторые стены представляли собой подвешенные к потолку решетчатые ставни «ситомидо». Возможность раскрытия внутреннего пространства жилого дома в пространство организованной природы (двор, сад) становится с периода Хейан одной из наиболее ярких и самобытных черт японской архитектуры в целом.

В период Камакура наряду с парадным стилем синдэн, которого продолжали придерживаться в создании дворцовых интерьеров, значительное распространение получил более скромный тип жилища самураев «букэ», образцом которого послужил традиционный сельский дом, дополненный отдельными элементами стиля синдэн. Букэ обычно представлял огороженную забором, поднятую на столбах асимметричную в плане постройку, содержавшую несколько комнат с двустворчатыми дверями. Отделка этих комнат, судя по литературным источникам, была довольно скромной (в соответствии с аскетическим образом жизни самураев).

В период Муромати под влиянием основных положений дзенской философии о необходимости гармоничного единства человека с окружающей его природной средой были выработаны новые принципы и композиционные приемы формообразования жилища, которые привели к возникновению принципиально нового стиля - «сёин-дзукури». Этот стиль получит особенно широкое распространение на протяжении всего позднего средневековья. В интерьерах стиля сёин главный строительный материал дерево применяется без покраски, скрывающей его естественную фактуру.

Во всех элементах отделки и оборудования отсутствуют яркие цвета, резьба и другие виды декора. Главными средствами архитектурно-художественной выразительности здесь является взаимосвязь внутренних пространств, раскрывающиеся из них виды на созданный при доме сад, а также изысканный и одновременно очень скромный подбор материалов, фактур и цвета всех компонентов, формирующих предметно-пространственную среду интерьера.

Одним из важнейших нововведений этого периода было использование стационарных толстых соломенных циновок «татами», которыми сплошь застилался пол комнат. Их постоянный размер 90x195 см был обусловлен необходимой минимальной площадью, на которой достаточно комфортно один человек мог спать или работать или два человека вести беседу. Размер татами, таким образом, стал модулем комнаты и всего дома (жилая площадь исчислялась количеством циновок, например, комната в или 9 татами). Отдельные конструктивные части (стены, балки, стропила и др.) также оказались подчиненными этому модулю и, следовательно, стандартизированными.

При всей простоте и даже аскетичности отделки, незаполненности «пустого» внутреннего пространства предметами, интерьеры воспринимаются сложным многозначным организмом, синтезированным с природным окружением (с раздвинутыми сёдзи интерьер жилого дома и сад как бы взаимопроникают друг в друга). Главным композиционным местом жилого интерьера часто являлась ниша с приподнятым полом - «токонома», в которой обычно вешался свиток и становилась ваза с цветами, искусство аранжировки которых («икэбана») в это время достигает очень высокого уровня.

В период Момояма, наряду с развитием культурных традиций синто и дзэн-буддизма ведется строительство монументальных каменных замков, окруженных крепостными стенами. Главенствующее место в этих замках принадлежало донжону («тэнсю») - каменной башне, имевшей несколько уменьшающихся кверху этажей-ярусов и напоминавшей многослойностью своих черепичных крыш пагоду. Кроме башни в комплекс замка входило несколько построек меньшей высоты, интерьеры которых могли соответствовать стилю сёин, а также несколько рядов стен с воротами, что делало территорию замка похожей на своеобразный лабиринт.

Заполнение интерьеров мебелью было минимальным. Мебель для сидения также почти полностью отсутствовала (сидели на коленях или на корточках). Стульями и креслами иногда пользовались только феодальные магнаты и высшее духовенство. В этой социальной среде довольно распространенным было складное кресло со скамеечкой для ног в нижней части. Столы обычно были невысокими (20 - 40 см). Кроме прямоугольных рабочих столов, которые могли иметь выдвижные ящики, большое распространение получили маленькие сервировочные столики, которые часто покрывались цветным лаком.

Техника лакирования, заимствованная из Китая, использовалась как в отделке архитектурных деталей, так и в мебели начиная с периода Нара.

Декоративная резьба и сложная профилировка отсутствовали. Своеобразным элементом декора могла быть металлическая фурнитура.

Средневековая японская мебель имела четкие геометрические контуры и была очень легкой (отчасти из-за того, чтобы избежать отпечатков и вмятин в мягких циновках). Среди наиболее распространенных предметов были также деревянные переносные ширмы, затянутые бумагой или расписным шелком, бумажные фонари с реечным каркасом и встроенные полки «шигай-дана), на которые можно было класть мелкие предметы. При отсутствии в помещении специальной ниши токонома ее заменяла ячейканиша, устраиваемая в системе этих полок, куда можно было вешать свиток, ставить икэбана или небольшую скульптуру. Корпусную мебель в Японии начали изготавливать только во второй половине XIX веке, причем первоначально она шла преимущественно на экспорт.

4. Японский сад. Садовое искусство Японии как особый вид творчества сформировалось в период Хейан. Сады X -XII вв. занимали большие территории и предназначались для прогулок или катания на лодках. Их композиция и художественный образ раскрывались по определенному сценарию при последовательном развертывании разнообразных видов по мере движения посетителей. Компоненты, составляющие сад (холмы, ручейки, озера, водопады и т.д.), как бы концентрировали природу в миниатюре на данном конкретном участке. Сад являлся своего рода микрокосмосом, воплощающим в малом представления об окружающем мире. Эти представления базировались на философии буддизма и практически реализовывались садовниками-священнослужителями.

Средневековые японские сады принято классифицировать на два основных типа - относительно крупный пейзажный «цукияма» и небольшой плоский «хиранива». В пейзажном саду конструируются в определенном порядке чередования различные картины реальной природы (водопады, камни, деревья, цветы и т.д.), которые в своей сумме олицетворяют модель мира. Плоский сад вычленял из окружающей природы небольшой участок, замкнутый глухими стенами, и был рассчитан на статичное восприятие с одной точки. Компоненты этого сада выступали одновременно и как соответствующие реальные предметы (камни, галька, мох), и как символы других понятий (корабли, водопад, острова, море и др.). Зашифрованность этих символов была рассчитана на специфику образного мышления, воспитываемого буддийской и синтоистской философией, и принятой знаковой системой иероглифического письма (сочетания отдельных предметов могли прочитываться как иероглифы). Некоторые сады включали одновременно элементы хиранива и цукияма.

С введением чайной церемонии в XVI веке в Японии получил распространение особый тип чайного сада, через который пролегала дорожка к чайному павильону. Эта дорожка мостилась камнями, вдоль нее ставились каменные фонари, освещавшие путь, и каменные сосуды для омовения рук, которое по ритуалу предшествовало церемонии чаепития.

Начиная с XVIII века, в Японии создаются также обширные садыпарки, в которых соседствовали сады различных видов с фрагментами естественного ландшафта. В этот период особую популярность получили и маленькие садики, входившие в ансамбль жилого дома.

Тема 8 (2 часа). Интерьер Византии.

1. Периодизация 2. Культовые интерьеры 3. Светские интерьеры 1. В истории Византии выделяют следующие периоды:

1) Ранневизантийский период (V - начало VII вв.) 2) Средневизантийский период (VII - XII вв.) 3) Поздневизантийский период (XIII - XV вв.) Византия, возникшая на территории восточной части Римской империи после ее разделения в 395 году, дольше других областей Европы удерживала сильную централизованную власть в лице императора, опиравшегося на развитый бюрократический управленческий аппарат, наследованные от Рима и восточных деспотий остаточные черты рабовладельческого государства со строгой иерархической структурой и придворно-рабским церемониалом сочетались в ней с огромной идеологической ролью христианской церкви. Византийская империя в течение своего тысячелетнего существования сохраняла относительно единую замкнутую внутри себя культуру.

Начиная с VII века, в результате арабских завоеваний, Византия теряет значительную часть своих восточных территорий. Одновременно проходит процесс универсализации архитектуры под знаком господства константинопольских традиций. Эти традиции имели в своей основе художественные и инженерные достижения античности (в первую очередь древнеримские приемы сводостроения), которые в Византии были развиты на качественно более высоком уровне. В Константинополе строились огромные термы, портики, инженерные сооружения городского благоустройства (акведуки, подземные цистерны для воды). Главными же, наиболее престижными и богатыми по вкладываемым средствам сооружениями Византии были христианские церкви.

