«А.Г. Кузнецов ТВОРЦЫ И ИНТЕРПРЕТАТОРЫ ОЧЕРКИ О КИРГИЗСКИХ МУЗЫКАНТАХ Бишкек 2009 УДК 78 ББК 85.313(2Ки)7 К 89 Ответственный редактор – заслуженный деятель культуры Киргизской Республики, кандидат искусствоведения Е.С. ...»

КЫРГЫЗСКО-РОССИЙСКИЙ СЛАВЯНСКИЙ УНИВЕРСИТЕТ

ИНСТИТУТ МИРОВОЙ КУЛЬТУРЫ

Кафедра истории и культурологии

Кафедра мировых языков

А.Г. Кузнецов

ТВОРЦЫ И ИНТЕРПРЕТАТОРЫ

ОЧЕРКИ О КИРГИЗСКИХ МУЗЫКАНТАХ

Бишкек 2009

УДК 78

ББК 85.313(2Ки)7

К 89

Ответственный редактор – заслуженный деятель культуры Киргизской Республики, кандидат искусствоведения Е.С. Лузанова.

Рецензенты:

заслуженный деятель культуры Киргизской Республики, доцент К.Ш. Асанбаев, канд. филос. наук, доцент Н.В. Кумскова.

Рекомендовано к изданию кафедрой культурологии КРСУ.

Кузнецов А.Г.

К 89 ТВОРЦЫ И ИНТЕРПРЕТАТОРЫ: Очерки о киргизских музыкантах. – Бишкек: Изд-во КРСУ, 2009. – 343 с.

ISBN 978–9967–05–569– Монография написана в форме очерков, посвященных жизни и творчеству видных представителей музыкальной культуры Киргизстана – композиторов, певцов, исполнителей-инструменталистов. Ее автор – заслуженный деятель культуры Киргизской Республики, доцент кафедры мировых языков КРСУ А.Г. Кузнецов – в течение многих лет занимается исследованием современной музыкальной культуры. Его перу принадлежат монографии «Булат Минжилкиев», «Сайра Киизбаева», «Марьям Махмутова», «Музыка и мысль», «Из истории американской музыки», около 400 научных и научно-полулярных статей. Рассказ о жизненном и творческом пути деятелей киргизского искусства ведется на фоне панорамы музыкальной жизни республики. Книга адресована широкому кругу читателей.

К 4905000000–09 УДК ББК 85.313(2Ки) ISBN 978–9967–05–569-8 © А.Г. Кузнецов,

СОДЕРЖАНИЕ

Творцы как они есть

От автора

Часть I. КОМПОЗИТОРЫ

Абдылас Малдыбаев

Михаил Раухвергер

Джумамудун Шералиев

Мукаш Абдраев

Сейдалы Медетов

Таштан Эрматов

Калый Молдобасанов

Насыр Давлесов

Алтынбек Джаныбеков

Сатылган Осмонов

Владимир Роман

Эсенгул Джумабаев

Михаил Бурштин

Акимжан Жээнбай

Жылдыз Малдыбаева

Кенжегазы Асанбаев

Сталбек Бактыгулов

Муратбек Бегалиев

Каныкей Эралиева

Часть II. ПЕВЦЫ

Сайра Киизбаева

Николай Рузавин

Марьям Махмутова

Кыдырбек Чодронов

Салима Бекмуратова

Сейдахмат Токтоналиев

Ирина Деркембаева

Артык Мырзабаев

Гульхан Сатаева

Марлен Темирбеков

Кайыргуль Сартбаева

Токтоналы Сейталиев

Владимир Муковников

Хусейн Мухтаров

Булат Минжилкиев

Эсенбюбю Молдокулова

Дарика Джалгасынова

Эркин Касымов

Наринэ Акрамова

Анарбек Ибраев

Сайрагуль Чоткараева

Эсенбюбю Нурманбетова

Каримберды Турапов

Нестан Алишерова

Часть III. МУЗЫКАНТЫ РАЗНЫХ СПЕЦИАЛЬНОСТЕЙ

Мураталы Куренкеев

Алымкул Усенбаев

Борис Костромитинов

Ростислав Миронович

Валентин Масленников

Николай Власенко

Роберт Уразгильдеев

Самарбюбю Токтакунова

Зайтуна Нарынбаева

Литература

Уважаемый читатель, перед Вами новая монография одного из видных музыковедов и культурологов нашей страны – заслуженного деятеля культуры Киргизской Республики, доцента кафедры мировых языков Киргизско-Российского Славянского университета А.Г. Кузнецова, который в течение многих лет занимается исследованием современной музыкальной культуры.

Надо сказать, что автор предисловия здесь во многом пристрастен, ибо испытывает к уважаемому Андрею Георгиевичу особый пиетет по нескольким причинам. Во-первых, как к своему наставнику-педагогу, который преподал в далекие 70-е годы первые уроки академической нравственности, ценность коих, преодолев тусклые 90-е и бурные 2000-е, не поблекла до сих пор. Во-вторых, как к истинному интеллигенту в нескольких поколениях этой уважаемой фамилии, корни которой уходят в «серебряный» и «золотой» века русской истории. В-третьих, как к подлинному энтузиасту развития киргизской (читай – родной) культуры XX–XXI веков, когда древнее и современное в непростых, но перспективных формах дает свои уникальные результаты.

Поэтому, представляя данную книгу Вам, уважаемый читатель, довольно трудно оставаться беспристрастным, но, по нашему глубокому убеждению, это и не входит в обязанности рецензента данного типа литературы, которая всегда была у нас в дефиците – литературы о творцах искусства.

Дело в том, что все, выходящее из-под пера Андрея Георгиевича Кузнецова, отличается не только актуальностью, но и высокой культурой мысли и литературного изложения. Свою задачу мы видим в обозначении основных содержательных принципов монографии, на которые, на наш взгляд, следует, в частности, обратить внимание и Вам, читатель.

Перу А.Г. Кузнецова-музыковеда принадлежат монографии «Булат Минжилкиев», «Сайра Киизбаева», «Марьям Махмутова», «Музыка и мысль», «Из истории американской музыки», целый ряд учебных пособий, около 400 научных и научно-популярных статей. Все, о чем он пишет, ему досконально известно как непосредственному участнику и летописцу эпохи, охватывающей более пятидесяти лет, прожитых в гуще событий мировой культуры, искусства и образования.

Таким образом, на трудах А.Г. Кузнецова лежит не только некий «знак качества», но и отпечаток его собственной личности – мудрого аналитика, страстного пропагандиста (в хорошем смысле этого слова) достижений современной художественной культуры, вдумчивого эксперта, наконец, учителя по призванию и опытнейшего педагога, который, помимо всего прочего, думает о том, кто и как понесет эти исследовательские и просветительские традиции дальше.

Монография «Творцы и интерпретаторы» написана в форме очерков, посвященных жизни и творчеству видных представителей музыкальной культуры Киргизстана – композиторов, певцов, исполнителей-инструменталистов. Рассказ о жизненном и творческом пути деятелей музыкального театра, «звезд» исполнительского искусства и авторов оперных и песенных «хитов» ведется на фоне панорамы культурной жизни страны, которая отличается, несмотря на всяческие «транзиты» и «кризисы», особой активностью и уникальной самобытностью. Здесь следует отметить, что А.Г. Кузнецов останавливается только на признанных именах, открывая новые страницы их биографии и заглядывая в недра творческой лаборатории.

О последнем следует сказать особо, так как Андрей Георгиевич имеет такое счастливое и ценное для музыкального писателя качество, как честные и доверительные отношения как с убеленными сединами патриархами (к сожалению, многих из них уже нет с нами), с достойными мэтрами нашей культуры и просто с талантливыми людьми. Отсюда и та неповторимая «кузнецовская» интонация – философская и творческая, которая окрашивает все тексты автора этой книги.

Монография адресована широкому кругу читателей, однако, на наш взгляд, она будет наиболее ценным источником фактической и эмоциональной информации прежде всего для молодых – независимо от рода занятий. И уже в этом, на наш взгляд, заключается важнейший ее творческий посыл.

Екатерина Лузанова, кандидат искусствоведения, заслуженный деятель культуры Киргизской Республики, отличник образования Киргизской Республики Мысль о создании книги очерков жизни и творчества видных деятелей киргизского музыкального искусства владела автором в течение многих лет, но осуществить задуманное удалось лишь сейчас. Свои первые статьи о музыкантах республики автор написал еще в конце 70-х годов. Позже, в 80-е годы, появилась целая серия очерков и музыкальных радиопередач о наиболее известных в республике и за ее пределами певцах, композиторах, дирижерах, музыкантах разных специальностей. Эти очерки были опубликованы в центральной и республиканской печати, звучали в передачах первого канала национального радио. В начале 90-х годов автором были написаны три монографии о выдающихся киргизских певцах – Булате Минжилкиеве, Сайре Киизбаевой, Марьям Махмутовой, которые давно уже стали библиографической редкостью. Причины, побуждавшие автора писать о том или ином композиторе, певце, артисте, были самые разные (юбилейная дата, успешное выступление в спектакле или на концерте, победа на конкурсе, получение почетного звания и т.п.).

Долгие годы совместной работы, дружбы и общения со многими замечательными представителями киргизской музыкальной культуры послужили стимулом к созданию этой книги. Ее основу составили названные выше очерки, радиопередачи и фрагменты из монографий, которые подверглись значительной переработке и переосмыслению, были дополнены новым материалом, а в некоторых случаях и заново переписаны. Более десяти очерков написано специально к настоящему изданию. Всего в книгу вошло пятьдесят два творческих портрета, которые составили три части книги: «Композиторы», «Певцы», «Музыканты разных специальностей». В основном они посвящены представителям старшего и среднего поколений, преимущественно народным артистам Советского Союза и Киргизской Республики, творческая и исполнительская деятельность которых охватывала период с 30-х годов прошлого века по настоящее время.

Данное издание не претендует на полноту изложения материала – это не антология, а лишь сборник написанных в разные годы очерков. Естественно, в него вошли далеко не все деятели национального музыкального искусства, которые, несомненно, того заслуживают. Автор надеется продолжить работу в данном направлении и восполнить недостающее.

Автор выражает искреннюю благодарность доктору искусствоведения, профессору Дж.Т. Уметалиевой, побудившей его к работе над книгой, а также коллегам, друзьям и всем тем, кто в той или иной мере содействовал и помогал ему.

КОМПОЗИТОРЫ

Историю киргизского профессионального музыкального искусства трудно представить без деятельности Союза композиторов республики. Почти все крупные события в музыкальной жизни страны в той или иной степени связаны с этой творческой организацией. Созданный постановлением Совнаркома Киргизской ССР в октябре 1939 года, Союз композиторов с самых первых дней своего существования активно включился в сложный процесс культурного строительства молодой республики.

Этому событию предшествовали и другие не менее важные начинания, заложившие основу и определившие дальнейшие пути развития национального искусства. Тремя годами раньше, в 1936 году, были образованы музыкально-драматический театр, национальная филармония, оркестр народных инструментов, началась работа по созданию первых киргизских опер и балетов.

В мае 1939 года состоялась премьера оперы «Айчурек», которая в числе других произведений была показана на первой декаде киргизского искусства в Москве и получила высокую оценку зрителей и критики. Это был плод совместного творчества трех молодых музыкантов – киргизского певца и композитора, а в сущности, одаренного музыканта-самородка, еще не имевшего должного профессионального образования, Абдыласа Малдыбаева и его московских коллег – Владимира Власова и Владимира Фере.

Именно они, вместе с композитором Петром Шубиным, жившем и работавшем в Киргизии с конца 20-х годов, образовали ядро нового творческого союза, в состав которого вошли и выдающиеся народные музыканты, авторы многих замечательных песен и инструментальных наигрышей (кюу) – Мураталы Куренкеев, Карамолдо Орозов, Ыбрай Туманов, Атай Огонбаев. Возглавил организацию 33-летний музыкант, народный артист СССР Абдылас Малдыбаев, бывший бессменным ее руководителем почти три десятилетия.