2. Культовые интерьеры. Культовой архитектуре Византии в V -VII вв.

присуще многообразие строительных типов. Значительное распространение (преимущественно в Сирии, Палестине, Малой Азии, а также в Западных областях) получили базилики, которые перекрывались либо сводами, либо простыми стропильными крышами. Церковная архитектура заимствовала многие местные строительные традиции предшествующих периодов. В сирийских базиликах, чаще всего использовалась эллинистическая техника каменной кладки из крупных хорошо отесанных квадров.

Наряду с базиликами в Сирии встречаются также сводчатые латитудинальные церкви (т.е. церкви с растянутым вширь внутренним пространством). Характерным примером может служить церковь в Сала (VI в.). Интерьер церкви в Сала отделен от окружающей среды толстыми стенами и имеет замкнутый характер. Массивность стен подчеркивается глубокими нишами в них. Немногочисленные маленькие окна главного зала, расположенные только в верхних частях его коротких стен, пропускают в интерьер тусклый свет. Внутреннее пространство храма распадается на ряд замкнутых и совершенно отделенных друг от друга помещений. Симметричное по отношению к продольной оси, вытянутое в ширину пространство, перекрытое полуциркульными сводом, предопределяет не движение верующих вперед к алтарю, как в базиликальных храмах, а их выстраивание в ряд перед глухой алтарной стеной, в которой особо выделялась т.н. царская дверь (дверь главного алтаря).

Общим и неизменным для различных видов культовых зданий в восточно-византийских областях оставался строительный материал - камень.

Выложенные из тесаного камня стены, арки и своды были гораздо более грузными и массивными, чем такие же конструкции в западных областях империи и особенно в ее столице, где основным материалом был более легкий кирпич - плинфа, укладываемый на раствор.

Архитектура Константинополя эпохи императора Юстиниана I (527гг.) наиболее последовательно развивает тип центрического купольного храма. Отдельные приемы решения плана и конструкции, выработанные еще в Древнем Риме, были синтезированы византийскими зодчими в стройную композиционную иерархическую систему. Главенствующее значение в этой системе принадлежало куполу, опиравшемуся на пилоны, связанные арками.

В микрокосме храма купол символизировал небесный свод и поэтому должен был зрительно выглядеть легко, а подкупольное пространство обширным и величественным.

Принцип архитектурного формообразования «изнутри», когда внутреннее пространство определяет наружную форму здания, а масс превращается как бы «в тонкую оболочку, натянутую на пространство»

присущ всему византийскому зодчеству особенно последовательно он был проведен в главном и одновременно придворном храме Византийской империи - соборе святой Софии в Константинополе. Храм Софии, построенный в 532 - 537 гг. греческими архитекторами Анфимием из Тралл и Исидором из Милета, должен был воплотить в своем художественном образе величие имперской власти огромной державы и господствующей христианской церкви. В его создании были синтезированы композиционные приемы, использовавшиеся в выдающихся постройках Древнего Рима и христианской архитектуре. Храм совмещает в себе базиликальный и центрический типы, причем в основе плана лежит система базилики: прямоугольное здание (74,8x69,7 м) делится четырьмя свободно стоящими столбами на девять частей.

Интерьер Айя -Софии, образуемый комбинацией многочисленных пространственных объемов (полуцилиндров, полусфер, призм и др.), представляет сложный и гармоничный архитектурный организм со своей ясно читаемой композиционной концепцией, соответствующей культовому сценарию храма и идее высшего потустороннего совершенства. В соответствии с этим сценарием купол, олицетворявший небесный свод, должен был казаться парящим в воздухе, а все архитектурные массы быть максимально дематериализованными (масса наделялась отрицательной ценностью). В своем основании купол прорезан венцом из сорока довольно крупных окон (1,5x4,6 м), узкие промежутки между которыми, воспринимаемые контражуром из-за слепящего света окон, кажутся растворяющимися в воздухе.

Несмотря на свой гигантский характер, внутреннее пространство собора не подавляет зрителя благодаря сомасштабным человеку деталям, дающим ощущение истинного размера постройки - колоннам, капителям, аркам, ограждению эмпор. Впечатление легкости архитектурных форм интерьера храма усиливалось также красочной роскошью их отделки. Все вертикальные внутренние поверхности Софии облицованы цветным полированным мрамором различных холодных и теплых оттенков, градация которых подобрана очень тонко. В отделке сводчатых поверхностей использована смальтовая мозаика с различными изображениями на золотом фоне, сменившем синий цвет раннехристианских росписей.

распространенным, но не единственным типом культовых построек в Византии. Начиная Юстиниановской эпохи, строятся пятикупольные храмы, наиболее ранний из которых - церковь Апостолов в Константинополе (VI в ) Церковь имела крестовидный объем, в центре которого и в ветвях креста располагались купола одинакового диаметра, покоящиеся на подпружных арках и пандативах. Ее структура была воспринята не только в самой Византии, но и в некоторых областях Западной Европы, с которыми Византия поддерживала тесные торговые и культурные связи (например собор Сан-Марко в Венеции XI в., церковь Сен-Фрон в Перигё XII в). В ранневизантийский период сложился тип крестово-купольного храма, который станет господствующим в последующие столетия, как в самой империи, так и в различных областях ее культурного влияния (Россия, Закавказье, Балканские страны). Основу крестовокупольной структуры образует в плане равноконечный (греческий) крест, квадратный центр которого перекрывается куполом, поднятым на барабане со световыми проемами. Купол опирается на четыре столба или на стены при помощи парусов (чаще всего в виде сферического треугольника) и подпружных арок. Ветви креста обычно перекрываются полуциркульными сводами. Купола в крестовокупольных церквах обычно имеют небольшие размеры и их распор гасится цилиндрическими стенами барабанов. Распор сводов и арок взаимоуравновешивается или передается на достаточно массивные стены.

Сложившейся в крестовокупольных интерьерах выверенной системе соподчиненных пространств (малые боковые ячейки, выделяющийся своими размерами центральный крест и доминирующая над всем вертикаль подкупольного пространства) соответствовали символически осмысленные архитектурные формы храма, отвечающие религиозной идее «вознесение к небу». Купол служил аллегорией небесного свода, четыре несущих его столба трактовались как столпы церкви, алтарная абсида символизировала рай, западная стена - ад. В соответствии с этой символикой (но не изобразительностью в отличие от архитектурных форм древневосточных деспотий) строго по канонической неизменяемой схеме в интерьеры вносилась монументальная живопись.

Типичным примером средневизантийских церквей может служить Северная церковь монастыря Липса в Константинополе (908 г., ныне мечеть Фенари-Исса). Ее центральное крестовокупольное ядро со всех сторон окружено дополнительными помещениями. С южной и с северной сторон к нему примыкают боковые галереи с деревянными перекрытиями и хорами на втором этаже. С западной стороны находится перекрытый крестовыми сводами нартекс, фланкированный с двух сторон помещениями, в которых находились лестницы, ведущие на хоры. Восточная сторона храма формируется пятью абсидами, главная из которых раскрывается в центральное пространство интерьера, а боковым соответствуют более замкнутые помещения с нишами в стенах. Замкнутым и относительно независимым характером обладают все периферические зоны интерьера.

Подкупольное пространство размером менее 4-х метров. В корне отличается и его образный характер: благодаря постановке купола на высокий барабан пространство получило ярко выраженную вертикальную устремленность. Композиционный центр интерьера - купол намного выше примыкающих к нему рукавов креста и периферических помещений, играющих еще более подчиненную роль.

Новой чертой в поздневизантийских культовых интерьеров является распространение фресковой живописи, которая часто вытесняла более дорогую мозаику. В отличие от более ранних и красочных стенописей фрески т.н. палеологовского Возрождения более монохромны, эмоционально напряженны и одновременно менее монументальны Их выразительность строится, главным образом, за счет динамических контуров линий и экспрессивных мазков. Фрески отчаются уверенным мастерством исполнения и утонченной колористической гаммой, построенной на едва уловимых соотношениях тонов.