В последующие годы, хотя и медленно, но организация все же пополнялась новыми членами. Это были трудные годы, шла жестокая, кровопролитная война, и профессиональных кадров в республике катастрофически не хватало. Поэтому в 1942 году в Союз композиторов были приняты студенты, обучавшиеся тогда в национальной студии при Московской консерватории, – Мукаш Абдраев, Аскар Тулеев и Акмат Аманбаев. Чуть раньше членом творческой организации стал талантливый музыкантсамоучка, композитор-мелодист Джумамудун Шералиев. Плодотворно работал в республике композитор Михаил Раухвергер – автор известного балета «Чолпон». В 1949 году членом Союза стал одаренный музыкант, студент Московской консерватории, безвременно ушедший из жизни Сейдалы Медетов (1928–1958).

Так продолжалось до 60-х годов, пока Союз композиторов Киргизии не пополнился профессиональными музыкантами с консерваторским образованием. Его новыми членами стали Калый Молдобасанов, Насыр Давлесов, Борис Феферман, Алтынбек Джаныбеков, Михаил Бурштин, музыковед Владимир Янковский.

Первым же национальным композитором-профессионалом с дипломом композиторского факультета Московской консерватории (1950) стал Мукаш Абдраев. Он же и возглавил творческую организацию республики в 1967 году.

Вообще, 1967 год был знаменательным в культурной жизни республики: в этом году был создан симфонический оркестр и открыт Киргизский государственный институт искусств, которому впоследствии было присвоено имя выдающейся киргизской балерины Бибисары Бейшеналиевой. В числе специальностей, которым обучали в институте, была и композиция. Благодаря этому, число профессиональных композиторов в республике стало заметно возрастать. Среди первых выпускников вуза, ставших вскоре членами Союза композиторов Киргизии, были Эсенгул Джумабаев, Асан Мурзабаев, Жылдыз Малдыбаева, Кенжегазы Асанбаев, Акимжан Жээнбай, Бекболот Абдыраимов и др. Кроме того, многие композиторы получили прекрасную подготовку в музыкальных вузах Москвы, Ленинграда, Ташкента, Алма-Аты.

Это – Сатылган Осмонов, Михаил Бурштин, Владимир Гусев, Токтомуш Чалапинов, Владимир Роман, Муратбек Бегалиев, Бакыт Алишеров. В 80-х годах композиторская организация республики насчитывала уже в своих рядах почти сорок членов. Увеличивалось количество, росло и качество. Киргизские композиторы работали теперь практически во всех жанрах музыки – от песен и инструментальных пьес до опер, балетов и симфоний; некоторые из них смело осваивали современные методы композиторской техники (додекафонию, сериальность, алеаторику и др.), сохраняя при этом свою национальную почвенность. В той или иной степени этими методами письма пользовались К. Молдобасанов, М. Бурштин, А. Мурзабаев, М. Бегалиев, С. Бактыгулов и др.

Появляются такие знаменательные для киргизского музыкального искусства сочинения, как балеты К. Молдобасанова, оперы С. Осмонова и Н. Давлесова, симфонии А. Тулеева, А. Джаныбекова, симфонические поэмы и оркестровые пьесы Т. Эрматова, Э. Джумабаева, М. Бегалиева, песни и хоры М. Абдраева, Н. Давлесова, А. Жээнбая, фортепианные пьесы и обработки М. Бурштина, Ж. Малдыбаевой. К числу несомненных творческих удач композиторов республики можно отнести музыкальную комедию Н. Давлесова «Осторожно, невеста!», «Симфонические танцы» А. Джаныбекова, поэму для оркестра «Карагул ботом» Э. Джумабаева, концерт для голоса с оркестром С. Осмонова, «Киргизскую сюиту» и «Ностальгию» М. Бегалиева. Кроме того, успешно осваиваются и такие сложные музыкальные формы, как вокально-симфоническая поэма, кантата, оратория, реквием, инструментальный концерт, увертюра, соната, фантазия, рапсодия, партита, фуга, струнный квартет, другие виды ансамблей и т.д. Плодотворно работают композиторы, создавая музыку для кино и театральных постановок. Здесь наиболее ярко проявляют себя Т. Эрматов, Э. Джумабаев, Б. Глухов, М. Бегалиев, Б. Абдыраимов, К. Асанбаев, С. Бактыгулов. Успех национального кинематографа тех лет был обеспечен и качеством звучавшей в фильмах музыки.

Многие произведения киргизских композиторов были отмечены престижными всесоюзными и республиканскими премиями, получили международное признание. В их числе – балет-оратория К. Молдобасанова «Материнское поле» (Государственная премия СССР 1976 г.) и симфоническая поэма «Последний день Помпеи»

Муратбека Бегалиева. Кроме того, на проходивших в Москве в 80-х годах всесоюзных конкурсах были удостоены наград сочинения Н. Давлесова, Б. Глухова, С. Турдубаева и их молодых коллег – С. Полуэктова, Ю. Фебенчука, Т. Асанакунова. Созданные композиторами Киргизстана сочинения исполнялись в городах Российской Федерации, Украины, Казахстана, Узбекистана, а некоторые – и в странах дальнего зарубежья. Неоднократно звучала киргизская музыка во Всесоюзном Доме композиторов, Колонном зале Дома союзов, Большом и Малом залах Московской консерватории и других не менее престижных концертных площадках страны.

60–80-е годы были наиболее благодатным периодом в деятельности киргизских композиторов. Государство не жалело средств на развитие искусства. Культурная жизнь республики, и особенно ее столицы, была насыщенной: регулярно проводились музыкальные мероприятия – конкурсы, смотры, декады, фестивали. В Киргизском академическом театре оперы и балета им. А. Малдыбаева ежегодно осуществлялась постановка трех-четырех новых спектаклей. В Киргизии гастролировали театральные труппы, исполнительские коллективы и многочисленные солисты из разных республик СССР и из-за рубежа. Так, в 1986 году во Фрунзе в течение целого месяца выступал коллектив Большого театра Союза ССР. Незабываемыми были фестивали «Весна Ала-Тоо», в которых принимали участие многие прославленные коллективы страны, известные певцы и инструменталисты.

На фоне этой панорамы регулярно проводились съезды и пленумы Союза композиторов Киргизии, в рамках которых организовывались концерты из произведений членов Союза с привлечением лучших исполнительских сил республики. Вместе с тем стали входить в практику так называемые «авторские»

концерты, составленные из произведений одного композитора.

Все это, естественно, стимулировало деятельность музыкантов.

Более того, будущие композиторы Киргизстана имели возможность получать профессиональное образование и стажироваться не только у себя на родине, но и в учебных заведениях Москвы, Ленинграда, других культурных центров страны, принимать участие в музыкальных форумах всесоюзного масштаба, выезжать в командировки за рубеж, работать в домах творчества (гг. Руза, Иваново и др.).

После распада Советского Союза деятельность Союза композиторов Киргизии и его членов пошла на убыль. Прекратилось субсидирование композиторского творчества со стороны государства, перестала действовать система госзаказов, ряд композиторов и музыковедов покинули пределы республики, другие же писали лишь от случая к случаю. Но все же были и те, кто, несмотря ни на что, продолжал сочинять музыку в надежде, что их произведения когда-то будут исполнены. Однако к концу 90-х годов ситуация изменилась. Все чаще стали появляться на свет новые сочинения, среди которых было немало по-настоящему талантливых работ. Назовем лишь некоторые из них – это «Гимн Творцу» и «Киргизские узоры» М. Бегалиева, цикл романсов на слова А. Жакшылыкова С. Осмонова, реквием-балладу «Жизнь»

на слова Токтогула и хоровой «Кошок» А. Жээнбая, балет «Джамиля» и фортепианную сонату В. Романа, сонату для флейты и фортепиано К. Асанбаева, песни Б. Алишерова, К. Эралиевой, К.А. Осмонова.

В настоящее время республиканская композиторская организация насчитывает в своих рядах около шестидесяти членов.

На смену ушедшим из жизни музыкантам старшего поколения пришли представители творческой молодежи. В последние годы деятельность киргизских композиторов и музыковедов заметно активизировалась. Оживилась и работа творческой организации: в 2004 году состоялся пленум Союза композиторов теперь уже Киргизстана, в рамках которого прошел концерт из произведений его членов, вышли в свет несколько нотных сборников и музыковедческих работ, состоялось прослушивание новых сочинений киргизских авторов. Несмотря на целый ряд достижений, перед киргизскими композиторами стоит еще немало нерешенных задач. Главная из них – создание новых, ярких, самобытных сочинений, которые отвечали бы духу времени и могли бы вывести киргизскую музыку на широкую международную арену. Это нелегкая задача, и решить ее предстоит нашим музыкантам.

Абдылас Малдыбаев А. Малдыбаев вошел как один из основоположников киргизской профессиональной музыки. Он был создателем ССР, многих других талантливых сочинений. И еще Малдыбаев был ярким, самобытным художником, композитором необычайно щедрого мелодического дара, творчество которого самым тесным образом было связано с музыкальной культурой своего народа.

Его музыка была столь искренна и естественна, что зачастую воспринималась как народная.

Лет пятьдесят назад у нас в республике не было, пожалуй, человека, который бы не знал, кто такой Малдыбаев, как и не было уголка, где бы не звучали его песни и музыка. Звучат они и сейчас, правда, не в таком объеме (у каждой эпохи свои песни).

Он оставил о себе память как талантливый композитор, певец и актер, видный музыкальный и общественный деятель. Вместе со своими соратниками – композиторами В. Власовым и В. Фере – он явился создателем киргизского музыкального театра. Удивительно, что, будучи, по-существу, талантливым музыкантомсамоучкой, он умел с таким мастерством и художественным совершенством создавать столь прекрасную музыку, своими корнями уходящую в толщу народного искусства. А. Малдыбаев первым среди творческой интеллигенции республики был удостоен высокого звания народного артиста Советского Союза, стал кавалером Ордена Ленина (тогда ему было всего тридцать три года).

И право носить это почетное звание композитор подтверждал в течение всей своей жизни.

Одной из сторон дарования композитора явилась его многолетняя работа в области песенных жанров. Здесь он был лидером и новатором. Вместе с тем он стал основоположником новых для киргизской музыки песенных жанров: песен-маршей, песен-гимнов, баллад, романсов. Известность к Малдыбаеву как композитору-песеннику пришла еще в начале двадцатых годов.

В шестнадцать лет он написал свою первую песню «Акинай», сочинив новую мелодию к тексту известной народной песни, и с тех пор сочинительство для него стало делом жизни.

Известный музыкальный фольклорист и этнограф Александр Затаевич, приехавший в Киргизию в конце 20-х годов, был поражен музыкальной одаренностью юноши и записал с его напева ряд народных песен. Затаевич отзывался о молодом музыканте, как о «хорошем знатоке и исполнителе народных песен» и «выдающемся сочинителе».

Абдылас Малдыбаев был талантливым композитором-самородком. Он сумел впитать в себя самое прекрасное от выдающихся народных музыкантов, певцов и акынов, творчески преломить все это в своем сознании и создать нечто новое, самобытное.

Его музыка, словно живительный источник, много лет питала творчество композиторов республики. Она оказала заметное влияние на таких замечательных музыкантов, как М. Абдраев, А. Тулеев, А. Аманбаев, Т. Эрматов, Н. Давлесов и многих других.

Всего за свою жизнь Малдыбаев сочинил более тысячи мелодий, из них – около четырехсот песен. Эти песни, несмотря на свою близость к фольклорным истокам, глубоко современны. В них композитор сумел передать дух нового времени, мысли и чувства людей своего поколения.

Песни Малдыбаева и по сей день исполняются на концертных площадках, звучат в эфире, их поют тысячи людей. Кому не известны такие песни, как «Киргизстан», «Кызыл жоолукчан»

(«Девушка в красной косынке»), «Кун-бугун» («Новый день»), «Кызыл атчандар» («Красные всадники»), «Кыз бурак» («Девичья»), «Алымкан». Особо следует сказать о детских песнях композитора. Музыковед В. Виноградов назвал их «настоящими жемчужинами, светящимися ярким и в то же время нежным светом». Уже не одно поколение киргизской молодежи выросло на чудесных песнях А. Малдыбаева.

В соавторстве с композиторами В. Власовым и В. Фере А. Малдыбаев создал несколько опер, ставших киргизской оперной классикой. Это «Айчурек», «Манас», «На берегах ИссыкКуля», «Токтогул». В том же содружестве была написана музыка Государственного гимна республики.

Громадная заслуга принадлежит А. Малдыбаеву и в том, что он организовал Союз композиторов Киргизии и в течение многих лет был его бессменным руководителем. В многонациональном советском искусстве XX века известны имена многих выдающихся композиторов. Это – У. Гаджибеков (Азербайджан), А. Спендиаров (Армения), З. Палиашвили (Грузия), М. Тулебаев (Казахстан) и многие другие, ставшие знаменами музыкальной культуры своих народов. Именно таким знаменем стал для киргизского народа Абдылас Малдыбаев.

А. Малдыбаев родился 7 июля 1906 года в небольшом селе Кара-Булак Кеминского района. С детских лет он познал тяжелый подневольный труд – пас овец у местного бая. Музыкальная одаренность будущего композитора проявилась очень рано. Он рос в удивительном крае, заповедном уголке Киргизии – родине многих замечательных народных музыкантов. Еще ребенком он забывал обо всем на свете, когда слушал пение убеленных сединой акынов или виртуозную игру исполнителей на народных инструментах. Одно из самых ярких музыкальных впечатлений детства – игра Мураталы Куренкеева. Абдылас родился в музыкальной семье (отец играл на комузе, мать и сестры пели). Много лет спустя композитор скажет: «Развитию моих способностей во многом содействовала эпоха, в которую я жил, песни и кюу моего народа, творчество известных музыкантов и акынов и особенно музыкальность моих родителей».

Смена общественного строя сыграла положительную роль в судьбе одаренного подростка как выходца из народа: она открыла перед ним двери в будущее, дала возможность учиться.

После окончания сельской школы Абдылас решил продолжить учебу. Больше всего он хотел учиться музыке. Но где? Кто-то посоветовал ехать в Алма-Ату. С большим трудом уговорив родителей, юноша вместе с двумя спутниками отправился в неблизкий путь. Дорога заняла ровно неделю, и не удивительно, ведь весь маршрут они прошли пешком. В Алма-Ате Абдылас был принят на подготовительный курс сельскохозяйственного техникума, но через год перешел в киргизскую группу при Казахском институте просвещения, где стал активным участником художественной самодеятельности и даже выступил в комедии «Куйручук», написанной К. Баялиновым. Это был актерский дебют Малдыбаева.

В 1926 году учащихся группы перевели в только что открывшийся во Фрунзе педагогический техникум – первое учебное заведение республики. Учеба способному и любознательному юноше давалась легко, поэтому все свободное от занятий время он посвящал приобщению к искусству. Среди сокурсников А. Малдыбаева были многие представители будущей литературно-художественной элиты Киргизстана. «Как и раньше, – вспоминал композитор, – я участвовал в песенно-хоровом, драматическом и других кружках, возглавлял оркестр струнных инструментов. Здесь же я познакомился с К. Джантошевым, М. Элебаевым, У. Абдукаимовым, Г. Айтиевым, К. Соронбаевым. Вместе играли в оркестре. Поставили пьесу…»

После окончания техникума А. Малдыбаев работал завучем театральной студии. Он не только преподавал, но и учился, постигал основы теории музыки у своего старшего товарища и коллеги – композитора П. Шубина. Еще в студенческие годы молодой музыкант всерьез увлекся театром – он выступал в любительских спектаклях, пытался подобрать к ним музыкальное оформление. И поэтому, когда во Фрунзе открылся драматический театр, он тотчас же подал заявление с просьбой принять его в труппу театра.

Вся дальнейшая жизнь А. Малдыбаева была тесно связана со становлением и развитием киргизского музыкального театра.

Чрезвычайно полезными для него были общение и совместная работа с выдающимися мастерами киргизской народной музыки – Мураталы, Карамолдо, Ыбраем, Калыком, Шаршеном, Осмонкулом, Мусой, Атаем, которые в то время были приняты на работу в театр.

Вскоре Абдылас Малдыбаев становится одним из ведущих артистов театра, поет почти во всех его спектаклях (музыка занимала значительное место в постановках театра). Много времени уделяет он и сочинительству. Еще в 1922 году музыкант сочинил свою первую песню «Акинай». Ее задушевная, проникновенная мелодия была близка по характеру народным напевам, но в то же время в ней уже ощущались черты самобытного стиля будущего композитора. Теперь же он был автором нескольких десятков вокальных сочинений. Песни, созданные А. Малдыбаевым в 30-х годах, завоевывают все большую популярность в республике.

Они привлекают своей мелодичностью, выразительностью интонаций, упругостью ритмов. Разнообразна и их тематика: песни о родине, партии (композитор искренне верил в социалистические ценности), людях труда, детях, природе и другие. Но чаще всего композитор обращается к лирике. Его привлекает поэзия Дж. Турусбекова, М. Элебаева, К. Маликова, А. Осмонова. Особенно ему близки стихи Аалы Токомбаева: он был его любимым поэтом. «Я с истинным удовольствием погружался в чтение его стихов, – писал Малдыбаев. – Меня волновали и полет мысли, и новизна формы, и революционный дух…» Всего на стихи А. Токомбаева Малдыбаевым было написано более ста песен.

В их числе – «Дети цветущей страны», «Буду ждать», «Дюрдана», «Прости», «Колыбельная» и другие.

В 1936 году состоялась знаменательная встреча А. Малдыбаева с двумя молодыми московскими композиторами – Владимиром Власовым и Владимиром Фере, приехавшими в горный край для оказания братской помощи киргизскому народу в создании первой национальной оперы. С этого времени начинается дружба и творческое сотрудничество трех замечательных музыкантов – киргиза, русского и немца, заложивших основу киргизской профессиональной музыки. Их первой совместной работой стала музыкальная драма «Аджал ордуна» («Не жизнь, а смерть»), написанная по либретто поэта и драматурга Дж. Турусбекова. Уже в этом сочинении проявился яркий, самобытный талант А. Малдыбаева, создавшего точные музыкальные характеристики главных персонажей драмы – Зулайки, Бектура, Искендера.

В последующие годы В. Власовым, А. Малдыбаевым и В. Фере были созданы произведения различных жанров – оперы («Патриоты», «Манас», «На берегах Иссык-Куля», «Токтогул»), кантаты («Юбилейная», «Привет Москве», «В родном колхозе»), оратории («Сказание о счастье») и другие. Однако главным произведением творческого содружества композиторов явилась опера, написанная на сюжет одного из эпизодов киргизского героического эпоса «Манас» – «Айчурек» («Лунная красавица»). Этому произведению было суждено стать признанным шедевром киргизской музыкальной классики, первой национальной оперой. Основной мелодический материал этого произведения принадлежит А. Малдыбаеву. Опираясь на интонации народного мелоса, композитор создал замечательные мелодии – выразительные, рельефные, удобные для тематического развития.

Опера с большим успехом была показана на Декаде киргизского искусства в Москве в мае 1939 года. В партии мужественного Кульчоро выступил солист оперы – Абдылас Малдыбаев.

Столичная пресса и зрители дали высокую оценку опере, ее создателям и исполнителям.

Этот год был особым для киргизского композитора: он стал народным артистом СССР, о нем узнала вся страна. Несмотря на официальное признание и достигнутые успехи, А. Малдыбаев прекрасно понимает, что ему не хватает знаний, необходимых для профессиональной композиторской деятельности, и, чтобы ликвидировать этот пробел, он поступает в национальную студию при Московской государственной консерватории им. П.И. Чайковского. Но занятия были недолгими – через год их прервала война.

В военные годы А. Малдыбаев пишет массовые патриотические песни, плодотворно работает в жанре романса. В ноябре 1941 года на сцене Киргостеатра была поставлена опера А. Малдыбаева, В. Власова и В. Фере «Патриоты» – первая советская опера, воплотившая тему Великой Отечественной войны.

Выдающийся русский хормейстер А. Свешников, живший и работавший тогда во Фрунзе, выступил с рецензией на спектакль, в которой отмечал подлинную народность сочинения, яркость тематического материала, масштабность развития.

Успешно выступал А. Малдыбаев и как певец. Он исполнял ведущие теноровые партии в спектаклях «Алтын кыз», «Аджал ордуна», «Кокуль», «Кыз-жибек», «Аршин мал-алан», «Евгений Онегин». Особенно хорош был Малдыбаев в партии Ленского – статный, обаятельный, с правильными чертами лица, он даже внешне как нельзя лучше соответствовал поэтичному облику пушкинского героя. Его лирический тенор звучал мягко, выразительно, проникновенно.

После окончания войны композитор продолжил учебу в консерватории, интенсивно работал над созданием новых музыкальных произведений. Широкое признание получают его новые хоры и песни – «Киргизстан», «Партбилет», «Призыв к миру», «Марш студентов», «Молодой джигит», «Прости»… Значительными событиями в культурной жизни республики становятся постановки опер «Манас» и «Токтогул», одним из авторов которых был Малдыбаев. Произведения, созданные талантливым композитором, тотчас же нашли живой отклик у слушателей. Его песни поют тысячи людей разных возрастов и профессий.

В последние годы своей жизни композитор вновь обращается к музыке для детей. В республике издаются его хрестоматии и учебные пособия по пению для общеобразовательных школ. Детские песни А. Малдыбаева отличаются своей простотой, свежестью музыкального языка, особой теплотой колорита. Они учат добру, чувству товарищества, любви к родине, труду.

Сокровенная мечта музыканта – симфония. «С тех пор, как я научился держать перо и приобщился к миру музыки, во мне живет страстное желание написать симфонию об Ала-Тоо – гордости и святыне нашего народа, чьи красоты радуют взор каждого, кто их видит», – писал Малдыбаев в 70-х годах. Однако этой мечте так и не суждено было сбыться… В 1978 году композитора не стало. Но его музыка продолжает жить. Она звучит на сцене театра и концертной эстраде, исполняется по радио и телевидению. Произведения, созданные Абдыласом Малдыбаевым, стали подлинным достоянием народа. Вот уже семь десятилетий идет на сцене Киргизского академического театра оперы и балета, носящего ныне его имя, жемчужина национальной классики – опера «Айчурек». Многочисленные песни А. Малдыбаева, которые композитор создавал в течение всей своей жизни, стали своеобразной музыкально-поэтической энциклопедией жизни киргизского народа советского периода. Патриот, убежденный интернационалист, Абдылас Малдыбаев воспел в своих произведениях родной Киргизстан, созидательный труд народа, своих современников. Своей музыкой, близкой по духу и интонационному складу к народной, он приучил киргизского слушателя к восприятию более сложных форм вокальной и инструментальной музыки. Страна высоко оценила заслуги композитора – он был награжден многими орденами и медалями, ему была присуждена Государственная премия Киргизской Республики им. Токтогула. Именем Абдыласа Малдыбаева назван флагман киргизского искусства – академический театр оперы и балета.