Отмеченные черты присущи и поздневизантийской мозаичной живописи. В мозаиках церкви монастыря Хора исчезает присущая более ранним периодам яркость цвета, варьирование размеров и кладка «по форме» отдельных смальтовых кубиков. Сами кубики делаются одинаковыми и очень мелкими, что с одной стороны позволяет достигать большей деталировки, но в то же время лишает мозаику присущей именно ей специфической художественной выразительности, связанной с характером кладки (размером, рисунком, углом положенных кусочков смальты).

3. Светские интерьеры. Светская архитектура Византии почти не сохранилась до наших дней. О ней можно судить по немногочисленным памятникам, дошедшим до нас либо в развалинах, либо в сильно перестроенном виде. Основные же сведения об интерьерах дают литературные источники и изображения в живописи. По древнеримской урбанистической традиции в крупных городах империи сооружались многоэтажные здания, имевшие аркады в нижней части, где помещались лавки и мастерские. Наиболее распространенным строительным материалом был кирпич, иногда в сочетании с камнем. От XIII - XV вв.

сохранился ряд домов с аркадами внизу и небольшими окнами наверху в г.

Мистре (Пелопонесс), разбросанных на склоне вдоль серпантина улицыдороги.

Богатые городские особняки, нередко наследовавшие античную планировку, имели по-восточному замкнутый характер. На улицу выходили в основном глухие стены с металлической (железной или бронзовой) дверью. Центром дома служил главный зал (атриум) или дворик. Жилые комнаты располагались на втором этаже. Отопление комнат осуществлялось при помощи кирпичных печей, а влажность регулировалась специальной системой канавок и труб.

Главным средством архитектурно-художественной выразительности парадных интерьеров была плоскостная декоративная отделка поверхностей стен, сводов и полов. Большое распространение имели полихромные мраморные облицовки, мозаики, цветные изразцы, которые складывались в геометрический орнамент, деревянные панели и декоративные ткани.

Подлинные образцы византийской мебели до наших дней не сохранились за исключением отдельных предметов культового назначения, уцелевших в Италии (в церквах Равенны, Терамо, Бари, Монте Сант Анджело). В отделке мебели использовались вставки из слоновой кости, инкрустации из драгоценных металлов, камней и смальты. Ювелирная драгоценность отделки мебели дополняла сказочное богатство дворцовых интерьеров в целом. Византийские императоры, заимствовавшие восточный театрализованный церемониал, вкус к всевозможным экзотическим эффектам и ошеломляющую изощренную роскошь, значительно превзошли в этом отношении монархов древнего Рима.

Тема 9 (6 часов). Средневековые интерьеры (дороманский, романский и готический период).

1. Периодизация 2. Интерьеры раннего средневековья 3. Интерьеры романского периода 1) Культовые интерьеры Франции 2) Культовые интерьеры Германии 3) Культовые интерьеры Италии 4. Интерьеры готического периода 1) Культовые интерьеры Франции 2) Культовые интерьеры Англии 3) Культовые интерьеры Германии и Австрии 4) Культовые интерьеры Италии 1. В средневековой культуре Западной Европы выделяют следующие периоды:

1. Раннее средневековье (дороманский период V - X вв.) 2. Романский период (X - XII вв.) 3. Готический период (XII - XV вв.) 1) Ранняя готика (вторая половина XII в. – начало XIII в.) 2) Высокая готика (XIII – вторая половина XIV в.) 3) Поздняя («пламенеющая») готика (конец XIV – XV вв.) 2. Интерьеры раннего средневековья. В 476 г. в Западной части Римского государства была свергнута императорская власть. В конце V века остготы завоевали Италию, разместив свою столицу в Равенне. В Северной Испании образовалось государство вестготов. В последующие века в раннефеодальных государственных объединений. В VI - VIII вв. в Северной Италии существовало государство лангобардов, на территории современной Франции крупное франкское государство, во главе которого стояли короли из династии Меровингов.

В Меровинговский период происходит оживление строительной стельности. Основным типом храма стала базилика. Однонефные и трехнефные базилики обычно строились из камня и имели плоское деревянное перекрытие. В некоторых церквах отсутствовал базиликальный разрез. В этом случае интерьер храма приобретал вид зального пространства. Такова, например, одна из наиболее ранних сохранившихся до нашего времени церковь Св. Петра во Вьенне (V в.), интерьер которой делится на три нефа при помощи тонких квадратных столбов без капителей с опирающимися на них арками, которые несут невысокую стену. Церковь Св. Петра не имела трансепта. В дальнейшем наиболее распространенными меровинговскими церквами становятся крестообразные в плане базилики, в которых трансепт переносится от алтаря ближе к центру.

Вторая половина VII - X вв. получили название Каролингского периода, а время правления Карла Великого (конец VIII - начало IX вв.), который пытался воссоздать в Западной Европе Римскую империю, Каролингского Возрождения (этим термином в данном случае обозначают некоторый подъем в области культуры и искусства). В это время центр феодального государства франков располагался в Прирейнской области, где Карл имел много резиденций (Компьен, Вормс, Майнц, Регенсбург, Аахен и др.). Во время правления Карла Великого дальнейшее развитие получает культовая (особенно монастырская) и гражданская архитектура. Наиболее излюбленной резиденцией Карла был г. Аахен, где он построил дворец, включавший апартаменты императора, тронный зал, библиотеку, архивы, школу, термы и дворцовую церковь.

располагались вокруг внутренних дворов, обнесенных крытыми галереями.

От этого дворца сохранилась с более поздними наслоениями только капелла (в настоящее время - Аахенский собор) 796 - 804 гг. Капелла состоит из центрального восьмиугольного в плане пространства (диаметр около 15 м), перекрытого сомкнутым сводом, который опирается на пилонов (высота до свода около 25 м). Как и раннехристианские церкви, Аахенская капелла не имела снаружи декоративной обработки: вся роскошь отделки была сосредоточена в интерьере, где стены были облицованы мраморной инкрустацией и мозаикой.

Светские интерьеры дороманского периода почти не дошли до наших дней. Информация о них базируется на описаниях, изображениях на картинах и единичных натурных памятниках. Сведения о дворцовых интерьерах эпохи Карла Великого довольно разрозненные. Известно, что королевский дворец в Аахене имел деревянное перекрытие в приемных залах и соединялся с придворной капеллой при помощи длинного портика.

Из обстановки того времени сохранились бронзовые двери и решетки (в капелле), резные мраморные экраны, а также отдельные золотые и серебряные предметы. В интерьерах часто использовались занавеси, висящие на шнурах, привязанных к столбам (эти занавеси могли закручиваться вокруг колонн). В декорировании стен использовали фрески.

3. Интерьеры романского периода. Романский период начинается с X в. и заканчивается в середине XII-XIII вв. (в зависимости от той или иной области Западной Европы). Этот период характеризуется установившимся господством феодальных отношений, возросшим значением католической церкви и прогрессом инженерно-строительной техники. После застоя и упадка раннего средневековья активизируется городская жизнь, возрождаются старые, заброшенные античные города, на пересечении торговых путей возникают новые средневековые города. Происходит развитие отдельных локальных архитектурных школ, имевших свое лицо.

1) Культовые интерьеры Франции. Наиболее крупными архитектурно - художественными школами Франции были школы Прованса, Бургундии, Оверни, Пуату, Перигора, Нормандии. В решении планов церквей сказывалось влияние византийских прототипов.

История развития форм и приемов французской средневековой архитектуры в значительной степени представляет собой «последовательную цепь попыток, направленных к двойной цели: 1) перекрыть базилику сводом, 2) согласовать применение свода с требованиями освещения». В делении романской архитектуры на различные школы отражается характер и степень достижения этой цели в тех или иных областях, а также местные архитектурно-художественные традиции и внешние влияния.

В ПРОВАНСЕ, где сохранилось большое количество галло-римских построек, наиболее заметно античное наследие, которое проявляется в основном в использовании отдельных архитектурных мотивов, обилии скульптурных украшений, заимствованных часто из классических источников, в особенности разнообразных капителей с фигуративными, геометрическими и растительными рельефами. Церкви провансальской школы строились трех- и однонефными. Система перекрытий использовала цилиндрические своды (иногда полуцилиндрические в боковых нефах).

Продолжением античных традиций является и непосредственное покрытие сводов кровлей (отсутствие стропильных конструкций).