Михаил Раухвергер Имя Михаила Рафаиловича Раухвергера – известного российского композитора, народного артиста Киргизской уже много десятилетий не сходит со сцены Киргизского академического театра оперы и балета им. А. Малдыбаева замечательный балет «Чолпон», созданный композитором по мотивам киргизской народной сказки. Любителям музыки знакомы также оперы «Кокуль» и «Джамиля», симфонические картины «В горах АлаТоо», фортепианные пьесы «Киргизские миниатюры» и многие другие произведения Раухвергера. Главное достоинство музыки композитора в том, что он чутко восприняв особенности киргизской народной музыки, с большим мастерством и вдохновением воплотил их в своих сочинениях.

Творческий путь композитора был не совсем обычен: Раухвергер по образованию был пианист. Свое первое сочинение – детскую песню «Мы веселые ребята» Михаил Рафаилович написал в 1925 году. В это время он учился на третьем курсе Московской консерватории в классе выдающегося педагога – пианиста Феликса Блуменфельда. Песня имела большой успех у детской аудитории – вскоре ее пели во всех детских садах Москвы, а молодой музыкант получил заказ от издательства на создание новых песен.

После окончания консерватории Раухвергер был оставлен в аспирантуре. В эти же годы он дебютирует как пианист. Его приглашают участвовать в симфонических концертах, выступает он и с сольными программами. Выступления Раухвергера пользовались постоянным успехом.

Но все же концертная практика и преподавательская деятельность не становится главным поприщем молодого музыканта. Все больше времени уделяет он сочинительству. В 1928 году выходит в свет сборник «Солнышко» на слова поэтессы Агнии Барто, состоящий из восьми песен для малышей. Вскоре появляются и другие сборники: «Про птиц и животных», «Игры – загадки», «От весны до весны», «Рабочие песенки» и другие. Песни Раухвергера становятся известными и популярными. Ярким свидетельством признания заслуг молодого музыканта является избрание его заведующим секцией детской музыки Союза композиторов СССР.

В 1936 году по заказу Центрального детского театра композитор пишет музыку к пьесе Шварца «Красная шапочка». Работа в новом для него жанре увлекла Раухвергера – она раскрыла в нем дар театрального композитора. Активно работает он как автор музыки к радиопередачам и кинофильмам. В 1938 году пишет музыку к замечательному детскому фильму, составившему целую эпоху в истории советского кино, «Белеет парус одинокий», по одноименной повести Валентина Катаева.

В обращении Раухвергера к театральной, радио- и киномузыке проявляется стремление его к разнообразию художественных задач и расширению диапазона творческих интересов. Принципы, найденные в детских песнях, развиваются, но есть и новое:

композитор обращается к более широкой аудитории, он выходит на сцену, экран, в эфир. Его музыка поясняет действие, рисует картины жизни и природы. В нее входит разнохарактерность сюжетов – сказочность, романтика приключений.

В 1939 году Михаил Рафаилович Раухвергер впервые приехал в Киргизию, и с этого времени образы киргизского национального искусства прочно вошли в его творчество. Деятельность композитора всегда была созвучна событиям, происходящим в художественной жизни страны. Возникшая в то время проблема формирования национальных композиторских школ в республиках Средней Азии и Казахстане нашла отклик у многих деятелей культуры. Из Москвы, Ленинграда и других крупных городов в братские республики отправились композиторы, дирижеры, исполнители, педагоги, режиссеры и хореографы. Первыми композиторами, приехавшими в Киргизию и ставшими зачинателями движения по созданию национальной оперы, были В. Власов и В. Фере. Вскоре к ним присоединился и Раухвергер. Он предпринял сначала ряд творческих поездок в республику, а во время Великой Отечественной войны жил во Фрунзе несколько лет.

Свое знакомство с киргизской культурой начал с народной музыки и, лишь только основательно изучив ее, приступил к работе над оперой «Кокуль» («Легенда о златокудром юноше») по либретто В. Винникова и У. Сарбагишева.

Я широко использовал замечательный киргизский музыкальный фольклор – песенный и инструментальный, – вспоминал композитор. – Сейчас я уже могу утверждать: киргизская народная музыка своим ладовым богатством, эмоциональной насыщенностью, большим разнообразием ритмических конструкций и необычной лирической теплотой благотворно воздействует на мое творчество и оказывает значительное влияние на весь мой творческий путь.

В основу либретто оперы была положена сказка о сыне охотника Кокуле, его любви к дочери Джакып-хана Куляим и борьбе Кокуля с жестоким ханом. Персонажи оперы образуют два противостоящих друг другу лагеря. В одном – угнетаемый ханом простой народ, его представители: Кокуль, его родители, пастух Таз, Куляим и ее подруга Чолпон. В другом – хан, его подручный – великан Жарты-баш, свита, воины, знахарки, ведьма.

Конфликт между этими лагерями разгорается вокруг Кокуля, которого еще ребенком отняли у родителей слуги хана. Закованный цепями, он долгое время содержался в ханской неволе, где зародилось у него и Куляим светлое чувство взаимной любви. С помощью друзей Кокуль обретает свободу, возвращается к народу, соединяется с Куляим. В жаркой схватке с врагами он одерживает над ними победу.

Премьера оперы состоялась в ноябре 1942 года. Высокую оценку оперы дал композитор Юрий Шапорин: «Музыка всей оперы стоит на высоком профессиональном уровне, а отдельные номера оперы написаны с подлинным вдохновением. К ним следует отнести теплую колыбельную песенку из пролога, арию Кокуля и терцет из первого акта, и, наконец, вершиной всей оперы является глубокий, насыщенный хор и драматическая ария Куляим в сопровождении хора в третьем акте…».

Партия Кокуля основана на народных первоисточниках. Она двупланова – наряду с героическими интонациями в ней слышны и теплые лирические мотивы. Партию Кокуля исполняли многие ведущие солисты Киргизского театра оперы и балета им. А. Малдыбаева. В числе положительных героев оперы – старый мудрый пастух Таз, предсказывающий судьбу Кокуля. В его партии звучат волевые интонации, часто соприкасающиеся с фанфарной темой главного героя оперы. Одним из лучших исполнителей партии Таза был народный артист Киргизской Республики, лауреат премии Ленинского комсомола республики Эркин Касымов. Опера «Кокуль» была первым крупным сочинением Раухвергера.

В 1943 году Раухвергер принимается за сочинение балета «Чолпон», ставшего большой творческой удачей композитора.

«Тему балета мне подсказал писатель Сарбагишев, – рассказывал Михаил Рафаилович. – Она сразу же овладела мною. Меня привлекли заключенные в этой народной сказке демократическая социальная тенденция, нравственное начало, а также рельефность конфликта, выпуклость образов и скрытая танцевальность». Особо увлек меня образ злой волшебницы Айдай. В нем отдаленно совмещаются признаки Одиллии и Одетты. Не могу утверждать, что писал Айдай, ориентируясь на этот прообраз, но в целом балетное творчество Чайковского оказало на меня влияние – это бесспорно».

Извечная тема борьбы добра и зла воплощена в идее самоотверженной любви простой девушки Чолпон к сыну хана Нурдину – любви, побеждающей и жестокость Темир-хана, и коварство злой волшебницы Айдай. Трудность создания балета для композитора и постановщиков состояла в том, что в киргизской культуре отсутствовала национальная традиция танца, и это поставило перед ними задачу творческих поисков в народной музыке и народном быту – играх, состязаниях, трудовых процессах. Композитор должен был услышать и предвосхитить танцевальность так, чтобы музыка балета не потеряла своего национального лица и органично слилась с движением.

Премьера балета состоялась 30 декабря 1944 года. Спектакль имел большой успех, музыка балета быстро завоевала популярность, а финальный вальс скоро стал одной из любимейших мелодий в Киргизии.

В 1958 году на Декаде киргизской литературы и искусства в Москве балет «Чолпон» был показан в новой редакции, выполненной композитором специально для этого события. Газета «Московская правда» отмечала, что подлинным триумфом киргизского национального искусства стал показ балета «Чолпон – утренняя звезда», который с успехом демонстрировался в году во Франкфурте-на-Майне на неделе фильмов Азии. В течение многих лет балет «Чолпон» не сходил со сцены театра и являлся одним из самых любимых и посещаемых музыкальных спектаклей.

Деятельность композитора в Киргизии не ограничилась созданием оперы «Кокуль» и балета «Чолпон». Им были написаны и другие сочинения. Он работал над балетом «Близнецы», в основу которого была положена легенда об охотнике Сапаре. К сожалению, постановка балета не состоялась, а музыка «Близнецов»

была частично использована композитором в другом балете – «Джаныл». Этот балет был написан специально для выдающейся киргизской балерины Бибисары Бейшеналиевой. Автор считал ее замечательной актрисой и написал для нее три развернутых монолога, насыщенных глубокими эмоциональными переживаниями.

Преждевременная смерть балерины настолько потрясла композитора, что он настоял на том, чтобы балет не был поставлен.

В годы войны Раухвергер написал музыку к двум спектаклям Русского драматического театра имени Крупской – пьесе «Кокуль» и спектаклю «Манас и Алмамбет». Критика одобрительно отозвалась об этих спектаклях, отмечая, в частности, «прекрасную, тонкую музыку Раухвергера».

После создания «Кокуля» Раухвергер в течение длительного времени не возвращался к оперному жанру. Он искал для новой оперы современную тему лирико-психологического характера, в которой раскрывался бы внутренний мир героев, их чувства, переживания. Этим устремлениям композитора полностью отвечал сюжет повести Чингиза Айтматова «Джамиля».

Центральная идея этого произведения – необходимость борьбы против косных, отживающих представлений и традиций, неизбежность победы прогрессивных, советских взглядов, обычаев, утверждающих равноправие женщины в семейном быту и общественной жизни.

«В августе 1958 года мне попалась в “Новом мире” повесть “Джамиля” до тех пор неизвестного мне автора Айтматова.

По мере чтения я все более увлекался ею, дошел до конца и сразу решил – “вот та тема, которую я ищу”. Я позвонил драматургу Богомазову и попросил его ознакомиться с повестью. А через два дня он позвонил мне и заявил, что у него уже готов план либретто… Я начал писать музыку, даже не дожидаясь окончания либретто», – вспоминал композитор.

Премьера оперы на сцене Киргизского театра оперы и балета имени А. Малдыбаева состоялась в ноябре 1961 года. Ее постановку осуществили дирижер А. Джумахматов, режиссер Р. Тихомиров и художник А. Арефьев. Герои замечательной повести Чингиза Айтматова обрели новую жизнь – на оперной сцене.

События в опере развертываются в одном из колхозов накануне и в дни войны. Смелая, умеющая постоять за себя девушка Джамиля становится женой приверженца старых обычаев – деспотичного Садыка. В колхоз возвращается демобилизованный по ранению фронтовик Данияр. Джамиля не может примириться с унизительным положением, в которое ее при каждом случае ставит Садык. Данияр сочувствует ей и вступается за нее. Постепенно в их сердцах зарождается и крепнет чувство взаимной любви. Возникает острый конфликт, приводящий к драматической развязке: Джамиля уходит от Садыка вопреки строгим законам древнего восточного уклада. Опера заканчивается символической картиной – Джамиля и Данияр идут навстречу новой счастливой судьбе.

Действие в опере и взаимоотношения ее героев происходят на фоне колхозной жизни, поэтому значительное место в ней отводится массовым сценам – колхозный праздник, игры молодежи, проводы добровольцев на фронт, труд и быт колхозников.