ОВЕРНСКАЯ архитектурная школа характеризуется строительством перекрытых сводами церквей, в которых центральный неф лишен освещения, а боковые нефы имеют эмпоры. Почти во всех церквах Оверни используется единая система конструкций: цилиндрическим сводом перекрыт центральный неф, полусводами перекрыты эмпоры, крестовыми сводами - нижние этажи боковых нефов и крипта. На пересечении центрального нефа и трансепта воздвигалась квадратная в своем основании башня-колокольня, которой в интерьере соответствует повышенное и более освещенное (за счет окон в ее стенах) пространство, перекрытое куполом или сомкнутым сводом. Переход от квадрата плана к кругу или многоугольнику осуществлялся при помощи конических парусов.

Романские церкви представляют собой пример гармоничного соответствия внутреннего пространства и внешнего объема. По фасадам церкви можно дать довольно подробную характеристику ее интерьера.

В ПУАТУ и ШАРАНТЕ получили распространение зальные церкви, в которых центральный неф перекрывался цилиндрическим сводом, а боковые одноэтажные нефы почти такие же высокие, как центральный. Они были перекрыты либо крестовыми, либо ползучими полуцилиндрическими сводами, хорошо передающими распор главного свода на наружные стены, усиленные контрфорсами.

Особенностью плана НОРМАНСКИХ церквей является отсутствие обходной галереи с капеллами вокруг алтаря. Секция средокрестия в интерьерах повышалась и имела дополнительное освещение за счет устройства башни с окнами. В ранний романский период сводами перекрывались только боковые нефы, а центральный имел стропильную кровлю.

Наиболее прогрессивной в конструктивном отношении была БУРГУНДСКАЯ архитектурная школа с центром в Клюни.

Бургундские церкви обычно имеют трехнефный план с трансептом, обходом вокруг хора с дополнительными капеллами и повышенным (в большинстве построек) пространством средокрестия за счет установки над ним башни. Крупнейшая из культовых построек бургундской школы Третья церковь Клюнийского аббатства (1089- 1095 гг.) представляла собой пятинефную базилику с двумя трансептами, которые имели собственные абсиды. Над средокрестиями и в ветвях главного трансепта были воздвигнуты башни, которым соответствовали в интерьере сомкнутые восьмигранные своды с тромпами в углах квадрата основания. Нефы и трансепты перекрывались цилиндрическими сводами стрельчатого очертания.

2) Культовые интерьеры Германии. Наиболее оживленной строительной деятельностью в Германии романского периода были охвачены прирейнские области, через которые проходили торговые пути с Востока через Венецию на Запад, и экономически наиболее развитая Саксония. Соответственно сложились и две архитектурные школы Рейнская и Саксонская, которые имели свои особенности. Общим же в этих двух школах были принципы решения плана церквей, которые в отличие от французских базилик имели алтарные абсиды не только на восточном, но и на западном торцах. Главные входы в церковь располагались на боковом длинном фасаде. Наличие двух абсид в противоположных торцах главного нефа часто влекло за собой устройство двух соответствующих трансептов, а также увеличение количества башен, которыми начали обрастать церкви (башни над средокрестиями, в торцах трансептов, башни фланкирующие абсиды). Алтарная часть немецких церквей никогда не имеет обхода вокруг хора с венцом капелл и соответственно того сложного внутреннего пространства, рассчитанного на его восприятие в движении.

В САКСОНИИ техника сводостроения не была развита. Базилики имели плоское балочное перекрытие нефов. Конхой покрывались только алтарные абсиды. Наиболее известными памятниками Саксонской архитектурной школы являются церкви в Гильдесгейме и Гернроде. Церковь Св. Михаила в Гильдесгейме (1010 - 1033 гг.) представляет собой трехнефную базилику с двумя трансептами и алтарями, один из которых имеет три абсиды как завершение соответствующих нефов. Стены центрального нефа лежат на аркаде, которую несут попеременно круглые колонны с капителями и массивные квадратные в плане столбы.

Подпружные арки, отмечающие квадрат средокрестия, выложены из чередующихся темных и светлых каменных квадров. Плоские деревянные потолки были покрыты живописным орнаментальным декором.

В РЕЙНСКОЙ области в X - XI вв. строились огромные (длиной до м.) церкви, в которых центральный неф имел плоское покрытие, а боковые были перекрыты крестовыми сводами. В XII - XIII вв. эти церкви перестраиваются, получая перекрытия центрального нефа в виде крестовых нервюрных сводов. В интерьерах Рейнской школы сформировалась так называемая «связанная система», которая впоследствии стала неотъемлемым приемом раннеготической архитектуры.

3) Культовые интерьеры Италии. Культовая архитектура Италии в X - XII вв. представляет довольно пеструю и неоднородную картину, обусловленную различными социально-экономическими условиями, влияниями, традициями и политическими потрясениями в отдельных ее областях. Многочисленные архитектурные школы этого периода можно свести в несколько основных групп: папскую область с Римом, города Средней Италии, Северную Италию, где можно выделить венецианскую архитектуру, Южную Италию.

В наибольшей степени античные традиции пронизывают архитектуру городов Средней Италии. Тосканские постройки, относящиеся к середине XII века, называют также «проторенессансными» (предренессансными), так как в них предвосхищаются некоторые архитектурные приемы эпохи Возрождения, например, сама центрическая структура плана баптистериев, замена типичных для романского периода арочных проемов на прямоугольные, графическое членение стен при помощи колонн, арок и различных видов облицовок. Во Флоренции и других городах Средней Италии получил развитие т.н. «инкрустационный стиль», широко использовавший в украшении фасадов и интерьеров церквей цветные мраморные инкрустации.

консерватизмом своих форм. В романский период в них продолжает господствовать традиционная раннехристианская базиликальная схема с открытыми стропилами или плоским потолком. Ввиду того, что здесь в V VI вв. уже было построено много храмов, строительная деятельность X - XII вв. носила характер не столько создания новых, сколько реконструкции старых церквей, в интерьеры которых не вносились какие-либо радикальные изменения.

В ЮЖНОЙ ИТАЛИИ, которая находилась до середины XI в. под византийским владычеством, а позднее под властью арабов и норманов, соединились эти три влияния. Все церкви имеют структуру базилики с трансептом, в которой средний неф имеет плоское покрытие, а боковые крестовые своды. Оригинальной чертой ряда церквей являются сильно развитые и богато украшенные интерьеры крипт, иногда они повторяют размеры наземных интерьеров.

Значительное влияние византийского искусства испытывала архитектура СЕВЕРО-ВОСТОЧНОЙ ИТАЛИИ и в первую очередь ВЕНЕЦИИ, ставшей самостоятельной морской державой в IX веке.

Знаменитый венецианский собор Сан Марко (основное строительство XI в.) представляет собой в плане копию не дошедшего до наших дней собора Апостолов в Константинополе (VI в.) - греческий крест, ветви и центр которого перекрыты куполами на пандативах. В XII веке интерьер получил характерную для западноевропейской базиликальной архитектуры продольную направленность благодаря удлинению западной ветви креста и устройству фланкирующих ее боковых нефов.

Культовые интерьеры СЕВЕРНОЙ и СЕВЕРО-ЗАПАДНОЙ ИТАЛИИ ближе по конструктивному и образному решению к французским и немецким церквам. Встречаются приемы перекрытия центрального темного нефа цилиндрическими сводами (наподобие церквей Пуату и Оверни).

4) Жилые и дворцовые интерьеры. Забота о безопасности в период постоянных войн и социальной нестабильности обусловила придание крупному феодальному жилищу крепостного характера. В романский период сложился тип башенного жилого дома (во Франции – донжон), который стал композиционным центром средневекового замка. Такие башни имели толстые стены с небольшим количеством проемов в их нижней части. Первый этаж и подвал обычно занимался кладовой, во втором находилась кухня и помещения для прислуги, на третьем этаже жила семья владельца замка, над ним располагался рыцарский зал, а самый верхний уровень с амбразурами и машикулями предназначался для обороны донжона. Подобная схема дифференциации функций по отдельным этажам иногда нарушалась. Междуэтажные перекрытия делались каменными сводчатыми или балочными деревянными.

На характер интерьеров в замках значительное воздействие оказывал «полукочевой» образ жизни их владельцев, которая протекала в основном на «людях». На протяжении всего романского периода собственные спальные покои могли иметь только довольно важные особы. Большая часть обстановки перевозилась в обозах за господами во время их переездов по своим имениям. Мебели в интерьерах романского периода было относительно немного: сундуки, столы, лавки, стулья, кресла, табуреты, кровати, изредка шкафы. Все эти предметы ставились преимущественно вдоль стен. Наиболее распространенным предметом обихода был сундук, который мог ставиться на ножки и иметь форму ларя с двускатной крышкой.

4. Интерьеры готического периода.

производительные силы феодального общества и различные ремесла получают дальнейшее, более высокое развитие. Средневековое религиозное мышление соседствует с зачатками материализма, реализмом в искусстве и трезвой инженерной логикой. Все это обуславливает рост городов, которые стремятся освободиться от феодальной зависимости. Во Франции и Англии укрепляется королевская власть, опирающаяся в своей борьбе с феодальной раздробленностью на города. В Италии возникают независимые города-республики, в которых ведется интенсивное гражданское и культовое строительство. Развитие конструктивной структуры являлось главным фактором формообразования готических соборов в целом, их отдельных архитектурных деталей, отделки и оборудования интерьеров.

Поиски совершенных конструктивных решений обуславливались необходимостью создания гигантских внутренних пространств, которые должны были вмещать большие массы городского населения. Прогресс архитектуры и искусства в этот период тесно связан также с повышением профессионального уровня строителей и художников, новым принципом их объединения для выполнения крупных монументальных работ.

1) Культовые интерьеры Франции. Франция - родина готической архитектуры, которую в средневековье в других европейских странах называли «строительством на французский лад». Первые готические церкви были построены в Иль де Франсе - домене короля.

Ранние памятники готической архитектуры несут в себе ряд романских черт. В первой готической церкви Парижа Сен-Пьер-деМонмартр (1134 - 1147 гг.) еще сохраняются массивные каменные стены под сводами центрального нефа, в которых пробиты небольшие (как в романский период) окна, имеющие романское полуциркульное завершение.

Изменения в решении планово-пространственной структуры французских церквей в готический период коснулись количества нефов.

Пятинефные базилики являются исключением (Нотр-Дам, собор в Бурже).

Чаще всего количество нефов не превышает трех, а пятинефная часть допускается в хоре (соборы в Амьене, Реймсе, церковь в Сен-Дени). Вход в церковный интерьер осуществляется непосредственно с улицы (нартекс обычно отсутствует).

В трехсотлетнем развитии готической архитектуры определенный путь эволюции прошли все детали конструкции, декора и элементы отделки интерьеров. Опоры в ранней готике обычно имеют вид цилиндрических колонн с капителями, на которые опираются полуколонны, поддерживающие пяты нервюр (количество полуколонн соответствует количеству нервюр). Сечение колонн обычно пропорционально приходящейся на них нагрузке (в том числе количеству нервюр). Поэтому в соборах можно часто видеть чередование различных по толщине колонн. В поздней готике колонки принимают сечение нервюр, а их капители зачастую упраздняются.

Стены в интерьерах большинства французских готических соборов ничем не облицовывались. Их каменная кладка была однородной по всей толщине. Полы готических церквей выполнялись из камня или глазурованных плиток. Встречается мощение из разноцветных мраморных плит (чаще сочетание светло-серого и темного мрамора).

Отсутствие яркой полихромии в отделке стен большинства французских готических церквей компенсировалось витражами, составлявшими главный элемент цветового убранства их интерьеров. Свет, проходя сквозь витражи, окрашивался и, падая на каменные стены, заставлял их вспыхивать разноцветными бликами. Основные членения витражей определяются рисунком каменных переплетов. Ранние готические витражи представляют собой стеклянную мозаику, в которой кусочки стекла, вставленные в свинцовую оправу, образуют общую композицию.

Дорисовывание по стеклу допускалось только в отдельных небольших деталях (руки, лица и т.п.). Витражи XII-XIII вв. отличались яркими цветами и насыщенными тонами. Интенсивный красный и синий цвет фона придавал им особую динамичность и нарядность, однако одновременно скрадывал дневной свет. В конце XIII века с целью лучшего освещения интерьеров цветные фоны витражей начинают заменяться на стекла опалового тона, на которых яркими крупными силуэтами выделяются изображения. В период пламенеющей готики витражи теряют свой яркий полихромный характер. Их рисунок становится более натуралистичным, измельченным и светлым по тону. Для изображения фигур пользуются не столько графикой свинцовой оправы, сколько рисунком краской по стеклу.

Искусственное освещение готических культовых интерьеров осуществлялось в основном при помощи люстр, для подвески которых предусматривались отверстия в замковых камнях нервюр. Люстры решались чаще всего в виде висящего на цепях металлического обруча, к которому крепились чашки для свечей.

Одна из наиболее знаменитых готических построек - собор Богоматери в Париже (основное строительство 1163 - 1250 гг. под руководством Жана де Шелль, Пьера де Шелль, Пьера де Монтрей, перестройка отдельных частей конца XIII – нач. XIV вв.) пятинефная базилика с едва выявленным в плане трансептом (длина 129 м., высота среднего нефа 32 м.). Среди памятников готической архитектуры, созданных за пределами Парижского района, необходимо отметить соборы Шартра, Реймса, Буржа, Амьена, Бовэ. В Шартре, Реймсе и Амьене соборы получают ряд новых общих черт построения плана и соответственно пространства интерьеров. Трансепт отодвигается ближе к центру и включает не один, а три нефа. К востоку от трансепта пространство соборов расширяется до пяти нефов, в связи с чем возрастает композиционное значение средокрестия и алтарной части.

2) Культовые интерьеры Англии. Распространение готической архитектуры в Англии в XIII веке совпадает (как и во Франции) с укреплением королевской власти, ростом городов, развитием торговли и ремесел. Каждый достаточно крупный город стремился построить «на французский манер» новый большой собор или перестроить согласно новым требованиям жизни старый романский. Престиж города часто напрямую связывался с размером и красотой храма.

Хронологическое развитие готики в Англии также принято разделять на три периода - ранний или т.н. «ланцетовидный» стиль (по ланцетовидному очертанию арок и проемов) - XIII в., зрелый или «украшенный» стиль - XIV в. и поздний или «перпендикулярный» стиль - XV в. Каждый из этих периодов имеет свои особенности. Одновременно всем им присущ ряд общих черт, специфических именно для английской готики и отличающих ее от архитектуры того времени в других странах.

В течение ранней и «украшенной» готики конструкция сводов сохраняет свою каркасную тектоническую основу (нервюрный скелет и его заполнение лотками). В XV веке нервюры начинают включаться в массив кладки свода, превращаясь в его скульптурное украшение. В конце XV века появляются воронкообразные своды, где о конструктивных нервюрах в тромпах напоминает только орнаментальная профилировка их поверхности (например, в капелле Генриха VII в Вестминстере).

Среди памятников готической архитектуры Англии следующие сооружения: собор в Дареме (1130- 33 гг.), Кентерберийский собор, собор в Уэллсе (1180- 1345гг.), собор Вестминстерского аббатства (середина XIII начало XVI вв.) 3) Культовые интерьеры Германии и Австрии. Распространение готической архитектуры в Германии запаздывало по отношению не только к Франции, но и к Англии, что связано с большей властью феодалов и более медленными темпами развития городов, ремесел и торговли. Ранние готические церкви здесь появились в первой половине XIII века, хотя отдельные приемы готической конструкции (нервюрные своды, стрельчатые арки) вводились еще в XII в перестраиваемых романских храмах Рейнской архитектурной школы. Рождение и развитие готической архитектуры в Германии проходило под сильным влиянием Франции, которое наслаивалось на местные романские традиции. Особенно заметно это влияние в постройках Рейнской области.

В Северной Германии получила распространение «кирпичная готика», почти не встречающаяся во Франции и в Англии. Типично немецкой чертой церковных построек являются базилики, западный фасад которых имеет не две башни, соответствующие боковым нефам, а одну высокую и ажурную башню, в центре, причем «роза» в западном торце центрального нефа часто заменяется стрельчатым окном (например, соборы в Фрейбурге 1260-1350 гг., Ульме XIV—XVI вв.).