В 1961 году Михаилу Раухвергеру было присвоено высокое звание народного артиста Киргизской ССР. Продолжая жить в Москве, композитор не прерывал творческих связей со ставшей ему родной Киргизией. Киргизский фольклор с его неповторимым своеобразием надолго захватил его воображение. В послевоенные годы он пишет струнный квартет на киргизские темы, симфоническую сюиту «Киргизские танцевальные мотивы», симфонические картины «В горах Ала-Тоо». О прочном и глубоком освоении киргизского мелоса свидетельствуют сделанные композитором обработки народных песен для голоса и фортепиано – их свыше ста, многочисленные фортепианные пьесы, хоры. В 1974 году Раухвергер написал оркестровую сюиту «Песни Атая», в основу которой были положены мелодии выдающегося народного певца, комузиста-виртуоза и композитора Атая Огонбаева.

Успешной работе музыканта над произведениями на киргизскую тематику способствовало его великолепное знание музыкального фольклора республики. И в то же время, внимание Раухвергера к фольклору не могло не оказать влияния на его стиль.

Стремление художника раскрыть тему приводит его к детализированной разработке фактуры музыкальной ткани, поискам выразительной гармонизации, «оплетении» мелодии подголосками – все это выполняется им с большим вкусом, чуткостью и строгим отбором элементов музыкального языка. В результате музыка приобретает изысканность, и восприятие ее требует созвучности настроению, образному миру композитора. Когда же такое художественное единомыслие есть, то слушатель соприкасается с удивительно тонким и глубоким искусством.

В 1986 году Михаилу Рафаиловичу исполнилось 85 лет. Несмотря на почтенный возраст, композитор не прерывал творческой деятельности и по заказу Министерства культуры Киргизской Республики написал ряд пьес для духовых инструментов, которые нашли широкое применение в педагогической практике.

Я много лет знаком с Михаилом Рафаиловичем, – вспоминал народный артист Киргизстана, профессор Н. Давлесов, – и мне кажется, что его музыка отображает лучшие человеческие качества этого композитора – жизнерадостность, нравственную чистоту, тонкость, мягкость, человечность. Раухвергер стоял у истоков киргизской профессиональной музыки, и сегодня остается в первых ее рядах. Его внимательное и чуткое отношение к молодым композиторам, дружеская и творческая поддержка, заинтересованность помогают вот уже третьему поколению киргизских музыкантов, а его балет «Чолпон» стал настольной книгой каждого профессионала.

М. Раухвергер скончался в Москве в 1992 году на девяносто первом году жизни.

Джумамудун Шералиев Джумамудун Шералиев занимает особое место в истории музыкальной культуры Киргизстана. Талантливый композитор-песенник, народный артист Киргизстана, он создал свои первые произведения еще в 30-х годах прошлого века. И они сразу же нашли широкое признание в народе. Исследователи подсчитали, что Шералиевым написано более 600 песен самых различных жанров. Эти песни – своеобразная музыкальная летопись, в которой нашли отражение важнейшие события времени – от эпохи первых пятилеток до наших дней.

Джумамудун родился в 1915 году в местечке Туюк-Богошу, расположенном в высокогорном Ат-Башинском районе Нарынской области. Его отец, крестьянин-бедняк, заметив тягу мальчика к музыке, собственноручно изготовил для него незамысловатый детский комуз и вручил его сыну. С тех пор мальчик не расставался со своим любимым инструментом, играть на котором выучился по слуху.

В то время семья Шералиевых жила неподалёку от пограничной зоны. Однажды Джумамудун услышал диковинную музыку – это играл на баяне молодой солдат-пограничник, который обратил внимание на мальчика и спросил его: «Ну что, малыш, любишь музыку? А комуз у тебя есть?» «Да», – робко ответил Джумамудун. «Так давай, неси его, будем играть вместе». Вихрем помчался юный музыкант за своим инструментом. И вот приступили к «репетиции». Солдат наигрывал мелодию, а Джумамудун по слуху повторял услышанное. Через некоторое время мальчик точно воспроизвел мелодию на своем инструменте. Пораженный солдат взял малыша на руки и расцеловал его. Таковы были первые уроки музыки.

Свою первую песню «Суйгон шарга» («Любимой») Джумамудун сочинил в 13 лет. Незабываемый след в душе юного музыканта оставила встреча с артистами Киргостеатра – Р. Шукурбековым, А. Боталиевым, А. Малдыбаевым, О. Болеболаевым, выступавшими с концертами в Нарынской области. Пение и игра выдающихся певцов и музыкантов расширили представление юноши о музыке, заставили его серьезно задуматься о своей будущей профессии.

В это время Джумамудун уже работал. Он рано начал свою трудовую деятельность – с 16 лет. Был артистом районного радиоузла, работником Райземотдела, заведующим общим отделом Ат-Башинского райисполкома.

В 1936 году Дж. Шералиев переезжает во Фрунзе, где его принимают в только что созданный оркестр народных инструментов Киргосфилармонии. Успешно выступает он на первой республиканской олимпиаде народного творчества. Его исполнение песни собственного сочинения «Созулма» удостаивается высокой оценки жюри.

Знаменательной в жизни молодого музыканта была и встреча с фольклористом А. Затаевичем. Ученый обратил внимание на одаренного юношу и записал от Дж. Шералиева несколько песен.

Работа в филармонии становится для Джумамудуна своеобразным университетом. Под руководством своих наставников – дирижеров П. Шубина и Ш. Орозова – он осваивает музыкальную грамоту, учится петь и играть по нотам. В оркестре Джумамудун играет на комуз-альте, выступает как солист-певец. Берет он и уроки вокала у работавшей тогда в Киргизии московского педагога Т. Романовой.

В 30-е годы Дж. Шералиевым было создано много песен. Наряду с лирическими, он пишет и песни гражданской, патриотической тематики, активно откликаясь на важнейшие события времени. В годы войны композитор вносит свой вклад в победу над врагом – он пишет песни о ратном подвиге солдат, о героическом самоотверженном труде людей в тылу.

В первые послевоенные годы Дж. Шералиев продолжает играть в оркестре народных инструментов, а с 1948 года он становится музыкальным редактором и солистом Киргизского радио.

С конца 50-х годов композитор работает заведующим музыкальной частью Нарынского музыкального драматического театра им. М. Рыскулова. Здесь он пишет музыку к спектаклям «Тоо кызы» М. Джакыпова, «Курманбек» К. Джантошева, «Мин Кыял»

Б. Жакиева, «Укей» К. Мамбетакунова. Ему принадлежат также хоровые произведения, инструментальные пьесы, ансамбли.

Однако лишь в песне со всей полнотой проявился талант музыканта. Вокальные опусы Дж. Шералиева имеют глубокие национальные истоки, многие из них уже давно воспринимаются как народные. С детства, впитав в себя особенности киргизского мелоса, композитор самобытно развил и преломил их в своем творчестве. В силу этого песни Дж. Шералиева можно безошибочно узнать с одной-двух фраз. Все они очень мелодичны, легко запоминаются, покоряют искренностью высказывания, яркой выразительностью музыкального языка. Разнообразны они и в жанровом отношении. Среди них есть песни патриотические, лиричные, шуточные, сатирические.

Особо следует сказать о песнях для детей, пользующихся большой популярностью у юных слушателей. Привлекают своей теплотой и тонким знанием душевного мира ребенка песни «Бешик ыры» («Колыбельная»), «Пионерлер ыры» («Пионерская песня»), «Ушундай бол» («Будь таким»).

Круг авторов, на стихи которых писал свои песни Шералиев, был достаточно широк, в большинстве случаев это видные киргизские поэты. Чаще всего композитор обращался к поэзии Токтогула, К. Акиева, Дж. Садыкова, Ш. Бейшеналиева, Б. Абакирова, Н. Байтемирова, К. Мамбетакунова.

Творческая и общественная деятельность композитора получила высокую официальную оценку: ему была присуждена Государственная премия Киргизской Республики им. Токтогула, он был награжден орденом «Знак Почета», медалью «За доблестный труд в Великой Отечественной войне 1941–1945 гг.», многими почетными грамотами.

Вот уже много десятилетий песни Джумамудуна Шералиева приносят радость слушателям. Они звучат на концертной эстраде, в эфире. Ноты с его песнями издаются большими тиражами.

Это свидетельство всенародного признания композитора, воспевшего в своих сочинениях жизнь и труд, мысли и чаяния своих соотечественников, расцвет родного Киргизстана.

Одним из наиболее ярких и самобытных композиторов Киргизстана был народный артист республики, лауреат Государственной премии им. Токтогула, профессор Мукаш Абдраев. Он внес весомый вклад в развитие профессиональной музыки, обогатил ее многими высокохудожественными произведениями. И в каком бы жанре не работал композитор, романс, инструментальная пьеса или ансамбль, опера или сочинение для оркестра… Музыку Абдраева всегда можно узнать на слух. Ее отличают особая мягкость, «доверительность» интонации, щедрый мелодизм и, безусловно, яркость национального колорита. По склонности своего дарования, композитор был лириком. Лирикой пронизано все его творчество. Исследуя музыку Абдраева, композитор В. Роман писал: «Лирика – излюбленная точка притяжения, своеобразная призма, через которую формировался взгляд музыканта. Лирическое преломление присутствует во всем. Произведения для голоса, гобоя и флейты, скрипки и трубы, музыка симфоническая и оперная, массовая и предназначенная для особых торжеств – все имеет лирическую окраску, но лиричность эта сугубо “абдраевская”… Ей свойственно безошибочное восприятие, она естественна и по-своему полетна».

Безусловно, лирикой не ограничивается содержательность музыки Абдраева – в ней и острая конфликтность, и эпическая широта, и многое другое… В своем творчестве композитор воспел своих современников, рассказал об их жизни и духовном облике. В нем нашли отражение и неповторимые красоты родного края, и старинные легенды, сказания, и историческое прошлое киргизского народа.

Музыка М. Абдраева близка и понятна людям разных национальностей. Популярнейший романс композитора «Горю в огне любви» неизменно включал в свои концертные программы солист Киргизского академического театра оперы и балета им. А. Малдыбаева народный артист СССР Булат Минжилкиев.

Он пел его во многих странах мира, и слушатели разных континентов тепло принимали это сочинение киргизского композитора.

Родился Мукаш Абдраев в 1920 году в небольшом селе ЧонДжар, расположенном в предгорьях Киргизского Ала-Тоо на соврменной территории Сокулукского района. Мальчик рано осиротел, и его усыновил дядя по линии матери – известный киргизский народный музыкант и певец Шаршен Теремечиков. Детские годы Мукаша прошли в родном селе, а когда ему исполнилось одиннадцать лет, он вместе с родителями переехал во Фрунзе.

Причиной переезда послужило приглашение Ш. Термечикова на работу в Киргизский драматический театр. Кроме него, в тот год в театр были приняты видные киргизские акыны, певцы, музыканты, такие, как Мураталы Куренкеев, Алымкул Усенбаев, Калык Акиев, Муса Баетов, Адамкалый Байбатыров и др.

Будущий композитор стал учиться в городской школе, а все свободное время посвящал любимому занятию – музыке. Он ходил на концерты и репетиции, слушал выступления артистов, да и сам пытался играть на комузе. Музыка постоянно звучала и дома.

К отчиму постоянно приходили друзья, артисты; вместе пели, музицировали, обсуждали текущие события. Часто звучал звонкий смех, да как могло быть иначе: ведь Шаршен был «куудул» – народный комик, неистощимый мастер на всякие шутки и выдумки. Как-то он принес новый комуз и стал играть на нем, потом перевернул его обратной стороной, и перед взором окружающих предстала казахская домбра. Шаршен ударил по струнам, и комната наполнилась звуками виртуозного казахского кюу.

Все это способствовало развитию музыкального слуха, будило воображение, желание заниматься музыкой. Заметив незаурядные способности мальчика, Шаршен отвел его в музыкальную студию при театре. В это время Мукашу исполнилось тринадцать лет. Приемная комиссия рекомендовала мальчику учиться игре на скрипке – для этого у него были все необходимые данные. Его учителями стали известные в республике музыканты – Петр Шубин и Алексей Конопко, они и привили будущему композитору любовь к музыке. Учеба давалась Мукашу легко, и поэтому два года спустя, когда студия была расформирована, а наиболее способные ученики направлены на продолжение занятий в Московский музыкальный техникум им. М. Ипполитова-Иванова, он тоже вошел в состав группы. Кроме Абдраева, в Москву поехали его друзья и сокурсники – Аскар Тулеев, Акмат Аманбаев, Фаттах Назаров, Георгий Конопко и др. (всего в Москву было направлено 15 человек).

С первых дней пребывания в столице, учащиеся киргизской группы были окружены особой заботой и вниманием. Они жили в интернате на полном государственном обеспечении, учились у лучших педагогов. Игру на скрипке Мукаш осваивал под руководством опытных музыкантов – Бориса Симского и Семена Безродного (отца выдающегося скрипача Игоря Безродного). Хотя программа была довольно насыщенной, Абдраев и его друзья учились хорошо. В свободное время ходили в театры, музеи, на концерты. Четверо юношей образовали струнный квартет, в него вошли Конопко, Абдраев, Чернович и Назаров.

В мае 1939 года, во время Декады киргизского искусства в Москве, состоялся концерт учащихся национальной группы, на котором принял участие Мукаш Абдраев. Другое выступление киргизских музыкантов состоялось год спустя во Фрунзе, на отчетном концерте учащихся театральных и музыкальных учебных заведений Москвы и Ленинграда. Хотя занятия на скрипке продолжались успешно, Мукаша все больше захватывала идея стать композитором. Мечтали об этом и его друзья – Акмат и Аскар.

И не только мечтали, но и пытались что-то сочинять. Свои первые песни и небольшие инструментальные пьески Абдраев написал в конце 30-х годов.

Осенью 1940 года начались занятия в киргизской национальной группе, созданной при Московской государственной консерватории. Среди ее первых воспитанников были трое будущих композиторов – Абдраев, Тулеев и Аманбаев. Мукаш стал заниматься в классе композиции профессора Г. Литинского. Учеба в студии при консерватории успешно продвигалась, но в июне года началась война… Несмотря на травму ноги, полученную еще в детстве, юноша попытался записаться в народное ополчение, но медицинская комиссия забраковала его. Абдраев вернулся во Фрунзе.

И хотя шла война, музыкальная жизнь киргизской столицы заметно оживилась, поскольку сюда были эвакуированы из центра многие выдающиеся композиторы и музыканты – Мясковский, Шапорин, Александров, Рахлин, Фейнберг и др., а также исполнительские коллективы – Государственный симфонический оркестр и хор. Во Фрунзе Абдраев стал заниматься у профессора В. Фере, щедро передававшего своему питомцу опыт и знания.

В конце учебного года в Союзе композиторов состоялось специальное прослушивание и обсуждение московскими профессорами произведений молодых киргизских композиторов.

Появляются первые работы Мукаша Абдраева: песни, пьесы для оркестра киргизских народных инструментов, обработки народных мелодий.

В 1943 году Абдылас Малдыбаев задумал написать для театра веселую музыкальную комедию, подобную «Аршин мал-алану»

У. Гаджибекова. Для этой работы композитор привлек своих коллег – Абдраева, Аманбаева и Тулеева. Либретто комедии, названной «Ким кантти» («Кто как поступил»), написал известный поэт Касымалы Джантошев. В ней рассказывалось о жизни киргизского села в годы войны, любви двух молодых людей, успешно преодолевших преграды, стоявшие на их пути.

Премьера спектакля состоялась 1 декабря 1943 года и прошла успешно. Несмотря на ряд недостатков, первая совместная работа молодых авторов привлекала своим оптимистичным тоном, обилием интересных сценических ситуаций, яркостью колорита народных мелодий, умело обработанных соавторами.

В числе лучших номеров комедии можно назвать лирические песни Анарбека, куплеты Мамалыка, танцевальные номера и ряд других эпизодов. Успех радовал, но требовательный к себе молодой музыкант прекрасно понимал, что ему еще нужно много учиться, прежде чем стать настоящим композитором. И в 1944 году он снова едет в Москву поступать на теоретико-композиторский факультет консерватории. Овладеть сложной профессией ему помогают призванные мастера музыкального искусства – профессора Фере, Василенко, Богатырев, Скребков, Способин и др. Много произведений было написано за шесть лет учебы. В качестве дипломной работы Абдраев представил первый акт оперы «Молодые сердца».

Но вот учеба закончена, и молодой музыкант возвращается на родину. Ему только что исполнилось тридцать лет. Работы был непочатый край, и Абдраев с головой окунулся в нее. Все свои силы он сосредоточил на опере. Приходилось нелегко – ведь в этом жанре Абдраев был первопроходцем. Все первые киргизские оперы были написаны в творческом содружестве трех музыкантов – А. Малдыбаева, В. Власова, В. Фере. Абдраев же работал один, правда, первый акт оперы был уже сочинен в консерватории. Масса исписанных черновиков, заново переделанные сцены… Но молодой композитор не отступал и твердо шел к поставленной цели. В 1953 году Киргизский театр оперы и балета принял оперу к постановке. Премьера состоялась в дни празднования годовщины революции. В новом спектакле рассказывалось о колхозной молодежи, строящей оросительный канал.

В совместном созидательном труде зарождались дружба, любовь, складывались новые отношения между людьми.

Первый опыт в оперном жанре оказался не совсем удачным – опера «Молодые сердца» не получила широкого признания, хотя в ней было немало ярких, запоминающихся страниц. «Мелодический дар Абдраева особенно проявился в лирическом образе Айкаджан, в арии Аката, дуэте Аката и Айкаджан, в ряде массовых сцен – танцах молодежи, хоре строителей и финальном хоре, музыка оперы отличалась и ярким национальным колоритом», – писал музыковед В. Янковский.

В историю киргизской музыки Абдраев вошел как один из зачинателей национальной оперы. Всего им было создано четыре оперы, и опера «Молодые сердца» явилась не только первой пробой сил, но и определенным этапом в овладении этим сложным жанром.

В начале 50-х годов композитор работает также в области хоровой музыки. Значительные успехи принадлежат ему в освоении нового для киргизской музыки жанра – хора без сопровождения.

Это – «Голос народа», «Киргизстан – дивный край», «Черноглазая», «Девушка-чабан» и др. Успешно овладев приемами хорового письма, композитор обращается к более сложным формам хоровой музыки – кантате и оратории. Первая кантата «Киргизстан» была написана в соавторстве с А. Тулеевым еще в 1946 году, теперь уже Абдраев работает самостоятельно. С 1953 по год им были написаны кантаты «Советский народ», «Песнь ликования», «Партия – наше счастье», «Торжественный день». В году в честь празднования 100-летия добровольного вхождения Киргизии в состав России композитор создает вдохновенную «Оду о великой дружбе». Она прозвучала на юбилейном концерте в исполнении хора и солистов Киргизского академического театра оперы и балета и симфонического оркестра.

Несмотря на успехи в области вокальной, хоровой, инструментальной музыки, композитор видит все же свое предназначение в создании серьезной, глубокой по содержанию национальной оперы. После «Молодых сердец» он вместе с Абдыласом Малдыбаевым пишет оперу «Токтогул», но и эта работа не приносит автору должного творческого удовлетворения. Вскоре внимание композитора привлекает поэтичная народная легенда об Олджобае и Кишимджан. Он обращается за помощью к либреттистам Турсунову и Джакыпбекову и в течение нескольких лет работает над созданием музыки. В середине 60-х годов партитура оперы была завершена, и вскоре опера увидела свет рампы. В ней рассказывалось о светлой любви двух молодых людей, счастью которых мешали предрассудки феодального прошлого, ставшие причиной трагической гибели влюбленных.

Композитор создал насыщенную глубоким психологизмом музыку, полную лиризма, песенности, национального своеобразия. Главные действующие лица – Олджобай, Кишимджан и коварный Кудаке получили яркие музыкальные характеристики.

Опера «Олджобай и Кишимджан» – одно из лучших произведений Мукаша Абдраева, и, возможно, киргизский театр еще вернется к этому произведению и по-настоящему раскроет всю глубину содержания этой вдохновенной «песни о любви».

В 60-х годах все большую популярность в республике получают песни и романсы Абдраева. Яркий мелодичный дар, искренность тона, умение создать красочный, гармоничный фон позволяют композитору найти путь к сердцам своих слушателей.

В республике нет, пожалуй, ни одного солиста, который бы не включал в свой репертуар вокальные сочинения Абдраева. Их пели С. Киизбаева, М. Махмутова, К. Чодронов, С. Бекмуратова, А. Мырзабаев, Б Минжилкиев, Т. Сейталиев, К. Сартбаева и многие другие. Особой любовью слушателей пользовались песни «Студентке», «Красный цветок», «Девичья песня», «Колыбельная», «Хлопкороб», «Песня о мире», «Джигиту», романсы «Любимому», «Горю в огне любви» и др. А подобная гимну песня «Моя республика» стала уж своеобразной визитной карточкой горного края.

В 1972 году композитор создает одно из своих самых вдохновенных произведений – «Концерт для голоса с оркестром». В этом сочинении сконцентрированы самые сильные стороны дарования М. Абдраева как лирика и мастера колорита. Музыка Концерта привлекает своей задушевностью, особой чистотой чувств и душевной щедростью. За создание этого произведения композитор был удостоен Государственной премии Киргизской Республики им. Токотогула.

Плодотворно работал композитор и в жанрах хоровой музыки. В 60–70-х годах им написаны кантаты «Цветущий Киргизстан», «Ленин», «Не забудем никогда», «Город счастья», оратория «Сын киргиза» (в соавторстве с А. Малдыбаевым), вокальносимфонические поэмы «На родине Токтогула», «Великая заря» и другие произведения. Кроме крупных хоровых полотен, Абдраев писал и небольшие хоровые сочинения. Они входили в репертуар профессиональных и самодеятельных коллективов, завоевывали популярность у слушателей. Этому способствовали демократичность языка композитора, его знание специфики хорового пения и, конечно, художественные достоинства этих сочинений.

Значительное место в творчестве М. Абдраева занимала оркестровая и камерно-инструментальная музыка. Перу композитора принадлежат сюиты «В горах Тянь-Шаня», «Праздничный кюу», симфонические поэмы «На Сусамыре», «Эмгек шаны» («Радость труда»), поэма для скрипки с оркестром, пьесы для оркестра киргизских народных инструментов. В 1973 году Абдраев написал симфоническую поэму «Рассказ Ильяса». Это произведение возникло под впечатлением повести Ч. Айтматова «Тополек мой в красной косынке». В поэме композитор попытался передать средствами музыки поэзию айтматовской прозы, духовный мир и чувства главных героев повести, и это ему удалось. Она звучит как проникновенный рассказ-исповедь человека, тяжело переживающего потерю счастья и в мыслях постоянно возвращающегося к безвозвратно ушедшему прошлому.

Наряду с симфонической музыкой, композитор работал и в камерно-инструментальных жанрах. Им сочинено несколько десятков миниатюр для струнных и духовых инструментов в сопровождении фортепиано, нашедших применение в учебнопедагогической практике. Лучшие из них звучали и звучат на концертной эстраде, к примеру, «Сюита в трех частях для скрипки и фортепиано».

Однако, говоря о творческой деятельности Мукаша Абдраева, невозможно умолчать о его педагогической работе – ведь почти 30 лет своей жизни готовил молодых специалистов. Начиная с 1950 года музыкант совмещал творчество с преподавательской деятельностью – вначале в музыкальном училище, затем – в Киргизском женском педагогическом институте им. В.В. Маяковского и, наконец, с 1967 года и до конца своих дней – в Государственном институте искусств им. Б. Бейшеналиевой, где он не только проводил занятия со студентами, но и заведовал кафедрой композиции. За годы работы в учебных заведениях республики профессор Абдраев подготовил десятки квалифицированных специалистов.