Влияние французской архитектуры больше всего проявилось при строительстве собора Санкт-Петер в Кёльне (1248 - 1880 гг.). За образец для подражания был взят Амьенский собор, план которого повторен в хоре собора в Кёльне (пятинефная алтарная часть, деамбулаторий с венцом капелл, трехнефный трансепт). Западная часть собора также пятинефная (вместо трех нефов в Амьене). При общей сходности структуры интерьеры Кёльнского и Амьенского соборов отличаются своими пропорциями.

4) Культовые интерьеры Италии. В Италии, несмотря на благоприятные социально-экономические факторы (интенсивное развитие городов, их независимость от феодалов, расцвет ремесел и торговли), готическая архитектура была явлением чужеродным. Еще в XII веке в Италии строились проторенессансные культовые здания. Готика внедрялась исключительно как дань моде, причем далеко не повсеместно. Наибольшее количество памятников находится в Северной Италии и Тоскане. Яркой национальной самобытностью отличаются венецианские постройки, где ажурные готические формы живописно сочетаются с традиционной для Италии нарядной полихромной облицовкой. В Риме готических памятников почти нет.

Система «нервюры – аркбутан - контрфорс», рассматриваемая часто как определяющая черта готики, встречается только в отдельных постройках преимущественно в Северной Италии. Отсутствует стремление последовательного развития культовых интерьеров в высоту, свойственный готике вертикализм линий нивелируется горизонтальными членениями и облицовочными цветными рядами. Традиционными приемами здесь оставались облицовка «черновой» конструктивной кладки мрамором, большие плоскости стен, раздельность скульптуры с тектоническими элементами.

Одной из отличительных черт готических интерьеров Италии является использование в них фресковых росписей, которых за редким исключением лишены церкви Франции и Англии. Росписи в церквах Санта Кроче во Флоренции, Санта Мария Новелла и других представляют собой произведения проторенессанса - как бы связующего звена между античностью и культурой эпохи Возрождения.

5)Светские интерьеры. Прогресс в социально-экономической сфере, рост городов, развитие торговли, ремесел и техники в период готики вызвали значительные изменения в характере гражданской архитектуры.

Вместе с тем новые художественные и конструктивные приемы во многих случаях как бы наслаивались на сложившиеся в романский период композиционные схемы и принципы организации жизненной среды.

Особенно сильные традиции романского периода, связанные с оборонительной функцией, проявлялись при строительстве феодальных жилищ. Готические замки также, как и романские, решаются в виде фортификационных сооружений, используя для этой цели рельеф местности, естественные и искусственные водоемы, крепостные стены, подъемные мосты. Большинство западноевропейских средневековых замков имеет неправильную планировку, отражающую особенности природного ландшафта или урбанистического окружения. Взаимосвязь отдельных интерьеров основывалась на приемах асимметрии и отсутствия анфилад (оси дверей почти никогда не совпадают). Редкостью являются лестницы с прямыми маршами. Как правило, они - винтовые и выносятся в отдельные башни или эркеры. Из готической конструктивной системы, родившейся в церковном строительстве, гражданская архитектура переняла в основном тип перекрытия в виде нервюрных сводов, а также стилистику форм и архитектурный декор, который стал излюбленным мотивом также в декоративно-прикладном искусстве и мебели.

Парадные интерьеры средневековых замков имели довольно разнообразную палитру их отделки и оборудования. В отдельных случаях стены представляли собой простую каменную кладку, на которую вешались шпалеры, декоративные ткани (иногда расписанные кистью), оружие, охотничьи трофеи, а также флаги и геральдические щиты. Такой тип декора практиковался особенно часто в замках, где хозяева жили не постоянно, а приезжали время от времени и где предпочтительными были «мобильные» элементы убранства, которые можно было положить в сундук и увезти с собой в другую пустовавшую резиденцию, быстро преображавшуюся при помощи этих предметов.

Стены покрывались побелкой (толченый мел, вода), оштукатуривались (известь, песок или жженый гипс), а также покрывались темперной покраской. Росписи по штукатурке иногда были фигуративными (чаще всего в виде фриза в верхней части стены с историческими и религиозными сюжетами, сценами из рыцарских поэм, придворной жизни, изображениями охоты). Городские жилые дома представляют фахверковые, каменные (преимущественно в Южной Европе) или смешанные (с каменным цоколем и верхними фахверковыми этажами) постройки. Обычно на первом этаже располагалась лавка или мастерская, выходящие на улицу. Во втором этаже - большая комната, а в третьем - спальни. Во дворе находились туалеты, сараи, колодец и иногда кухня.

Мебель в готических интерьерах обычно расставлялась вдоль стен (за исключением столов). В типологическом отношении готическая мебель принципиально не отличается от романской. В жилых, деловых и парадных интерьерах использовались кресла, стулья, табуреты, лавки, кровати, столы (причем не только обеденные, но и специальные письменные). Главным предметом корпусной мебели продолжает оставаться сундук, вместе с тем большее распространение получают шкафы, а также появляются новые типы столовой мебели - буфеты и дрессуары.

Тема 10 (2 часа). Интерьеры Возрождения (Ренессанса).

1. Общие положения. Периодизация.

2. Ренессанс в Италии 3. Ренессанс во Франции 1) Переходный стиль (Стиль Людовика XII) 2) Ранний Ренессанс (Стиль Франциска I) 3) Зрелый Ренессанс (Стиль Генриха II) 4) Поздний Ренессанс (Стиль Генриха IV) 4. Ренессанс в Голландии и Англии 5. Ренессанс в Германии и Испании 1. В европейском возрождении выделяют следующие периоды:

1) Проторенессанс (Предвозрождение) – XIII в.

4) Позднее Возрождение (Маньеризм) – 2-я ч. XVI – к. XVI в.

Новое художественное мировоззрение. В начале XV в. в Италии (в Тоскане), где наследие античности никогда полностью не исчезало, возникает новое явление в искусстве - ренессанс, в более узком смысле слова - возрождение античного искусства. В XV в. ренессанс постепенно распространяется по всей Италии. Для него характерно наличие местных различий, поэтому во Франции он иной, чем в Венеции или в Риме. Еще в большей степени местные отличительные черты проявляются в XVI в., когда ренессанс распространяется по всей Европе.

Архитектура занимает ведущее место в ренессансном художественном творчестве. В этот период возводятся сооружения, масштабной мерой которых становится человек. Существенно изменяется характер монументальной архитектуры, и в отличие от вертикализма пространств, соответствовавшего мировоззрению средневековья, новые формы развиваются в ширину. Архитектура характеризуется простотой и спокойствием объемов, форм и ритма.

Кроме традиционных строительных материалов в период Ренессанса используются и некоторые новые. Традиционный камень в основном в ранний период применяется в виде каменных блоков, обработанных различными способами. Он используется и в конструкциях, и в элементах оформления. Все более важным материалом становятся строительные растворы. Практически Ренессанс - период наступления штукатурки в архитектуре. Раствор используется не только в кладке, но и в виде гладкой штукатурки, сграффито, руста и для создания некоторых других архитектурных элементов.

В XVI в. чаще, чем настенная живопись, в убранстве интерьеров используются лепные украшения, вначале белые, а впоследствии тонированные и золотые. В значительном количестве применяется железо, особенно в качестве конструктивных деталей, обеспечивающих жесткость с помощью тяг и затяжек.

Конструктивное решение сводов и куполов остается основной технической и художественной задачей. Популярны глухие своды и купола, оставляющие много места для росписей. При возведении сводов использовался как античный, так и средневековый опыт. Образцом для подражания считался римский Пантеон. Часто используется купол на парусах, известный уже раньше (например, храм св. Софии), однако новым становится включение в систему высокого барабана, промежуточного цилиндрического элемента, вставляемого между парусами и куполом.

2. Ренессанс в Италии. Начальный период Ренессанса в Италии. Здесь длительное время оставались живы античные традиции. Готика не прижилась. Во многих средневековых готических постройках столько античных элементов, что можно говорить уже тогда о так называемом предренессансе. Примером может служить собор во Флоренции, строительство которого началось еще в 1296 г., а завершено было в 1436 г. Ф.

Брунеллески в духе уже ренессансных представлений.