В числе его воспитанников композиторы Э. Джумабаев, М. Бегалиев, А. Жээнбай, С. Турдубаев, Б. Абдыраимов, С. Бактыгулов и др. В каждом своем ученике Мукаш Абдраев старался развить его индивидуальность, был сдержан и тактичен, всегда доброжелателен. С любовью и признательностью вспоминают учителя его ученики, посвящают ему свои сочинения. О годах учебы в классе профессора Абдраева рассказывает композитор Э. Джумабаев:

Сказать о Мукаше Абдраевиче, что он просто был моим педагогом и наставником, – это мало: он был для меня, да и не только для меня, а для всех его учеников – настоящим другом, старшим товарищем, а еще лучше сказать – вторым отцом.

Мы все любили и почитали его, и он к нам относился так же.

Уроки учителя были насыщенными и интересными, а занимался Мукаш Абдраевич, не считаясь со временем. Иной урок вместо положенных 45 минут, продолжался два-три часа. Он мог дотошно анализировать каждый такт, часто садился за инструмент и показывал, как можно развивать ту или иную тему, предлагая различные варианты, но никогда не навязывал своей воли, а добивался, чтоб каждый из нас развивался сам.

Мукаш Абдраевич много рассказывал нам о музыке, о композиторском творчестве, делился своими мыслями. Будучи одним из ведущих композиторов Киргизии, председателем творческого союза, он, естественно, имел массу других дел. Бывало, на месяцдругой уезжал в Дом творчества или по другим делам… Встреча была всегда радостной и долгожданной – чувствовалось, что не только мы, но и наш профессор соскучились друг по другу.

Абдраев был первоклассным специалистом, мастером своего дела, и он искренне хотел, чтобы и мы, его ученики, тоже стали хорошими музыкантами. Наш учитель был настоящим человеком – добрым, отзывчивым, очень мягким в общении – он никогда не повышал голоса. Учеба у Абдраева была хорошей школой, и я без преувеличения могу сказать, что всеми успехами обязан своему учителю.

Творческая деятельность М. Абдраева многогранна: он собирал, изучал и обрабатывал образцы народной музыки, писал книги и учебные пособия по музыке для общеобразовательной школы, много сил отдавал общественной работе. Особое место в творческом наследии композитора занимала музыка для детей – песни, хоры, инструментальные пьесы.

В течение двенадцати лет (с 1967 по 1979 год) Абдраев был председателем правления Союза композиторов Киргизии, избирался членом правления и секретарем Союза композиторов СССР, дважды был избран депутатом Верховного Совета республики.

Его доблестный труд был отмечен высокими наградами Родины – орденами, медалями, почетными грамотами.

Говоря об Абдраеве, нельзя не сказать о его душевных качествах. Это был исключительно мягкий, сердечный и отзывчивый человек. Он всегда был доброжелателен, старался помочь людям – коллегам, молодым музыкантам, ученикам. Умел терпеливо выслушать собеседника, помочь ему добрым словом или делом. И не было случая, чтобы Мукаш Абдраевич кому-нибудь отказал. Благодаря его стараниям десятки музыкантов нашли свое место в жизни, стали хорошими специалистами. Они и по сей день благодарны своему старшему товарищу, другу, учителю.

полный творческих замыслов и неосуществленных планов. Исключительная Однако жизнь его не баловала. Осиротев в восемь лет, мальчик воспитывался в семье своего дяди – Акбалы Асанова. Его детство прошло в живописной Джумгальской долине – родине многих артистов и музыкантов. Здесь некогда жил веселый и находчивый острослов Куйручук, здесь прошли детские и отроческие годы выдающегося киргизского драматического актера Муратбека Рыскулова… Больше всего на свете любил Сейдалы слушать игру народных музыкантов. Природные музыкальные способности: тонкий слух, хорошая память – помогали ему буквально «с лету» схватывать и тут же воспроизводить услышанное на инструменте. Даже убеленные сединами аксакалы удивлялись способностям мальчика.

Музыка властно притягивала к себе самородка. Не по годам серьезный, будучи еще учеником шестого класса, Сейдалы стал работать в Нарынском народном театре, а через два года он переехал во Фрунзе и был принят в состав оркестра народных инструментов Киргизской государственной филармонии. Шел 1942 год. Большинство музыкантов филармонии ушли на фронт и с оружием в руках защищали Родину. В оркестре остались одни старики, но и их было мало. Тогда руководитель оркестра – композитор и дирижер П.Ф. Шубин – привлек для работы в оркестре несколько одаренных подростков. Так в коллектив вошли будущие композиторы – К. Молдобасанов, Н. Давлесов, С. Медетов, а вместе с ними в оркестре играли прославленные мастера народного искусства – Мураталы, Карамолдо, Атай, Ыбрай, Муса и другие. Петр Федорович Шубин был для молодых музыкантов не только руководителем коллектива, но и учителем, наставником, старшим товарищем. Заметив незаурядное дарование своих питомцев – Медетова, Молдобасанова, Давлесова, Кулболдиева, он рекомендовал их для поступления в музыкальное училище.

Сейдалы поступил первым. Это случилось в 1944 году. Юноша стал обучаться игре на виолончели в классе педагога Анатолия Шмидта. Следует отметить, что в годы войны во Фрунзе находился в эвакуации Государственный симфонический оркестр Союза ССР, и некоторые из музыкантов остались впоследствии работать в Киргизии. В те годы в училище работали Р. Миронович, Т. Троянский, П. Шокальский, Р. Хубларов, Д. Дубинская – все прекрасные музыканты и педагоги. Сейдалы самозабвенно, не жалея сил и времени, осваивал премудрости музыкальной науки. В свободные вечера ходил в оперный театр, на концерты. Очень любил следить за дирижером, поражаясь, как один человек управляет большим симфоническим оркестром. Когда же в училище открылось дирижерское отделение, Медетов стал заниматься и по второй музыкальной специальности. Класс дирижирования вел Ростислав Георгиевич Миронович.

Вспоминает профессор К. Айтыгулов:

Мне довелось учиться вместе с Сейдалы Медетовым и во Фрунзе у Р. Мироновича, и затем в Москве. Это был очень способный и исключительно трудолюбивый человек. Обладая редким для музыканта природным даром – абсолютным слухом, он легко усваивал учебный материал. Сейдалы хорошо играл на нескольких музыкальных инструментах – виолончели, комузе, фортепиано.

Он мог часами просиживать за роялем. Помню, как Медетов легко и непринужденно играл на рояле свои фортепианные сочинения или аккомпанировал своим друзьям-инструменталистам.

Тогда в Московской консерватории вместе с Медетовым учились К. Молдобасанов, Т. Эрматов, Н. Давлесов, З. Мамбеталиев. И хотя все мы были почти ровесники, но к Медетову относились как к старшему товарищу – настолько он пользовался авторитетом и уважением среди нас. Учился он отлично. Когда не зайдешь к нему – он сидит или за учебниками, или за инструментом. Читал он много – вся его комната была завалена книгами.

Мы все очень любили Сейдалы, тянулись к нему. Наш товарищ был очень простой, по характеру – спокойный, общительный, но немногословный. Еще он был справедливым и честным. Одним из его увлечений было посещение симфонических концертов, причем он ходил не только на концерты, но старался попасть и на репетиции – посмотреть, как работает с оркестром тот или иной дирижер… Все свободное время Медетов отдавал сочинению, но думаю, что он мог бы написать значительно больше. Однако Сейдалы не спешил, не распылялся, а накапливал знания, без которых немыслима полноценная работа композитора… В начале 50-х годов Медетовым были написаны первые серьезные работы: Сюита для оркестра, хоры «Счастливый Киргизстан», «Бескрайний Ала-Тоо», «Печаль Токтогула», фортепианные пьесы и песни.

В 1951 году Киргизстан торжественно отметил свое 25-летие.

К этому событию композитор в соавторстве со своим педагогом Виссарионом Шебалиным написал кантату «Партии слава», которая с успехом была исполнена во Фрунзе. Вторую кантату «Наш мирный труд» (на слова поэтов Данцигера и Казангапова) Медетов написал самостоятельно. Это было большое вокальносимфоническое полотно для солистов, хора и оркестра в пяти частях. Кантата была исполнена на одном из концертов Третьего пленума правления Союза композиторов Киргизии. Выступая на пленарном заседании, ответственный секретарь Союза П. Шокальский дал положительную оценку этому сочинению, особо отметив оркестровое вступление, а также арии баритона и меццосопрано из третьей и четвертой части кантаты.

Другим произведением Медетова, прозвучавшем на пленуме в декабре 1954 года, была «Праздничная увертюра». Сочинение было тепло встречено слушателями и критикой. По достоинству оценили увертюру композиторы Афанасьев и Тулебаев, музыковед В. Виноградов. Несколько лет спустя она была исполнена на концерте в Большом зале Московской консерватории во время Декады киргизского искусства и литературы в Москве. «Талантливые киргизские композиторы Малдыбаев, Тулеев, Аманбаев, Медетов, Эрматов и другие создали красочные симфонические произведения, воплощающие яркие жизненные темы и образы, – писала тогда газета “Советская культура”. – Богатое содержание музыки композиторы мастерски передают в красочном звучании оркестра, умело развивая народно-песенный и танцевальный материал…»

В 1954 году Сейдалы Медетов окончил Киргизскую национальную студию при консерватории и стал студентом первого курса композиторского факультета (класс проф. М. Чулаки).

В этом же году им была написана фортепианная соната, посвященная памяти Эдварда Грига – любимого композитора музыканта.

В этом одночастном произведении, написанном преимущественно в лирическом ключе, доминирует светлое, жизнеутверждающее настроение. Как и другие фортепианные сочинения Медетова, соната удобна для исполнения, пианистична. Это объясняется тем, что молодой композитор уделял большое внимание игре на фортепиано и довольно прилично владел этим инструментом.

Учебу в консерватории Сейдалы совмещает с активным участием в музыкальной жизни республики. В конце 1955 года он выезжает во Фрунзе для участия в работе Второго съезда композиторов Киргизии. Медетова волнует состояние оркестра народных инструментов филармонии – коллектива, в котором он впервые приобщился к миру музыки. И в канун съезда композитор выступает в печати с призывом завершить реконструкцию инструментов оркестра и добиться его полноценного звучания, яркого национального колорита.

Появляются новые сочинения Медетова – Струнный квартет, Скерцо для скрипки и фортепиано, Сюита для фортепиано в четырех частях, песни. С самого начала прочно вошла в репертуар пианистов республики его фортепианная сюита. Этому способствовали несомненные достоинства произведения – мелодичность, сочность музыкального языка, яркость национального колорита. В четырех частях сюиты – «Ночь в горах», «Танец девушки», «Сказка» и «Состязания джигитов» – нашли отражение картины природы и быта народа Киргизии.

Первая половина 1957 года была периодом подготовки к Всемирному фестивалю молодежи и студентов в Москве. Композиторы Киргизии создавали различные произведения, посвященные этому событию. Активное участие в этом принял и Сейдалы Медетов, написавший ряд новых песен, в их числе «Песня о мире», «Пусть будет небо голубым», «Фестивальная песня».

В журнале «Дружба народов» публикуется статья музыковеда В. Дельсона о развитии профессионального музыкального искусства в Киргизии. «Все ярче и заметнее проявляют себя новые молодые киргизские кадры композиторов. Это уже не самоучки, так называемые “композиторы-мелодисты”. Теперь это профессионально подкованные музыканты, окончившие консерваторию (или студенты консерваторий). Таковы, например, Сейдалы Медетов или Таштан Эрматов. Оба они родились в 1928 году, оба обучаются в Московской государственной консерватории имени Чайковского. Пишут они для симфонического оркестра и хора, для струнного квартета и фортепиано, для оркестра народных инструментов и голоса», – отмечал автор статьи.

Энергичная, маршевая «Фестивальная песня» на слова поэта Б. Сарнагоева вошла в репертуар киргизского студенческого хора и исполнялась в Москве. Хор под руководством Султана Юсупова был признан лучшим на республиканском фестивале, на фестивале в Москве был отмечен Золотой медалью. «Фестиваль, фестиваль, мы крепки, словно сталь», – пели студенты, вдохновленные музыкой их соотечественника – композитора Сейдалы Медетова.

Позже песня вошла в репертуар ведущих киргизских певцов. Исполняла ее и народная артистка СССР Сайра Киизбаева.

Одним из самых популярных произведений Медетова является «Танец девушки-хлопкоробки», написанный для струнного квартета. Трепетно-нежной задумчивой мелодии крайних разделов, рисующих картину бескрайних хлопковых полей, противопоставляются задорные, темпераментные ритмы среднего раздела, передающего чувство радости созидательного труда. «Танец девушки-хлопкоробки» чаще исполняется в переложении для других инструментов.

Перу Медетова принадлежит около двадцати песен и обработок народных мелодий. Наряду с песнями патриотического содержания, композитор воспевает созидательный труд своих современников («Песня чабана»), образы природы («Летнее утро»), мир детства («Колыбельная», «Школьница Калыйман»). Привлекают своей теплотой и искренностью чувств его лирические песни «Не знаю, почему», «Приди, любимый» и др.

В октябре 1958 года в Москве открылась Вторая декада киргизского искусства и литературы. В расположение артистов из Киргизии были представлены лучшие столичные залы – Колонный зал Дома союзов, Концертный зал имени Чайковского, Малый зал консерватории. Исполнялись сочинения Малдыбаева, Абдраева, Тулеева, Аманбаева, Давлесова, Эрматова, Медетова. Страницы газет пестрели сообщениями о ходе Декады. Немало теплых слов было сказано и в адрес Сейдалы Медетова. На камерном концерте, состоявшемся в Малом зале консерватории, прозвучал его струнный квартет. В рецензии кандидата искусствоведения Н. Рогожиной, опубликованной в газете «Советская культура», отмечалось органичное слияние классических и народных традиций в этом сочинении, исполненном квартетом аспирантов Московской консерватории.

Однако композитор не был в числе участников Декады и не услышал исполнения своих сочинений – за полтора месяца до Декады трагический случай оборвал жизнь одаренного музыканта.

Он погиб в авиационной катастрофе… Жизнь только начиналась, до окончания консерватории оставался всего один курс. Остались неосуществленными многие замыслы и творческие планы… И все же Сейдалы Медетов многое успел сделать. Список его произведений невелик, но все сочинения композитора самобытны и представляют значительный художественный интерес. Его музыка оптимистична, жизнеутверждающа, имеет прочные связи с национальными истоками.

Медетов был одним из первых профессиональных композиторов Киргизии и внес немалый вклад в развитие музыкальной культуры республики. Его сочинения пользуются заслуженной любовью слушателей.

немало содействовал развитию профессионального музыкального искусства республики. Самые значительные симфонической музыки. Многим музыкантам и любителям музыки известны его оркестровые произведения, Музыку Эрматова отличают «ее реалистическая направленность, прочная опора на интонационную основу народно-песенного мелодизма, национальную специфику которого композитор смело преобразует в духе современности. Он находится в постоянных поисках новых средств выразительности, сохранив со студенческой поры неукротимую пытливость и жажду обогатить свой композиторский опыт», – писал в 70-х годах музыковед В. Янковский.

Путь в профессиональное искусство был у Эрматова нелегким. Ранние детские годы будущий музыкант провел в селе Спасском, расположенном на юге республики в Сузакском районе Ошской области. Односельчанами Таштана были русские переселенцы, приехавшие в Киргизию в конце прошлого века.

Звучание киргизского комуза и русской гармони формировали первые музыкальные впечатления мальчика. Звучала музыка и в родительском доме: мать Таштана любила петь (надолго сохранил композитор в своей памяти ее колыбельные песни), а дядя Жолубай был известным в округе акыном-импровизатором.

Но безмятежное детство продолжалось недолго: когда Таштану было пять-шесть лет, отец умер, а затем мать… Сирота был определен в детский дом города Пржевальска (ныне Каракол).

Здесь был хороший духовой оркестр, которым руководил бывший военный капельмейстер Михаил Бушуев. И хотя Таштан не играл в оркестре (там играли ребята постарше), он очень любил слушать его игру. А репертуар оркестра был очень разнообразным – помимо строевых маршей и танцевальных пьес в него входили и несложные обработки классических произведений. Все это откладывалось в памяти будущего музыканта.

В детском доме Таштан научился немного играть на мандолине. Однако перед самой войной детский дом был расформирован, а его воспитанники направлены в другие детские учреждения.

Эрматов стал учиться в ремесленном училище и вскоре овладел профессией токаря. Дальнейшую его судьбу решил случай.

В 1944 году во Фрунзе состоялась Республиканская олимпиада народного творчества. Одним из ее участников стал Таштан Эрматов, исполнивший на мандолине несколько пьесок. Одаренного подростка заметили, прослушали и пригласили на работу в филармонический хор. Пение в хоре оказало большое влияние на Эрматова, определило круг его интересов. В концертный репертуар исполнительского коллектива, который в те годы возглавлял выпускник Московской консерватории хормейстер Т. Троянский, входили обработки киргизских, русских, украинских народных песен, хоровые сочинения западноевропейских, русских и киргизских композиторов. Вместе с хором Эрматов выступал в городах и селах республики.

Проработав год в хоре, Таштан поступил во Фрунзенское музыкальное училище, в класс контрабаса педагога Алексеева.

Но окончить училище юноше не удалось: в 1947 году он прошел отбор и был принят в киргизскую национальную студию при Московской государственной консерватории имени Чайковского.

Как бывший хоровик, юноша стал заниматься на вокальном отделении. У него обнаружился неплохой баритональный бас, занятия продвигались успешно и быть бы ему певцом, но началась мутация, перестал «звучать» средний регистр голоса и пришлось подумать о смене специальности… По теоретическим дисциплинам Эрматов занимался у Теодора Фридриховича Мюллера – известного музыковеда, профессора консерватории. Однажды он показал педагогу свои первые сочинения – песни «Красный цветок» и «Качели». Мюллер внимательно прослушал их и сказал: «Вот твое призвание – пиши музыку!» Вскоре эти песни исполнил сокурсник Таштана – певец Сейдахмат Токтоналиев. Они были записаны на Всесоюзном радио, неоднократно звучали в его передачах, а молодой автор получил свой первый гонорар.

Дальнейшие занятия в студии Эрматов продолжал уже как композитор. Его наставниками стали известные композиторы С. Баласанян и А. Александров. Под их руководством молодым музыкантом были написаны первые инструментальные пьесы и Симфоническая поэма ре мажор – его дипломная работа. Были написаны и две части симфонии, но их ноты, к сожалению, оказались утерянными. В 1953 году Эрматов окончил студию, а год спустя он поступил на теоретико-композиторский факультет консерватории.

В консерватории педагогами Эрматова были профессора А. Александров, С. Богатырев, Ю. Шапорин, а на последних курсах – В. Фере. Позже композитор рассказывал:

Мне очень повезло с педагогами. Моими учителями были крупнейшие композиторы того времени. Кроме того, они были всесторонне образованными музыкантами, прекрасными педагогами, и каждый из них – личностью. Особенно я обязан Анатолию Николаевичу Александрову – талантливому композитору и педагогу. Анатолий Николаевич был очень чутким, добрым человеком, но требовательным педагогом. Помню, как он добивался от нас, своих студентов, чистоты голосоведения, тщательной выверенности текста. Под его руководством мной были написаны фортепианные прелюдии, соната, квартет, Симфоническая поэма ре мажор. Я часто бывал у Анатолия Николаевича дома.

Прежде чем приступить к уроку, он всегда интересовался, как у меня дела, предлагал перекусить, выпить чашку кофе… Много мне дали и другие учителя – Семен Семенович Богатырев, Юрий Александрович Шапорин, Владимир Георгиевич Фере.

Моими однокурсниками и товарищами по консерватории были композиторы Кирилл Молчанов, Роман Леденев, Альфред Шнитке, Евгений Крылатов, Эдисон Денисов, Эдуард Артемьев, Сергей Агабабов, музыковеды Юрий Холопов, Владимир Янковский и другие. Это были музыканты разных национальностей, но всех нас объединяла любовь к музыке, стремление к знаниям.

В консерватории учились и мои земляки – Сейдалы Медетов, Калый Молдобасанов, Асанхан Джумахматов, Насыр Давлесов.

Летом 1956 года я и трое моих сокурсников – Альфред Шнитке с женой и музыковед Инна Чумакова – были направлены Союзом композиторов СССР в фольклорную экспедицию в Киргизию.

Это была незабываемая поездка. Во Фрунзе нас принял министр культуры республики Казакбаев: он проявил заинтересованность к нашей экспедиции; в наше распоряжение была выделена автомашина «Победа» и мы отправились в поездку на Иссык-Куль.

В пути мы часто останавливались, встречались с народными певцами и исполнителями, записывали их песни и наигрыши.

Особенно повезло в селе Корумды, где мы познакомились с выдающимся киргизским народным музыкантом Карамолдо Орозовым… Объехав вокруг озера Иссык-Куль, мы вернулись во Фрунзе, а затем и в Москву.

Учился Эрматов хорошо – тяга к знаниям были отличительной чертой его характера. В свободное время любил ходить на концерты, в театр, слушать музыку. Выросший в детдоме, он ценил дружбу, помогал товарищам, поступал по-справедливости.

Как отмечали сокурсники, был очень требователен к себе. Если сочинение ему чем-то не нравилось, он мог легко уничтожить его. Когда кончались скромные студенческие деньги, он вечером шел на станцию и разгружал вагоны, а на добытые тяжким трудом средства покупал продукты, которые шли в общий котел. Все остальное время Эрматов посвящал творчеству. За годы учебы в консерватории им были написаны произведения различных форм и жанров. В их числе «Драматическая поэма», Соната для виолончели и фортепиано, Симфоническая поэма си минор, кантата «Ленинский путь». Вспоминает народный артист Киргизской Республики, профессор Н. Давлесов:

Уже в консерваторские годы Таштан Эрматов выделялся своим композиторским дарованием. Его студенческие работы не только получали одобрение педагогов, но и исполнялись на концертах, рекомендовались в качестве пьес педагогического репертуара. Помню, что его прелюдии и другие фортепианные пьесы играли студенты в классе профессора Л. Оборина. Пользовалась популярностью и его виолончельная соната. Однако наибольших успехов Эрматов достиг в оркестровой музыке. Симфоническое мышление музыканта сформировалось под благотворным воздействием русской композиторской школы – Чайковского, Рахманинова, но его основой всегда была национальная почвенность. Даже в тех случаях, когда Таштан обращался к фольклорным источникам, он их творчески преобразовывал, внося в них нечто новое. Если же темы были авторские, то и в них неизменно ощущался киргизский колорит. Хорошо владея приемами оркестрового письма, он мастерски выстраивал музыкальную драматургию сочинения. Я бы назвал Эрматова классиком киргизской симфонической музыки.

Кантату на слова Дж. Турусбекова «Ленинский путь» Эрматов написал в 1957 году, а год спустя она была исполнена в Большом зале Московской консерватории во время Декады киргизской литературы и искусства в Москве (дирижер – Н. Давлесов). В кантате было четыре части: «Дочь труда», «Ты помнишь прошлое», «Утро» и «Финал». Музыка сочинения подкупала искренностью тона, умелым развитием тематического материала, рельефностью звучания хора и оркестра.