Всю историю развития нового стиля в течение XV-XVI вв. можно разделить на три основных периода. 1420-1500 гг. - это период раннего Ренессанса. Ведущим архитектором этого периода был Ф. Брунеллески, а основным центром - Флоренция. Далее следует период расцвета Ренессанса (начиная с 1500 г.) Ведущим архитектором становится Д. Браманте, а центр перемещается в Рим. Последний и по времени относительно короткий период относится к позднему Ренессансу (1540-1580). Ведущим архитектором этого времени стал скульптор и живописец Микеланджело Буонаротти (1475 Характерно, что первым ренессансным произведением была не церковная, а гражданская постройка. Это здание флорентийского Воспитательного дома, спроектированное Ф. Брунеллески в 1421 г. По своей архитектуре оно полностью отличается от предшествующих готических построек. Здание имеет горизонтальную композицию, с легкой аркадой на колоннах, которая с тех пор становится наиболее популярным архитектурным приемом.

Идеальным по композиционной и функциональной организации считается центрическое пространство, развивающееся от простого квадрата через многоугольный, круглый и крестообразный планы к сложным пространственным образованиям типа собора св. Петра в Риме. Куб и шар, которые представляли в античности композиционную вершину, снова «открыты» ренессансом. В начале всего пути развития находится имеющая квадратный план ризница церкви Сан Лоренцо (1420-1429), созданная Ф.

Брунеллески. Купол с двадцатью ребрами переходит через круглое основание барабана с помощью парусов в квадрат плана.

Для этого раннего периода Ренессанса характерны поиски и эксперименты. Брунеллески, которого называют автором нового стиля, в своих работах отходит от подражания античным решениям, тогда как теоретик архитектуры Л. Б. Альберти (1404 - 1472) в своих проектах, напротив, в большей степени ориентируется на античные образцы. В первой половине XV в. во Флоренции строится палаццо Ручеллаи (заложен в г.), где Альберти, впервые реализовал на фасаде строгий архитектурный ордер, введя в него и пилястры, и общую структуру стены.

В развитии ренессансной архитектуры первоочередной задачей является строительство дворцов для старой и новой торговой аристократии.

Городские дворцы вначале имели вид крепостей, так как выполняли и оборонительные функции. Их общим признаком была простота композиции, мощный руст стен, последовательное разделение этажей карнизами. По существу, можно говорить о едином блоке, имеющем горизонтальное членение. Верхняя часть завершалась особенно сильным карнизом, иногда значительно выступающим (палаццо Питти во Флоренции, 1458 г.; палаццо Строцци, 1489 г.; палаццо Гонди, 1490 г.). К раннему периоду относится и палаццо Кводани во Флоренции, последний из ренессансных дворцов, несущий следы готики.

Период расцвета и поздний Ренессанс. Папа Юлий II пригласил в Рим лучших художников Италии. Ведущее место среди них в этот период занимал Д. Браманте (1444 - 1514). Свою деятельность он начал небольшим центричным в плане храмом Темпьетто во дворе церкви Сан Пьетро ин Монторио в Риме (1502), с которого открывается новый период развития Ренессанса. Самой большой задачей, которую ему пришлось решать, стал проект собора св. Петра в Риме, который должен был быть возведен на месте старохристианской базилики. Основу предложенной Браманте композиции составлял равносторонний крест с огромными апсидами на концах. Между образующими крест пространствами размещались центричные в плане меньшие пространства. Снаружи здание выглядело как куб с выступающими ризалитами апсид. После Браманте строительство возглавил его ученик, знаменитый художник Рафаэль Санти (1483-1520), который пытался решить проблему взаимного отношения живописи, скульптуры и архитектуры. К наиболее значительным реализованным его постройкам относится палаццо Пандольфини во Флоренции (около 1544 г.), а также вилла Мадама, летняя резиденция кардинала Джулио Медичи.

Строительство собора св. Петра после Рафаэля продолжил Антонио ди Сангалло.

Поздний Ренессанс. Период позднего Ренессанса представлен произведениями Микеланджело (1475-1564), Палладио (1518- 1580) и Виньолы (1507-1573). В 1546 г. Микеланджело принимается за достройку храма св. Петра. Он создает совершенно новую планировку, изготовляет макет сооружения, в соответствии с которым строительство продолжалось и после смерти мастера. Микеланджело уменьшил общую площадь застройки, отказался от угловых башен и от второстепенных купольных пространств. Принцип членения внутренних стен пилястрами он переносит наружу, чем достигает полного сходства внутреннего и внешнего пространства. Кардинальное изменение плана не обошлось без трудностей и возражений, однако центральное купольное пространство получило большую композиционную значимость. Микеланджело предложил двухслойный купол с конструктивным решением обеспечения его жесткости, которое заключалось в том, что в обод над барабаном были заложены массивные цепи. Строительство собора св. Петра продолжил Д. Б.

Виньола, помощник Микеланджело.

А. Палладио (1518-1580), творчеством которого завершается период позднего Ренессанса, работал в основном в Виченце, создав здесь, в частности, легкое и воздушное здание базилики. В ее аркаде осуществлена комбинация архитрава и архивольта, чрезвычайно облегчившая впечатление от стены. Свои принципы Палладио еще в большей степени реализовал в палаццо Кьерегати (строительство началось в 1551 г.), который позднее стал примером для многих сооружений раннего барокко. Из остальных его построек значительными являются вилла Ротонда (заложена в 1553 г.) и театр Олимпико, строительство которого в Виченце было начато в 1555 г. и завершено архитектором Скамоцци в 1585 г.

Период позднего итальянского Ренессанса заложил основы для совершенно нового направления в искусстве - стиля барокко в обоих его проявлениях - как динамическом (Микеланджело), так и классическом (Виньола).

Марьеризм. Мастерское владение техникой, совершенство форм, тонкое выполнение деталей и рафинированность характерны для этого периода. Название происходит от слова «манера», первоначально обозначающего стиль формально совершенный, но холодный.

В основном при этом имеется в виду творчество молодых художников (А. Бронзино, Я. Понтормо), скульпторов и архитекторов (Б. Перуцци и А. да Сангалло), искусство которых возникло в Риме как реакция на предшествующую творческую направленность. Элементы их творческого проявления были или переняты из работ Микеланджело, или инспирированы его творчеством.

В Италии предметы обстановки вначале немногочисленны и размещаются большей частью вдоль стен. Среди предметов на первом месте по важности - кровать. Их делали высокими, с приступкой и балдахином или задергивающимися занавесками, с высоко приподнятым изголовьем. На дощатый настил клали матрац или тюфяк. Второй после кровати предмет обстановки – сундук - кассоне. Он служил для хранения и перевозки вещей, а также как скамья и как свадебный сундук. Кассоне богато украшались резьбой, инкрустацией и росписью. На базе кассоне развивается предок дивана – касса - панка, ларь-скамья со спинкой и локотниками. Спинка ее часто делалась высокой, иногда даже с навесом.

Ящик под подъемным сиденьем нередко использовался для хранения денег и драгоценностей. Новыми видами мебели были посудный шкаф и секретер. Первый представлял собой нечто среднее между сундуком и развитой формой шкафа.

Достаточно разнообразна мебель для сидения. Простой по конструкции стул - на трех наклонных ножках и с высокой спинкой. Простой по конструкции стул из трех досок поражает богатством резьбы. Еще один простой стул - на четырех ножках и также богато декорирован резьбой. На его основе было создано кресло с сиденьем и спинкой, обитыми кожей. С появлением этого кресла возродилась мягкая мебель. Не вышло из употребления и курульное кресло.

3. Ренессанс во Франции. В течение XVI в. ренессанс быстро распространяется во Франции, где становится, однако, придворным стилем. В ранний период здесь кроме значительных замков на Луаре (Блуа, Шамбор), строятся и дома аристократов, которые по примеру королевских оформляются в новом стиле, возводятся общественные здания, а крепости перестраиваются в замки. Замок в плане был, как правило, прямоугольным с центральным двором, с башнями по углам и часто с выносными лестницами в виде башен.

Дома горожан в основном сохраняют готический характер. Для французского ренессанса характерно использование очень высоких крыш, живописных мотивов чердачных окон, высоких труб и винтовых лестниц, решенных в виде отдельно стоящих башен.

В первой половине XVI в., в период расцвета ренессанса, Париж становится художественным центром Франции. Здесь изучаются работы теоретиков, архитекторы из своих поездок в Италию приносят новые идеи.

Общая архитектурная концепция отличается регулярностью, уравновешенностью и умеренностью в пропорциях и украшениях. Замки сооружаются на основе строго осевой композиции, всегда с парадным двором. Развитие архитектуры замков достигает своей вершины в XVII в.

Особенно значительным является сооружение нового королевского дворца, Лувра, архитектором П. Леско (1515-1578), работа которого заложила основу национальной французской архитектуры «ренессансного классицизма», который просуществовал с конца XVI в. до первой четверти XVIII в. Во Франции стиль Возрождения можно разделить, придерживаясь периодизации «по королям», на четыре этапа: переходный стиль (Людовик XII, 1498-1515); ранний ренессанс (Франциск I, 1515-1547); зрелый ренессанс (Генрих II, 1547-1559); поздний ренессанс (Генрих IV, 1589-1610).

В переходном стиле тон задают готические формы, а новый стиль затрагивает лишь орнамент, который сосуществует с готикой без всякой органической связи. Из приемов декорирования преобладает богатая резьба.

Другие техники появятся позднее. Интарсия начнет осваиваться лишь в последней трети XVI в.

Из мебели наряду с разнообразными нарядными сундуками появляются новые виды изделий: дрессуар - посудный шкаф (поставец), развившийся из сундука, поставленного на стойки, двухкорпусный шкаф, первые варианты кабинета. Наиболее распространенными видами мебели для сидения были дощатое кресло с высокой спинкой, кресла с точеными ножками, с резными спинками. В жилом интерьере важное место отводится кровати. В этот период в кругах аристократии был обычай принимать гостей, лежа в кровати, поэтому она должна была быть парадной и представительной. Она решается как архитектурное сооружение, оформляется колоннами, балдахином, головным щитом резной работы. Опорные части столов решались в виде колонок, балясин и аркад.

4. Ренессанс в Голландии и Англии. В Нидерландах в конце XVI в.

складывается своеобразный стиль, влияние которого в некоторых моментах чувствуется во всей Европе. Здесь часто используется комбинация кирпича и камня. При этом в камне выполняются различные архитектурные детали сложной формы. Сочетание лицевой кладки стены с каменными элементами архитектурного оформления придает зданиям живописный характер.

В Голландии ренессансная мебель ориентируется на итальянскую школу. Мебельные формы умеренные по декору, сравнительно просты и удобны. Наиболее распространенные элементы оформления - члененные филенки, профилированные карнизы, арки, балясины, каннелированные пилястры, медальоны, ажурная резьба. Позднее появляется интарсия, а с ней и новые мотивы украшения: цветы в вазе, птицы, бабочки и т.д.

В Англии готика господствовала очень долго, до первой половины XVI столетия. Позднее ренессанс проявляется только в декоре, при этом общая схема сооружения остается готической. Так строились и поместья аристократов, и общежития английских университетов (Тринити Колледж в Кембрижде). Классическая ренессансная форма появляется здесь только в начале XVII в.

В Англии мебельное искусство длительное время развивалось в основном под влиянием голландского и французского. Вначале самыми совершенными творениями столярного искусства были деревянные панели, которыми обшивались стены покоев феодалов, а мебель была еще громоздкой. Наибольшее распространение имели столы с точеными ножками, кресла с высокой спинкой, сундуки, кабинеты.

Следующий период Возрождения охватывает почти весь XVII в.

Конструкции облегчаются. Изготавливаются шкафы, из употребления не вышли сундуки. Столы, стулья, кресла почти во всех случаях имеют точеные ножки. Изготавливается стол с раздвижными ножками и опускающимися полукрышками - прототип современного стола - книги. Известен столкресло, у которого откидная столешница в вертикальном положении выполняет функцию спинки.

5. Ренессанс в Германии и Испании. В южные области Германии ренессанс проникает из Италии (Нюрнберг, Аугсбург), в среднюю и западную части Германии - из Франции и Нидерландов (Кельн). В новом ренессансном стиле в XVI в. здесь строятся ратуши, жилые дома, торговые сооружения.

В Германии Возрождение делится на два этапа: ранний (до середины XVI в.) и поздний (до 70-х гг. XVII в.). Распространению нового стиля содействовали рисунки образцовых предметов мебели так называемых малых мастеров, среди которых наиболее известным был Петер Флетнер.

Немецкая мебель более живописная и не связана так с античной, как итальянская. Процесс вытеснения готических форм шел медленно. Вначале складывался переходный стиль. Новое давало себя знать сначала в декоре, а затем в конструкции. Массивные формы оказались живучими: готическая, конструкция покрывалась ренессансным декором.

В Испании в результате объединения элементов мавританской, готической и ренессансной архитектур возникает своеобразный стиль стиль платереско», отличающийся богатством декора (кафедральный собор в Саламанке). Итальянское влияние чувствуется в построенном во второй половине XVI в. Эскориале, сооружении, являвшемся одновременно дворцом короля Филиппа II, монастырем и гробницей короля. Это огромная постройка с 16 внутренними дворами.

В мебельном искусстве Испании оставались сильными традиции высокоразвитого арабо - мавританского искусства, но на поздних этапах сказалось и влияние Италии и Франции. В кроватях и других изделиях каркасной конструкции широко использовали красивые по рисунку точеные детали. В изделиях для сидения спинки и сиденья обтягивались кожей, по которой выполнялось тиснение или гравировка. Для обивки применялись декоративные гвозди с большими медными шляпками. В декорировании популярной была техника инкрустации, а наиболее излюбленным орнаментом была арабеска.

В целом Ренессанс означал не просто смену художественных вкусов, а принес во все области жизни глубокие перемены, которые на этапе развертывания капиталистических отношений дали себя знать повсюду.

Тема 11 (4 часа). Интерьеры XVII века. Италия, Франция, Голландия, Германия.

1. Общие положения. Периодизация.

2. Барокко в Италии 3. Барокко во Франции 1) Раннее барокко (Стиль Людовика XIII) 2) Зрелое Барокко (Стиль Людовика XIV) 4. Барокко в Голландии 5. Барокко в Германии и Англии 1. Общие положения. Периодизация. В XVI в. в странах Западной Европы происходило разложение феодализма и зарождение капитализма.

Дальнейшее развитие культуры и науки тормозила церковь. Все это вызвало обострение классовой борьбы. В Западной Европе началась Реформация, которая вылилась в широкое движение буржуазии и народных масс против феодализма и его главной идеологической опоры - католической церкви.

Отживший класс феодалов стремился сохранить в своих руках власть, поэтому укреплял государство. В это время во многих европейских странах утвердилась абсолютная монархия. Во Франции низвержение монархии произойдет только в конце: XVIII в.

В условиях абсолютизма все подчиняется централизованной власти, личность перестает быть свободной. Происходит своеобразная унификация многих сторон жизни. В придворную жизнь аристократии входят пышные расшитые одежды, парики, вычурность манер, неестественность поз, движений и т.п. Во всем поведении и быте творится нечто театральное.

Развитие экономики содействует развитию городов. Возводятся доходные дома, строятся роскошные дворцы, призванные символизировать власть абсолютного монарха.

Барокко - это искусство ансамблевых решений, которое наиболее полно выразилось в архитектуре. Впервые архитектурные формы нового стиля появились в произведениях итальянских мастеров позднего Возрождения. Поставленные на службу крупной феодальной знати богатые, пышные итальянские интерьеры не имели себе равных. Наибольшего расцвета итальянское барокко достигло в первой половине XVII в.

Основные элементы барокко восходят к античности. Его отличает повышенная динамичность композиции, контрасты масштабов, материалов и фактур, цветовые эффекты, беспокойный ритм кривых линий, напряженность, динамичность образов, стремление к величию и пышности, к совмещению реальности и иллюзии, к слиянию искусств. Пышные формы находят широкое применение в архитектуре и интерьере храмов и монастырей, поэтому новый стиль пришелся по вкусу иезуитам и барокко иногда называют «стилем иезуитов». Церковь стремится воздействовать на верующих средствами светского искусства -богатством формы и материала, цветом, музыкой, пафосом красноречия.

Интерьеру барокко присущи яркие краски, обилие позолоты, богатая игра света и тени. Сложное внутреннее пространство храма зрительно увеличивалось живописными плафонами. Обилие изогнутых карнизов, ниш, выступов, сложные очертания стен усиливали впечатление напряженности.